Reportaje completo en http://www.escenamadrid.com/actualidad/noticia.php?id=17076
Pía Tedesco estrena este montaje lleno de humor (a veces negro) y música
en el Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa. La actriz estará
acompañada por Sebastián Chames al piano y Chema Saiz a la guitarra, dos
músicos del jazz de nuestro país.
Qué pasaría si le contaras a tu psicólogo absolutamente todos tus
traumas y anhelos en una sola sesión? Eso es lo que intenta hacer la
protagonista de Envidia de la Luz. El psicólogo está encarnado en el
público presente en cada función, y será testigo y confidente de la
psique disparatada de esta mujer interpretada por la actriz y cantante
Pía Tedesco, conocida, además de por su faceta musical, por sus
creaciones escénicas llenas de elementos propios del cabaret más puro y
que la han convertido en uno de los referentes de este género en España.
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jueves, 25 de enero de 2018
jueves, 28 de diciembre de 2017
La Compañía La Bicicleta presenta el Musical Cuento de Navidad en el Teatro Sanpol
Reportaje completo en www.eter.com
Al placer de ver las obras de la Compañía La Bicicleta, se une en muchas ocasiones, como esta, el placer de ver el teatro lleno de niños disfrutando de la cultura. Siempre lo digo, el Teatro Sanpol es un centro de creación de nuevos públicos. Me gustaría ver por allí algún día a nuestro Consejero de Cultura, Jaime de los Santos, apoyando con su presencia esta extraordinaria labor educativo/cultural.
En esta ocasión La Bicicleta presenta un excelente musical basado en la obra homónima de Charles Dickens. Un espectáculo apto para todas la edades al que yo recomiendo asistir. Si en el mundo de la danza El Cascanueces es obligado en fechas navideñas, este Cuento de Navidad no debería faltar cada año en el mundo del Musical.
CUENTO DE NAVIDAD
La mas bella historia de Navidad, la de Charles Dickens, nos acompaño durante las navidades del 2010. Estrenamos un nuevo siglo viviéndolo como si todo él fuera una Nochebuena.
La Navidad son esos días en que demostramos nuestro cariño a nuestros semejantes, donde todo aquello que deseamos puede ser posible y si podemos echar una mano lo hacemos con lo mejor de nuestro corazón.
Un día al llegar la Nochebuena el señor Scrooge se enfrenta a sus pequeñas y grandes miserias terrenales y tiene que revivir todas las acciones malas que realizó. Afortunadamente, la noche de Navidad puede hacer el “milagro” de que recapacitemos y cambiemos nuestra manera de vivir y de relacionarnos con los demás.
Un gran elenco de actores y bailarines con una producción deslumbrante hizo que Cuento de Navidad una historia que siempre recordaremos.
Scrooge Javier/ Ibarz
Bob Crachit, Espiritu 1 y Viejo Joe/ Victor Benedé
Fred, Jacob Marley, Sr. Fezziwig y Espiritu 2/ Albert Suárez
Dama, Anna, Sra Fezziwig y Sra. Dilver/ Natalia Jara
Bella, niño, Fanny/ María Arévalo
Isabel, Niña del pavo y Marta/ Sara Fandiño
Niña, Tim y Escarlata/ Miriam Arias Pérez
Chico, Tooper, Espiritu 3, Richard y Niño Scrooge/ Jaime Páramo
Dirección/ Quim Capdevila
Diseño iluminación/ Nicolás Fischtel
Escenografía/ Pablo Almeida
Coreografía/ Juan Rua/Georgina Cort
Ficha didáctica/ Cristina Ferreiro
Diseño gráfico/ Landmark Comunicación
Producción/ Natasha Fischtel
Realización escenografía/ Pablo Almeida/Gonzalo Buznego
Vestuario/ Denitza Deneva
Al placer de ver las obras de la Compañía La Bicicleta, se une en muchas ocasiones, como esta, el placer de ver el teatro lleno de niños disfrutando de la cultura. Siempre lo digo, el Teatro Sanpol es un centro de creación de nuevos públicos. Me gustaría ver por allí algún día a nuestro Consejero de Cultura, Jaime de los Santos, apoyando con su presencia esta extraordinaria labor educativo/cultural.
En esta ocasión La Bicicleta presenta un excelente musical basado en la obra homónima de Charles Dickens. Un espectáculo apto para todas la edades al que yo recomiendo asistir. Si en el mundo de la danza El Cascanueces es obligado en fechas navideñas, este Cuento de Navidad no debería faltar cada año en el mundo del Musical.
CUENTO DE NAVIDAD
La mas bella historia de Navidad, la de Charles Dickens, nos acompaño durante las navidades del 2010. Estrenamos un nuevo siglo viviéndolo como si todo él fuera una Nochebuena.
La Navidad son esos días en que demostramos nuestro cariño a nuestros semejantes, donde todo aquello que deseamos puede ser posible y si podemos echar una mano lo hacemos con lo mejor de nuestro corazón.
Un día al llegar la Nochebuena el señor Scrooge se enfrenta a sus pequeñas y grandes miserias terrenales y tiene que revivir todas las acciones malas que realizó. Afortunadamente, la noche de Navidad puede hacer el “milagro” de que recapacitemos y cambiemos nuestra manera de vivir y de relacionarnos con los demás.
Un gran elenco de actores y bailarines con una producción deslumbrante hizo que Cuento de Navidad una historia que siempre recordaremos.
Scrooge Javier/ Ibarz
Bob Crachit, Espiritu 1 y Viejo Joe/ Victor Benedé
Fred, Jacob Marley, Sr. Fezziwig y Espiritu 2/ Albert Suárez
Dama, Anna, Sra Fezziwig y Sra. Dilver/ Natalia Jara
Bella, niño, Fanny/ María Arévalo
Isabel, Niña del pavo y Marta/ Sara Fandiño
Niña, Tim y Escarlata/ Miriam Arias Pérez
Chico, Tooper, Espiritu 3, Richard y Niño Scrooge/ Jaime Páramo
Dirección/ Quim Capdevila
Diseño iluminación/ Nicolás Fischtel
Escenografía/ Pablo Almeida
Coreografía/ Juan Rua/Georgina Cort
Ficha didáctica/ Cristina Ferreiro
Diseño gráfico/ Landmark Comunicación
Producción/ Natasha Fischtel
Realización escenografía/ Pablo Almeida/Gonzalo Buznego
Vestuario/ Denitza Deneva
jueves, 14 de diciembre de 2017
Carlota Ferrer dirige Esto no es La casa de Bernada Alba en los Teatros del Canal
Reportaje completo en www.eter.com
Carlota Ferrer dirige “Esto no es La casa de Bernarda Alba” y nuevamente
recurre a la danza en su trabajo. Para mí ha sido muy agradable ver a
dos de mis bailarines preferidos, mis dos bailarines preferidos, Igor
Yebra y Guillermo Weickert en escena. Cuando veo que en estos tiempos la
danza va desapareciendo de los escenarios españoles, ver que los
bailarines tienen cabida en las obras de teatro me reconforta mucho.
Mencionar también que la bailarina Ana Erdozain ha asesorado en lo
referente al movimiento escénico de la obra.
He tomado alguna foto en el pase gráfico y posteriormente durante la rueda de prensa. Espero que os gusten.
NOTA DE PRENSA
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno absoluto de Esto no es la casa de Bernarda Alba, basada en La casa de Bernarda Alba de Federico Garcia Lorca en versión libre de José Manuel Mora con dirección escénica y coreografía de Carlota Ferrer. Esta obra estará en la Sala Verde del 14 de diciembre al 7 de enero. Una producción de los Teatros del Canal con Draft.inn.
Ferrer y Mora, que formaron ya tándem artístico en la exitosa Los nadadores nocturnos (Premio Max al Mejor Espectáculo Revelación 2015), proponen con este montaje un "canto a la libertad desde la imaginación creadora donde se fusionen imagen, poesía, música y danza".
Eusebio Poncela, en la piel de Bernarda, encabeza un reparto en el que son hombres los encargados de encarnar los principales roles femeninos: Igor Yebra como Josefa; Óscar de la Fuente como Poncia, Jaime Lorente como Adela, David Luque como Angustias, Guillermo Weickert como Criada, Arturo Parrilla como Magdalena y Diego Garrido como Martirio. La actriz Julia De Castro interpreta a Amelia.
Se abre el telón. En un museo se exhibe la obra La casa de Bernarda Alba, de Federico García Lorca. Un conjunto de hombres artistas construye una serie de instalaciones plásticas y escenas performativas a partir de la fábula que nos legó el poeta.
"En Esto no es La casa de Bernarda Alba nos hallamos ante la búsqueda de un discurso feminista radical, es decir, que intenta viajar a la raíz: al poner en boca de hombres actores y bailarines las palabras de Federico (en numerosas ocasiones sus personajes manifiestan el deseo de ser hombres para poder gozar de libertad) se evidencia la fragilidad de la mujer ante la visión dominante del orden heteropatriarcal y su gestión del mundo a través del miedo". Así se acercan la directora Carlota Ferrer (codirectora del Corral de Comedias y Premio Ojo Crítico de Teatro 2005) y el dramaturgo José Manuel Mora (Premio SGAE, Premio Max de Teatro, Premio Marqués de Bradomín) a esta versión del clásico de Federico García Lorca.
Carlota Ferrer dirige “Esto no es La casa de Bernarda Alba” y nuevamente
recurre a la danza en su trabajo. Para mí ha sido muy agradable ver a
dos de mis bailarines preferidos, mis dos bailarines preferidos, Igor
Yebra y Guillermo Weickert en escena. Cuando veo que en estos tiempos la
danza va desapareciendo de los escenarios españoles, ver que los
bailarines tienen cabida en las obras de teatro me reconforta mucho.
Mencionar también que la bailarina Ana Erdozain ha asesorado en lo
referente al movimiento escénico de la obra.
He tomado alguna foto en el pase gráfico y posteriormente durante la rueda de prensa. Espero que os gusten.
NOTA DE PRENSA
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno absoluto de Esto no es la casa de Bernarda Alba, basada en La casa de Bernarda Alba de Federico Garcia Lorca en versión libre de José Manuel Mora con dirección escénica y coreografía de Carlota Ferrer. Esta obra estará en la Sala Verde del 14 de diciembre al 7 de enero. Una producción de los Teatros del Canal con Draft.inn.
Ferrer y Mora, que formaron ya tándem artístico en la exitosa Los nadadores nocturnos (Premio Max al Mejor Espectáculo Revelación 2015), proponen con este montaje un "canto a la libertad desde la imaginación creadora donde se fusionen imagen, poesía, música y danza".
Eusebio Poncela, en la piel de Bernarda, encabeza un reparto en el que son hombres los encargados de encarnar los principales roles femeninos: Igor Yebra como Josefa; Óscar de la Fuente como Poncia, Jaime Lorente como Adela, David Luque como Angustias, Guillermo Weickert como Criada, Arturo Parrilla como Magdalena y Diego Garrido como Martirio. La actriz Julia De Castro interpreta a Amelia.
Se abre el telón. En un museo se exhibe la obra La casa de Bernarda Alba, de Federico García Lorca. Un conjunto de hombres artistas construye una serie de instalaciones plásticas y escenas performativas a partir de la fábula que nos legó el poeta.
"En Esto no es La casa de Bernarda Alba nos hallamos ante la búsqueda de un discurso feminista radical, es decir, que intenta viajar a la raíz: al poner en boca de hombres actores y bailarines las palabras de Federico (en numerosas ocasiones sus personajes manifiestan el deseo de ser hombres para poder gozar de libertad) se evidencia la fragilidad de la mujer ante la visión dominante del orden heteropatriarcal y su gestión del mundo a través del miedo". Así se acercan la directora Carlota Ferrer (codirectora del Corral de Comedias y Premio Ojo Crítico de Teatro 2005) y el dramaturgo José Manuel Mora (Premio SGAE, Premio Max de Teatro, Premio Marqués de Bradomín) a esta versión del clásico de Federico García Lorca.
miércoles, 13 de diciembre de 2017
Silvia Marsó estrena en La Abadía 24 horas en la vida de una mujer
Reportaje completo en http://www.escenamadrid.com/actualidad/noticia.php?id=17072
Llega a La Abadía 24 horas en la vida de una mujer, musical de cámara basado en la célebre novela de Stefan Zweig. La adaptación de Christine Khandjian y Stéphane Ly-Cuong, estrenada con éxito en París, está dirigida en su versión española por Ignacio García, y protagonizada —y producida— por Silvia Marsó, a la que acompañan en escena Felipa Ansola y Victor Masán (o Germán Torres), junto a un ensemble de piano (Josep Ferré / Carlos Calvo Tapia), violín (Gala Perez Iñesta / Silvia Carbajal) y violonchelo (Irene Celestino Chico / Álvaro Llorente).
Además, la música original de Sergei Dreznin, el planteamiento visual de Arturo Martín Burgos en la escenografía, Juanjo Llorens en la iluminación, Ana Garay en el vestuario y Mireia Ros en las imágenes, permitirán al espectador viajar por los casinos de Montecarlo, la Riviera y la Costa Azul, y vivir ese torbellino emocional que apenas dura veinticuatro horas, pero que transforma a los protagonistas para siempre; “días que nos convierten en quienes somos...”
Argumento
Mrs. C una aristócrata que acaba de enviudar, observa en el casino de Montecarlo a un jovencísimo jugador que esa noche pierde todo su dinero en la ruleta. Desesperado el joven abandona el casino y ella, tras seguirlo, consigue evitar su suicidio. Compasiva le ofrece pagar su alojamiento esa noche y darle una cantidad para que abandone Montecarlo al día siguiente y pueda saldar sus deudas. Al llegar al hotel el joven se aferra desesperadamente a aquella mujer a la que considera su salvadora y Mrs. C conmocionada y ante el temor de que el joven intente de nuevo suicidarse, decide no separarse de él durante las siguientes 24 horas...
El debate moral
La amistad que mantuvo Stefan Zweig con Sigmund Freud durante años, pudo influir en su obra, para que el proceso psicológico y emocional de sus personajes fuera siempre uno de sus ejes fundamentales. 24 horas en la vida de una mujer desentraña los misterios de la naturaleza humana y nos muestra cómo el destino puede convertirse en catalizador de un profundo debate moral, cuando los personajes se ven enfrentados durante 24 horas a sus propias normas de conducta, las que, hasta entonces, han guiado sus vidas.
Pero en determinadas circunstancias, cuando el azar nos empuja a una situación límite, cuando los sentimientos y las pasiones se escapan a nuestro control... ¿somos capaces de romper esas barreras para conquistar la libertad?
En palabras de Ignacio García, la obra plantea “una visión subjetiva de la pasión, que conduce a los personajes por la senda peligrosa de los deseos más profundos, que tantas veces necesitamos vivir, de forma inconsciente, como una huida de la propia vida”.
El autor
Stefan Zweig (Austria, 1881 - Brasil, 1942) Considerado uno de los mejores escritores de su época (Viaje al pasado, Carta de una desconocida, Momentos estelares de la humanidad), sufrió la represión y el oprobio de ver sus obras prohibidas y reducidas a cenizas por los nazis en la Segunda Guerra Mundial.
La dramática situación de exilio le obligó a llevar una existencia errante (Londres, Bath, París, Nueva York) y aunque cultivó amistad con personalidades como Maxim Gorki, Albert Einstein, Rainer Maria Rilke, Auguste Rodin, o Arturo Toscanini; Zweig, incapaz de aceptar el naufragio de su sueño europeísta y profundamente hundido por su prolongado destierro, tomó la decisión de suicidarse en Petrópolis junto a su esposa Lotte en 1942, cumpliéndose este año el 75º aniversario de su muerte.
Llega a La Abadía 24 horas en la vida de una mujer, musical de cámara basado en la célebre novela de Stefan Zweig. La adaptación de Christine Khandjian y Stéphane Ly-Cuong, estrenada con éxito en París, está dirigida en su versión española por Ignacio García, y protagonizada —y producida— por Silvia Marsó, a la que acompañan en escena Felipa Ansola y Victor Masán (o Germán Torres), junto a un ensemble de piano (Josep Ferré / Carlos Calvo Tapia), violín (Gala Perez Iñesta / Silvia Carbajal) y violonchelo (Irene Celestino Chico / Álvaro Llorente).
Además, la música original de Sergei Dreznin, el planteamiento visual de Arturo Martín Burgos en la escenografía, Juanjo Llorens en la iluminación, Ana Garay en el vestuario y Mireia Ros en las imágenes, permitirán al espectador viajar por los casinos de Montecarlo, la Riviera y la Costa Azul, y vivir ese torbellino emocional que apenas dura veinticuatro horas, pero que transforma a los protagonistas para siempre; “días que nos convierten en quienes somos...”
Argumento
Mrs. C una aristócrata que acaba de enviudar, observa en el casino de Montecarlo a un jovencísimo jugador que esa noche pierde todo su dinero en la ruleta. Desesperado el joven abandona el casino y ella, tras seguirlo, consigue evitar su suicidio. Compasiva le ofrece pagar su alojamiento esa noche y darle una cantidad para que abandone Montecarlo al día siguiente y pueda saldar sus deudas. Al llegar al hotel el joven se aferra desesperadamente a aquella mujer a la que considera su salvadora y Mrs. C conmocionada y ante el temor de que el joven intente de nuevo suicidarse, decide no separarse de él durante las siguientes 24 horas...
El debate moral
La amistad que mantuvo Stefan Zweig con Sigmund Freud durante años, pudo influir en su obra, para que el proceso psicológico y emocional de sus personajes fuera siempre uno de sus ejes fundamentales. 24 horas en la vida de una mujer desentraña los misterios de la naturaleza humana y nos muestra cómo el destino puede convertirse en catalizador de un profundo debate moral, cuando los personajes se ven enfrentados durante 24 horas a sus propias normas de conducta, las que, hasta entonces, han guiado sus vidas.
Pero en determinadas circunstancias, cuando el azar nos empuja a una situación límite, cuando los sentimientos y las pasiones se escapan a nuestro control... ¿somos capaces de romper esas barreras para conquistar la libertad?
En palabras de Ignacio García, la obra plantea “una visión subjetiva de la pasión, que conduce a los personajes por la senda peligrosa de los deseos más profundos, que tantas veces necesitamos vivir, de forma inconsciente, como una huida de la propia vida”.
El autor
Stefan Zweig (Austria, 1881 - Brasil, 1942) Considerado uno de los mejores escritores de su época (Viaje al pasado, Carta de una desconocida, Momentos estelares de la humanidad), sufrió la represión y el oprobio de ver sus obras prohibidas y reducidas a cenizas por los nazis en la Segunda Guerra Mundial.
La dramática situación de exilio le obligó a llevar una existencia errante (Londres, Bath, París, Nueva York) y aunque cultivó amistad con personalidades como Maxim Gorki, Albert Einstein, Rainer Maria Rilke, Auguste Rodin, o Arturo Toscanini; Zweig, incapaz de aceptar el naufragio de su sueño europeísta y profundamente hundido por su prolongado destierro, tomó la decisión de suicidarse en Petrópolis junto a su esposa Lotte en 1942, cumpliéndose este año el 75º aniversario de su muerte.
lunes, 13 de noviembre de 2017
La Reina de las Nieves El Musical
Reportaje completo en www.eter.com
Este cuento de hadas de Rafel Brunet nos cuenta la verdadera historia de "La Reina de las Nieves".
Las princesas Edelweis y Anastasia son separadas desde pequeñas por el malvado archiduque de Moldavia que pretende gobernar su reino.
Disfrutaremos en directo de la aventura que emprenden las dos hermanas para reencontrarse.
Inspirada en el cuento de Hans Christian Andersen "Snedronningen", es una gran producción original apta para todos los públicos, con formato espectacular, divertido y mágico.Escenografía, vestuario y efectos especiales impactantes con un equipo de 12 actores con cantantes y bailarines que harán disfrutar a toda la familia.
Con la música original de Jaume Carreras
Este cuento de hadas de Rafel Brunet nos cuenta la verdadera historia de "La Reina de las Nieves".
Las princesas Edelweis y Anastasia son separadas desde pequeñas por el malvado archiduque de Moldavia que pretende gobernar su reino.
Disfrutaremos en directo de la aventura que emprenden las dos hermanas para reencontrarse.
Inspirada en el cuento de Hans Christian Andersen "Snedronningen", es una gran producción original apta para todos los públicos, con formato espectacular, divertido y mágico.Escenografía, vestuario y efectos especiales impactantes con un equipo de 12 actores con cantantes y bailarines que harán disfrutar a toda la familia.
Con la música original de Jaume Carreras
sábado, 11 de noviembre de 2017
Circo de sastre en Naves Matadero
Reportaje completo en www.eter.com
Durante dos interminables horas, dos músicos, un sastre y un iluminador
ocupan un escenario oscuro, presentando al público una performance en la
que los dos músicos interpretan “música/ruido” de variada calidad
mientras el sastre les va anudando telas en sus cuerpos.
Me ha parecido inaguantable. No me extraña que Matadero sea una ruina desde que cambió la dirección artística.
NOTA DE PRENSA
Se estrena en Naves Matadero el espectáculo de los japoneses Circo de sastre. Un montaje que sale por primera vez de Japón y que ofrece un nuevo género, inventado por sus protagonistas, que aúna un concierto en directo con la creación de paisajes con telas, luces y sombras y que va dirigido a todos los públicos.
Cada día los artistas nipones generan un espectáculo diferente gracias a la improvisación musical, y a los nuevos diseños de escenografía que, con ayuda de una máquina de coser y tijeras, se van construyendo ante los ojos del público. Un circo de sonidos, tejidos y luz que, con el movimiento de las telas, la creación de luces y sombras, con ruidos, silencios, música, etc., traslada al espectador a un mundo fantástico.
Fundado en 2014 por Daigho Soga y Gandhi Nishigaki (músicos de CINEMA dub MONKS), junto con el diseñador de moda Suzuki Takayuki y Watanabe, artista de la iluminación, utilizan todos los recursos a su alcance para crear escenarios e historias mientras manejan las emociones de quienes les observan.
Suzuki crea con telas la escenografía en directo con su máquina de coser o baila vistiendo el espacio. Daigho y Gandhi improvisan un paisaje musical con instrumentos fabricados por ellos y otros tradicionales al tiempo que Watanabe modifica las percepciones del ojo humano creando magia con la luz.
Así lo explican ellos: “Utilizamos manualmente todo lo que existe a nuestro alcance: el espacio, la música, la luz, la sombra, la ropa, etc. para conquistar el instante que mueve el corazón de una persona. Buscamos las raíces de métodos expresivos universales (y novedosos) que puedan mantenerse durante siglos, incluso después de que desaparezcamos. Queremos que nuestro público se divierta sin que sepa poner palabras a lo que ha visto o experimentado. Que regresen a la infancia. Queremos hacer que la gente se sienta libre y salga queriendo vivir su vida con libertad”.
Multi instrumentista: Daiho Soga (Cinema Dub Monks)
Wood Bass: Gandhi Nishigaki (Cinema Dub Monks)
Diseñador de moda y sastre: Takayuki Suzuki
Iluminación: Takashi Watanabe
Durante dos interminables horas, dos músicos, un sastre y un iluminador
ocupan un escenario oscuro, presentando al público una performance en la
que los dos músicos interpretan “música/ruido” de variada calidad
mientras el sastre les va anudando telas en sus cuerpos.
Me ha parecido inaguantable. No me extraña que Matadero sea una ruina desde que cambió la dirección artística.
NOTA DE PRENSA
Se estrena en Naves Matadero el espectáculo de los japoneses Circo de sastre. Un montaje que sale por primera vez de Japón y que ofrece un nuevo género, inventado por sus protagonistas, que aúna un concierto en directo con la creación de paisajes con telas, luces y sombras y que va dirigido a todos los públicos.
Cada día los artistas nipones generan un espectáculo diferente gracias a la improvisación musical, y a los nuevos diseños de escenografía que, con ayuda de una máquina de coser y tijeras, se van construyendo ante los ojos del público. Un circo de sonidos, tejidos y luz que, con el movimiento de las telas, la creación de luces y sombras, con ruidos, silencios, música, etc., traslada al espectador a un mundo fantástico.
Fundado en 2014 por Daigho Soga y Gandhi Nishigaki (músicos de CINEMA dub MONKS), junto con el diseñador de moda Suzuki Takayuki y Watanabe, artista de la iluminación, utilizan todos los recursos a su alcance para crear escenarios e historias mientras manejan las emociones de quienes les observan.
Suzuki crea con telas la escenografía en directo con su máquina de coser o baila vistiendo el espacio. Daigho y Gandhi improvisan un paisaje musical con instrumentos fabricados por ellos y otros tradicionales al tiempo que Watanabe modifica las percepciones del ojo humano creando magia con la luz.
Así lo explican ellos: “Utilizamos manualmente todo lo que existe a nuestro alcance: el espacio, la música, la luz, la sombra, la ropa, etc. para conquistar el instante que mueve el corazón de una persona. Buscamos las raíces de métodos expresivos universales (y novedosos) que puedan mantenerse durante siglos, incluso después de que desaparezcamos. Queremos que nuestro público se divierta sin que sepa poner palabras a lo que ha visto o experimentado. Que regresen a la infancia. Queremos hacer que la gente se sienta libre y salga queriendo vivir su vida con libertad”.
Multi instrumentista: Daiho Soga (Cinema Dub Monks)
Wood Bass: Gandhi Nishigaki (Cinema Dub Monks)
Diseñador de moda y sastre: Takayuki Suzuki
Iluminación: Takashi Watanabe
sábado, 23 de septiembre de 2017
El guardaespaldas llega a la Gran Vía madrileña. [vídeo]
Reportaje completo en www.eter.com
Ayer tuve la oportunidad de asistir a la presentación de este nuevo musical de la Gran Vía madrileña.
Un derroche de técnica arropa la maravillosa voz de Fela Domínguez que, acompañada por un extenso elenco, protagoniza el musical.
Sólo he visto unos minutos durante la presentación, pero me bastan para augurar un gran éxito.
Esta nueva producción de Stage Entertainment, está dirigida por Carline Brouwer (Sister Act), cuenta con Iván Sánchez y Maxi Iglesias alternándose en el papel de Frank Farmer, y con la cantante y actriz mexicana Fela Domínguez en el papel de Rachel Marron.
Más de 30 actores y bailarines completan el reparto de este musical que se estrenará el 28 de septiembre en el teatro Coliseum de Madrid.
Ayer tuve la oportunidad de asistir a la presentación de este nuevo musical de la Gran Vía madrileña.
Un derroche de técnica arropa la maravillosa voz de Fela Domínguez que, acompañada por un extenso elenco, protagoniza el musical.
Sólo he visto unos minutos durante la presentación, pero me bastan para augurar un gran éxito.
Esta nueva producción de Stage Entertainment, está dirigida por Carline Brouwer (Sister Act), cuenta con Iván Sánchez y Maxi Iglesias alternándose en el papel de Frank Farmer, y con la cantante y actriz mexicana Fela Domínguez en el papel de Rachel Marron.
Más de 30 actores y bailarines completan el reparto de este musical que se estrenará el 28 de septiembre en el teatro Coliseum de Madrid.
sábado, 17 de junio de 2017
Nominadas. El Musical. Teatro de la Encina
Reportaje completo en www.eter.com
Ayer se estrenó en La Encina Teatro ‘NOMINADAS EL MUSICAL’. Un excelente espectáculo que te hace reír y también pensar. Muy recomendable.
Con música original, en directo, compuesta por Dustin Calderon, coreografías de Natalia Pascual, un elenco genial y dirección de Quim Capdevila, este espectáculo engancha desde el primer momento.
NOMINADAS EL MUSICAL es el primer musical original de la Compañía Teatro Creare, fundada por Verónica Benito, Dustin Calderón, Laura Auzmendi y Natalia Pascual.
SINOPSIS
Lili, Noelia, María y Estela, cuatro actrices que han sido nominadas al Goya a mejor actriz principal. Sus personalidades tan desiguales siempre han creado problemas entre ellas, pero ahora va más allá, un problema más grande que sus diferencias se ha interpuesto en sus caminos: Luis, dueño de la productora más grande del país y que de una forma u otra ha conseguido perjudicarlas a lo largo de sus carreras. Aunque no todo es malo, ya que cuentan con su maravilloso peluquero y amigo Antuan, que las ayudará a superar cualquier barrera, o al menos lo intentará… ¿Qué pasará a partir de ahora? Y lo más importante, ¿Quién ganará el Goya?
FICHA
REPARTO
Verónica Benito – Lili
Laura Auzmendi – Noelia
Natalia Pascual – María
Sara Lues – Estela
Francisco Caparrós – Luis
Julio Figueroa – Antoine
José Cerrato – Alternante Antoine
Director: Quim Capdevila
Compositor y Director Musical: Dustin Calderón
Coreógrafa: Natalia Pascual.
Guion: Laura Auzmendi, Dustin Calderón y Verónica Benito.
Diseño de Vestuario y Maquillaje: Cristian Magallanes.
Ayer se estrenó en La Encina Teatro ‘NOMINADAS EL MUSICAL’. Un excelente espectáculo que te hace reír y también pensar. Muy recomendable.
Con música original, en directo, compuesta por Dustin Calderon, coreografías de Natalia Pascual, un elenco genial y dirección de Quim Capdevila, este espectáculo engancha desde el primer momento.
NOMINADAS EL MUSICAL es el primer musical original de la Compañía Teatro Creare, fundada por Verónica Benito, Dustin Calderón, Laura Auzmendi y Natalia Pascual.
SINOPSIS
Lili, Noelia, María y Estela, cuatro actrices que han sido nominadas al Goya a mejor actriz principal. Sus personalidades tan desiguales siempre han creado problemas entre ellas, pero ahora va más allá, un problema más grande que sus diferencias se ha interpuesto en sus caminos: Luis, dueño de la productora más grande del país y que de una forma u otra ha conseguido perjudicarlas a lo largo de sus carreras. Aunque no todo es malo, ya que cuentan con su maravilloso peluquero y amigo Antuan, que las ayudará a superar cualquier barrera, o al menos lo intentará… ¿Qué pasará a partir de ahora? Y lo más importante, ¿Quién ganará el Goya?
FICHA
REPARTO
Verónica Benito – Lili
Laura Auzmendi – Noelia
Natalia Pascual – María
Sara Lues – Estela
Francisco Caparrós – Luis
Julio Figueroa – Antoine
José Cerrato – Alternante Antoine
Director: Quim Capdevila
Compositor y Director Musical: Dustin Calderón
Coreógrafa: Natalia Pascual.
Guion: Laura Auzmendi, Dustin Calderón y Verónica Benito.
Diseño de Vestuario y Maquillaje: Cristian Magallanes.
martes, 30 de mayo de 2017
VIVA BROADWAY. EL MUSICAL
Reportaje completo en www.eter.com
El viaje de “Viva Broadway. El Musical” comenzará con la visión del compositor británico Thomas Baker, cuando en 1850 en su natal Londres, idealiza al primer musical moderno.
Y será en Broadway donde lo materializa y da inicio a un recorrido por casi 150 años de historia, a través de las vibrantes emociones que producen la fusión de la música, los diálogos, la canción y el baile, del teatro musical.
Los números más representativos de cada musical cobrarán una nueva vida en Madrid.
El viaje de “Viva Broadway. El Musical” comenzará con la visión del compositor británico Thomas Baker, cuando en 1850 en su natal Londres, idealiza al primer musical moderno.
Y será en Broadway donde lo materializa y da inicio a un recorrido por casi 150 años de historia, a través de las vibrantes emociones que producen la fusión de la música, los diálogos, la canción y el baile, del teatro musical.
Los números más representativos de cada musical cobrarán una nueva vida en Madrid.
sábado, 6 de mayo de 2017
El Ratoncito Perez. Los niños y la magia del Teatro Sanpol.
Reportaje completo en www.eter.com
Se abren las puertas del Teatro Sanpol y filas ordenadas de niños, esta
vez muy pequeños –entre tres y cinco años-, van llenando, más o menos
disciplinadamente, el patio de butacas.
Pronto el teatro es un bullicio de gritos –de los niños y de algunos profesores-, risas, saltos sobre las butacas…
En ese momento Julio Fischtel sube pausadamente a la corbata del teatro y callado recorre con su mirada las butacas ocupadas por los niños. Estos poco a poco se van callando y miran hipnotizados la imponente figura de ese señor que les mira muy serio.
Sin micrófono, con voz pausada y amable, Julio Fischtel explica a los niños que están en un teatro y que, como espectadores, hay unas normas básicas que deben seguir. Estar callados, no levantarse, no dar palmas con las canciones –ya que la letra debe entenderse para seguir el hilo de la historia-…
Julio Fischtel termina su locución y baja del escenario recorriendo la fila central del patio de butacas con un dedo en sus labios repitiendo “Ahora silencio”.
Y el milagro, la magia, vuelve a repetirse. Se apagan las luces en un profundo silencio, se abren el telón, se encienden las luces y empieza el espectáculo.
Las sesiones que organiza el Teatro Sanpol en sus campañas escolares son un ejemplo de lo que es la creación inteligente de público, y me duele no ver de vez en cuando a algún representante de las instituciones, Ministerio, Comunidad y Ayuntamiento, tomando nota y aprendiendo.
El Ratoncito Pérez es un musical basado en el cuento homónimo atribuido al Padre Coloma, en una versión dramática de Ana Mª Boudeguer, que también dirige la obra, llena de color, divertidos personajes, canciones, coreografías y mucho, mucho amor por el teatro.
La puesta en escena corre a cargo de Quim Capdevila, que además canta, baila y vuela en el escenario de forma magistral en su papel de el Ratoncito Pérez.
Le acompañan en escena cantando y bailando los intérpretes de la compañía La Bicicleta, Víctor Benedé, que hace de Sam el perro pianista, Georgina Cort, Pascualina la gata, que también firma las divertidas coreografías, Anabel García, preciosa en su papel de Sinforosa la mariposa y Natalia Jara, que nos regala una excelente Ramoneta la mariquita. Grandes artistas.
Un espectáculo muy entretenido y muy recomendable para niños de corta edad en el que sus padres se van a divertir también.
SINOPSIS
La gata Pascualina está triste, nadie quiere oírla cantar ni verla bailar. Sus tiempos de fama y gloria han terminado. Y se aburre muchísimo.
En cambio el ratoncito Pérez tiene mucho trabajo, aunque está en bancarrota ya que todas las noches debe recorrer la ciudad de cabo a rabo para dejar unas monedas debajo de la almohada de los niños que han perdido un diente. Y últimamente los niños pierden muchos dientes. Cada día más y más. Hasta los dientes nuevos desaparecen.
Pérez decide formar un brigada que le ayude en su labor. Logra unir a su panda al viejo perro cocker Sam, otrora famoso pianista de un cuarteto de jazz; la pizpireta mariposa Sinforosa y su incondicional amiga la mariquita Ramoneta. Pascualina decide unirse a la brigada cosa que causa muy poca gracia a los demás. Comienza la acción y la persecución de los presuntos culpables.
Pero la veloz brigada no puede controlar la situación. Los dientes desaparecen. Y por si fuera poco Pascualina está decidida a transformar al valiente equipo en una marchosa orquesta de jazz.
Elenco
San el perro pianista: Víctor Benedé
Pascualina la gata: Georgina Cort
Sinforosa la mariposa: Anabel García
El ratón Pérez: Quim Capdevila
Ramoneta la mariquita: Natalia Jara
Cuadro artístico
Diseño iluminación: Nicolás Fischtel
Escenografía y vestuario: Pablo Almeida
Coreografía: Georgina Cort
Ficha didáctica: Cristina Ferreiro
Cuadro técnico
Producción: Natasha Fischtel
Asistente dirección: Enrique Lestón
Iluminación y sonido: Gustavo Oña
Estudio sonido: Estudio Manzanares
Técnicos: Javier Pérez y Manuel Salvá
Campaña escolar: Aday Suarez, Alexandra Ispierto
Auxiliar de sala: Blanca Durán
Se abren las puertas del Teatro Sanpol y filas ordenadas de niños, esta
vez muy pequeños –entre tres y cinco años-, van llenando, más o menos
disciplinadamente, el patio de butacas.
Pronto el teatro es un bullicio de gritos –de los niños y de algunos profesores-, risas, saltos sobre las butacas…
En ese momento Julio Fischtel sube pausadamente a la corbata del teatro y callado recorre con su mirada las butacas ocupadas por los niños. Estos poco a poco se van callando y miran hipnotizados la imponente figura de ese señor que les mira muy serio.
Sin micrófono, con voz pausada y amable, Julio Fischtel explica a los niños que están en un teatro y que, como espectadores, hay unas normas básicas que deben seguir. Estar callados, no levantarse, no dar palmas con las canciones –ya que la letra debe entenderse para seguir el hilo de la historia-…
Julio Fischtel termina su locución y baja del escenario recorriendo la fila central del patio de butacas con un dedo en sus labios repitiendo “Ahora silencio”.
Y el milagro, la magia, vuelve a repetirse. Se apagan las luces en un profundo silencio, se abren el telón, se encienden las luces y empieza el espectáculo.
Las sesiones que organiza el Teatro Sanpol en sus campañas escolares son un ejemplo de lo que es la creación inteligente de público, y me duele no ver de vez en cuando a algún representante de las instituciones, Ministerio, Comunidad y Ayuntamiento, tomando nota y aprendiendo.
El Ratoncito Pérez es un musical basado en el cuento homónimo atribuido al Padre Coloma, en una versión dramática de Ana Mª Boudeguer, que también dirige la obra, llena de color, divertidos personajes, canciones, coreografías y mucho, mucho amor por el teatro.
La puesta en escena corre a cargo de Quim Capdevila, que además canta, baila y vuela en el escenario de forma magistral en su papel de el Ratoncito Pérez.
Le acompañan en escena cantando y bailando los intérpretes de la compañía La Bicicleta, Víctor Benedé, que hace de Sam el perro pianista, Georgina Cort, Pascualina la gata, que también firma las divertidas coreografías, Anabel García, preciosa en su papel de Sinforosa la mariposa y Natalia Jara, que nos regala una excelente Ramoneta la mariquita. Grandes artistas.
Un espectáculo muy entretenido y muy recomendable para niños de corta edad en el que sus padres se van a divertir también.
SINOPSIS
La gata Pascualina está triste, nadie quiere oírla cantar ni verla bailar. Sus tiempos de fama y gloria han terminado. Y se aburre muchísimo.
En cambio el ratoncito Pérez tiene mucho trabajo, aunque está en bancarrota ya que todas las noches debe recorrer la ciudad de cabo a rabo para dejar unas monedas debajo de la almohada de los niños que han perdido un diente. Y últimamente los niños pierden muchos dientes. Cada día más y más. Hasta los dientes nuevos desaparecen.
Pérez decide formar un brigada que le ayude en su labor. Logra unir a su panda al viejo perro cocker Sam, otrora famoso pianista de un cuarteto de jazz; la pizpireta mariposa Sinforosa y su incondicional amiga la mariquita Ramoneta. Pascualina decide unirse a la brigada cosa que causa muy poca gracia a los demás. Comienza la acción y la persecución de los presuntos culpables.
Pero la veloz brigada no puede controlar la situación. Los dientes desaparecen. Y por si fuera poco Pascualina está decidida a transformar al valiente equipo en una marchosa orquesta de jazz.
Elenco
San el perro pianista: Víctor Benedé
Pascualina la gata: Georgina Cort
Sinforosa la mariposa: Anabel García
El ratón Pérez: Quim Capdevila
Ramoneta la mariquita: Natalia Jara
Cuadro artístico
Diseño iluminación: Nicolás Fischtel
Escenografía y vestuario: Pablo Almeida
Coreografía: Georgina Cort
Ficha didáctica: Cristina Ferreiro
Cuadro técnico
Producción: Natasha Fischtel
Asistente dirección: Enrique Lestón
Iluminación y sonido: Gustavo Oña
Estudio sonido: Estudio Manzanares
Técnicos: Javier Pérez y Manuel Salvá
Campaña escolar: Aday Suarez, Alexandra Ispierto
Auxiliar de sala: Blanca Durán
martes, 2 de mayo de 2017
XXV Arte y Fantasía Kids
Reportaje completo en www.eter.com
Ya os he hablado en alguna ocasión sobre los interesantes encuentros “Arte y Fantasía” que Claudia Bedacarratz organiza en su estudio de Madrid.
En esta ocasión he asistido a una versión familiar, Arte y Fantasía Kids, que dirige la bailarina y coreógrafa Alexia Krijnsen y que tiene esa calidad cercana que tanto me gusta en estos encuentros.
Estos encuentros se celebran periódicamente, este domingo era la vigésimo quinta versión Kids, y son muy recomendables.
SINOPSIS
Show para toda la familia, inspirado en las películas de Tim Burton y la música del compositor Danny Elfman.
Coreografía original, vestuario y diseño de Alexia Krijnsen.
Presentadores:
Jonathan Krijnsen
Javier Martín
Bailarines:
Alexia Krijnsen
Ana Belén Palomo
Aitor Hernández
Ya os he hablado en alguna ocasión sobre los interesantes encuentros “Arte y Fantasía” que Claudia Bedacarratz organiza en su estudio de Madrid.
En esta ocasión he asistido a una versión familiar, Arte y Fantasía Kids, que dirige la bailarina y coreógrafa Alexia Krijnsen y que tiene esa calidad cercana que tanto me gusta en estos encuentros.
Estos encuentros se celebran periódicamente, este domingo era la vigésimo quinta versión Kids, y son muy recomendables.
SINOPSIS
Show para toda la familia, inspirado en las películas de Tim Burton y la música del compositor Danny Elfman.
Coreografía original, vestuario y diseño de Alexia Krijnsen.
Presentadores:
Jonathan Krijnsen
Javier Martín
Bailarines:
Alexia Krijnsen
Ana Belén Palomo
Aitor Hernández
jueves, 13 de abril de 2017
Pianissimo Circus - Concierto para payasa y piano
Reportaje completo en www.eter.com
Un excelente espectáculo familiar que combina de forma magistral música, circo y danza.
Un músico genial, Francesc Mora, y una versátil payasa, que hace malabares y prestidigitación, baila claqué, tañe instrumentos… y todo ello con gran habilidad, Anna Confetti, nos hacen pasar tres maravillosos cuartos de hora con sus ocurrencias en escena.
Muy recomendable.
SINOPSIS
La sonrisa puede ser un gran complemento a la música. El Maestro Frans y Serafina, payasos y músicos, lo demuestran con su piano de cola y sus coreografías. Un espectáculo lleno de emociones, explicadas a través del lenguaje clown y la música en directo.
Cirquett Confetti es una pequeña compañía con más de treinta años de experiencia provocando sonrisas a través de espectáculos de calle y de sala. Juntos han desarrollado 13 espectáculos, poéticos y expresivos.
Actividad recomendada para público familiar con niños a partir de 3 años.
Un excelente espectáculo familiar que combina de forma magistral música, circo y danza.
Un músico genial, Francesc Mora, y una versátil payasa, que hace malabares y prestidigitación, baila claqué, tañe instrumentos… y todo ello con gran habilidad, Anna Confetti, nos hacen pasar tres maravillosos cuartos de hora con sus ocurrencias en escena.
Muy recomendable.
SINOPSIS
La sonrisa puede ser un gran complemento a la música. El Maestro Frans y Serafina, payasos y músicos, lo demuestran con su piano de cola y sus coreografías. Un espectáculo lleno de emociones, explicadas a través del lenguaje clown y la música en directo.
Cirquett Confetti es una pequeña compañía con más de treinta años de experiencia provocando sonrisas a través de espectáculos de calle y de sala. Juntos han desarrollado 13 espectáculos, poéticos y expresivos.
Actividad recomendada para público familiar con niños a partir de 3 años.
miércoles, 12 de abril de 2017
Annie jr esta Semana Santa en el Teatro Reina Victoria [Vídeo]
Reportaje completo en www.eter.com
Teatro Musical muy profesional a cargo de una asociación cultural. Un espectáculo de gran calidad muy recomendable.
Annie Jr cuenta la entrañable historia de una pequeña huérfana, decidida a encontrar a unos padres que la abandonaron hace años en la puerta de un orfanato de la ciudad de Nueva York.
A diferencia de la mayoría de los otros niños del hospicio de la señorita Hannigan (la directora), Annie cree que sus padres aún están vivos y que algún día volverán a reclamarla. Así que cuando el señor Warbucks se ofrece a adoptarla, le pide al hombre más poderoso de Estados Unidos que le ayude a encontrar a su verdadera mamá y papá, y él está de acuerdo. La enorme recompensa de los Warbucks atrae la atención de los estafadores Rooster, Lily y de la malvada señorita Hannigan, quienes traman un complot para secuestrar a Annie y recibir la recompensa de $ 50,000. Pero este clásico musical familiar tiene un final feliz para Annie, Daddy Warbucks y toda la pandilla. Tras divertidas aventuras, Annie frena las maquinaciones malvadas de Miss Hannigan y encuentra un nuevo hogar.
Teatro Reina Victoria
13 al 16 de abril
FICHA ARTÍSTICA
Produce:
Asociación Cultural Glee Club Paracuellos
Dirección ejecutiva:
Sonsoles Rodríguez-Villar
Duración:
Una hora y media con descanso incluido
Reparto:
34 niños de entre 7 y 17 años.
Personajes principales:
• Annie
• Miss Hannigan
• Grace Farrell
• Rooster
• Lily
• Oliver Warbucks
Huérfanos:
• Molly, Pimienta, Duffy, Kate, Tessie y Juli
Teatro Musical muy profesional a cargo de una asociación cultural. Un espectáculo de gran calidad muy recomendable.
Annie Jr cuenta la entrañable historia de una pequeña huérfana, decidida a encontrar a unos padres que la abandonaron hace años en la puerta de un orfanato de la ciudad de Nueva York.
A diferencia de la mayoría de los otros niños del hospicio de la señorita Hannigan (la directora), Annie cree que sus padres aún están vivos y que algún día volverán a reclamarla. Así que cuando el señor Warbucks se ofrece a adoptarla, le pide al hombre más poderoso de Estados Unidos que le ayude a encontrar a su verdadera mamá y papá, y él está de acuerdo. La enorme recompensa de los Warbucks atrae la atención de los estafadores Rooster, Lily y de la malvada señorita Hannigan, quienes traman un complot para secuestrar a Annie y recibir la recompensa de $ 50,000. Pero este clásico musical familiar tiene un final feliz para Annie, Daddy Warbucks y toda la pandilla. Tras divertidas aventuras, Annie frena las maquinaciones malvadas de Miss Hannigan y encuentra un nuevo hogar.
Teatro Reina Victoria
13 al 16 de abril
FICHA ARTÍSTICA
Produce:
Asociación Cultural Glee Club Paracuellos
Dirección ejecutiva:
Sonsoles Rodríguez-Villar
Duración:
Una hora y media con descanso incluido
Reparto:
34 niños de entre 7 y 17 años.
Personajes principales:
• Annie
• Miss Hannigan
• Grace Farrell
• Rooster
• Lily
• Oliver Warbucks
Huérfanos:
• Molly, Pimienta, Duffy, Kate, Tessie y Juli
martes, 19 de julio de 2016
Los desvaríos del veraneo de Venezia Teatro en el Teatro Infanta Isabel
Reportaje completo en www.escenamadrid.com
Los desvaríos del veraneo es la divertida historia de dos familias que luchan por ser las mejores en sus vacaciones de verano.
La historia se centra en Livorno, donde Leonardo y su hermana preparan sus vacaciones: Maletas, baúles, vestidores… Todo debe de estar listo cuanto antes para partir y disfrutar del verano.Paralelamente el señor Filippo y su hija Jacinta (enamorada de Leonardo) hacen lo mismo. Y deciden compartir todos juntos los caballos y carruajes. Pero una pelea entre los novios, un gorrón cotilla y entrometido que quiere apuntarse al viaje con gastos pagados y el retraso de la confección de un vestido a la moda que hará las envidias de todos en el veraneo, serán los ingredientes que pondrán en peligro la salida.
¿Podrán arreglar sus problemas antes de partir?
¿Ferdinando, el gorrón, conseguirá apuntarse a una de las carrozas antes de que le abandonen en Livorno?
¿Se terminará de confeccionar ese mariage, el vestido a la última hora?
Mil enredos, mil incógnitas y sobre todo mil caracajadas se desvelarán en estos DESVARÍOS DEL VERANEO.
Teatro Infanta Isabel
Calle Barquillo, 24
Elenco
Alejandro Albarracín, Esther Isla, Borja Luna, , Macarena Sanz, Juanma Navas, Helena Lanza, Kevin de la Rosa, Andrés Requejo y Vicente León
Director
José Gómez Friha.
Los desvaríos del veraneo es la divertida historia de dos familias que luchan por ser las mejores en sus vacaciones de verano.
La historia se centra en Livorno, donde Leonardo y su hermana preparan sus vacaciones: Maletas, baúles, vestidores… Todo debe de estar listo cuanto antes para partir y disfrutar del verano.Paralelamente el señor Filippo y su hija Jacinta (enamorada de Leonardo) hacen lo mismo. Y deciden compartir todos juntos los caballos y carruajes. Pero una pelea entre los novios, un gorrón cotilla y entrometido que quiere apuntarse al viaje con gastos pagados y el retraso de la confección de un vestido a la moda que hará las envidias de todos en el veraneo, serán los ingredientes que pondrán en peligro la salida.
¿Podrán arreglar sus problemas antes de partir?
¿Ferdinando, el gorrón, conseguirá apuntarse a una de las carrozas antes de que le abandonen en Livorno?
¿Se terminará de confeccionar ese mariage, el vestido a la última hora?
Mil enredos, mil incógnitas y sobre todo mil caracajadas se desvelarán en estos DESVARÍOS DEL VERANEO.
Teatro Infanta Isabel
Calle Barquillo, 24
Elenco
Alejandro Albarracín, Esther Isla, Borja Luna, , Macarena Sanz, Juanma Navas, Helena Lanza, Kevin de la Rosa, Andrés Requejo y Vicente León
Director
José Gómez Friha.
lunes, 11 de abril de 2016
María Moliner en La Zarzuela
Reportaje completo en www.escenamadrid.com
La obra se centra en la segunda mitad de la vida de la lexicógrafa María Moliner cuando, haciendo de la necesidad virtud, y utilizando el encierro cultural al que se vio abocada tras la victoria franquista en la Guerra Civil, decide realizar su idea asombrosa: la hazaña de hacer ella sola, en su casa, un diccionario cuya enjundia puso en evidencia al diccionario de los académicos…
La creación de esta ópera parte de la idea de Paco Azorín de reivindicar la figura de la gran lexicógrafa. Con libreto (2012) de Lucía Vilanova y música (2016) de Antoni Parera Fons, la dirección de escena del propio Azorín está concebida como una ópera documental contemporánea «pensada, escrita y compuesta para el público de hoy». Una síntesis del drama musical que utiliza una fórmula moderna plagada de contrastes y emociones. En ella todo es escena, es teatro y por tanto, está llena de pulso. Según su compositor, Antoni Parera Fons «la compuse sin miedo a rozar el peligro. Fue un salto sin red».
La obra se centra en la segunda mitad de la vida de la lexicógrafa María Moliner cuando, haciendo de la necesidad virtud, y utilizando el encierro cultural al que se vio abocada tras la victoria franquista en la Guerra Civil, decide realizar su idea asombrosa: la hazaña de hacer ella sola, en su casa, un diccionario cuya enjundia puso en evidencia al diccionario de los académicos…
La creación de esta ópera parte de la idea de Paco Azorín de reivindicar la figura de la gran lexicógrafa. Con libreto (2012) de Lucía Vilanova y música (2016) de Antoni Parera Fons, la dirección de escena del propio Azorín está concebida como una ópera documental contemporánea «pensada, escrita y compuesta para el público de hoy». Una síntesis del drama musical que utiliza una fórmula moderna plagada de contrastes y emociones. En ella todo es escena, es teatro y por tanto, está llena de pulso. Según su compositor, Antoni Parera Fons «la compuse sin miedo a rozar el peligro. Fue un salto sin red».
miércoles, 3 de febrero de 2016
Juan José. Un drama muy actual en el Teatro de la Zarzuela
Reportaje completo en ETER.COM
Como siempre que voy a ver genero lírico a este teatro, he salido de
La Zarzuela impresionado por la calidad general del espectáculo.
La escenografía, la iluminación, el vestuario, las pinturas… se alían con músicos, cantantes, bailarines y actores para ofrecer al público un espectáculo de indudable calidad.
En esta ocasión voy a detenerme en el excelente trabajo de coreografía de Denise Perdikidis y la impresionante ejecución de sus bailarines. En cierta ocasión una maestra que siempre he admirado, me dijo que en la danza los movimientos lentos eran los de ejecución más difícil. El equipo de Perdikidis ha bailado lentamente, muy lentamente; con una calidad de movimiento y expresión que pocas veces he visto en escena. Voy a mencionar a Elisa Morris, que ha estado impresionante en su interpretación y al polifacético Alberto Arcos, magnífico bailarín capaz de asumir cualquier registro.
La historia
Me ha impresionado oír risas entre el público, era un ensayo abierto, cuando uno de los intérpretes a pegado a su mujer y otro de los intérpretes ha hecho un comentario jocoso al respecto.
Vivimos en un mundo en el que las muertes por violencia de género son noticia una semana sí y otra también, pero a pesar de ello, personas a las que se les supone una cultura cuando menos media, se ríen con estos “gags”. A mi se me ha encogido el corazón en muchos momentos de esta obra que es muy dura y lamentablemente, a pesar de su medio siglo, muy actual.
La sinopsis del director
La obra transcurre en un suburbio de un Madrid paupérrimo, donde reina la miseria y el analfabetismo. Dominado por la terrible injusticia social que divide a la gente entre los que tienen y los carentes de lo imprescindible. Los personajes son seres humanos muy primarios. Sin sofisticación. Burdos, ásperos, y sobre todo, sin ninguna cultura o educación. Como les han impedido el acceso al conocimiento son incapaces de discernir o reflexionar sobre lo que les pasa y sus causas, y eso les ha convertido en bestias. Como los animales sólo sienten sensaciones primarias: dolor, hambre, frío, enfermedades, agresividad, odio… Los conceptos «moral» o «ética» han dejado de tener sentido alguno.
No es un melodrama. Es una denuncia política: Si los poderes sociales dividen en clases a la gente y dejan al individuo abandonado a su suerte, sin posibilidades espirituales o materiales, éste se convierte en un animal rastrero que luchará hasta la muerte y utilizará cualquier medio a su alcance para sobrevivir. Todos los personajes están pervertidos por la situación de marginación en la que malviven. Son animales que deambulan en una charca de aguas fecales. Saben que no hay salida, pero no se dan cuenta y son capaces de pisar a los demás en el intento desesperado de poder seguir viviendo.
No hay héroes, todo lo contrario, allí todas las miserias del ser humano afloran: la mezquindad, los rencores, la traiciones, los miedos, la desconfianza, la malignidad, los celos, los deseos de venganza, la crueldad y quizá la peor:
la necesidad de agarrarse a una esperanza, sea la que sea, y al precio que sea: Juan José ciego de amor hacia Rosa, obcecado, dependiente, enfermizo y que cree, víctima de una tradición secular, que al menos, ya es dueño de una mujer. Paco basándose en su amoralidad, es capaz de suciedades y bajezas para alcanzar otro «status». Rosa usa su cuerpo como mercancía; Isidra agarrada a su avaricia, a su codicia y a su falta total de humanidad. Toñuela asida con desesperación a sus sueños infantiles que la incapacitan para ver la realidad. Andrés regodeándose en su amargura, en sus frustraciones y en su machismo. Cano en su escepticismo, su cinismo y su materialismo. Perico y su falta real de compromiso que le hace hablar y no actuar por miedo a las consecuencias o por no perder un mísero puesto de trabajo. Hasta ese tabernero atrincherado en su barra, incapaz de hacer o luchar por algo mejor.
Mal viven. El futuro no llega y la vida se repite de padres a hijos en un espiral sin fin. Nadie se rebela, todos aceptan la situación como algo grande, irrevocable.
La obra es un retrato de una realidad desgraciadamente no muy lejana.
Teatro de la Zarzuela
Jovellanos, 4
5, 7, 9, 11, 13, 17 y 19 de febrero de 2016
20:00 horas (domingos, a las 18:00 horas)
Funciones de abono
5, 7, 11, 13 y 19 de febrero
Drama Lírico popular en tres actos de Pablo Sorozábal basado en la obra de Joaquín Dicenta
Música de Pablo Sorozábal
Estrenada en versión de concierto en el Auditorio Kursaal de San Sebastián, el 21 de febrero de 2009
Estreno absoluto de la versión escénica
Nueva producción del Teatro de la Zarzuela
Director musical
Miguel Ángel Gómez Martínez
Director de escena
José Carlos Plaza
Escenografía e Iluminación
Paco Leal
Vestuario
Pedro Moreno
Pinturas
Enrique Marty
Movimiento escénico
Denise Perdikidis
Ayudante de dirección
Jorge Torres
Ayudante de escenografía
Daniel Ruiz
Ayudante de vestuario
Isabel Cámara
Ayudante de iluminación
Pedro Yagüe
Orquesta de la Comunidad de Madrid
Titular del Teatro de la Zarzuela
REPARTO
Carmen Solís
Silvia Vázquez
Milagros Martín
Antonio Gandía
José Ángel Ódena
Rubén Amoretti
Ivo Stanchev
Néstor Losán
Lorenzo Moncloa
Ricardo Muñiz
Elena Rey
Roxana Herrera
Manuel Rodríguez
Ramón Farto
BAILARINES
Gerson Alexander, Alberto Arcos, Antonio Carboner, María Escobar, Luis Fernández, Elisa Morris, Montse Peidro, Rafael Rey
FIGURACIÓN
Omar Azmi, Antonio Gómiz, Joaquín Mancera, Marcos Marcell, Xavi Montesinos, Joseba Priego, Fede Ruiz, Bosco Solana
Como siempre que voy a ver genero lírico a este teatro, he salido de
La Zarzuela impresionado por la calidad general del espectáculo.
La escenografía, la iluminación, el vestuario, las pinturas… se alían con músicos, cantantes, bailarines y actores para ofrecer al público un espectáculo de indudable calidad.
En esta ocasión voy a detenerme en el excelente trabajo de coreografía de Denise Perdikidis y la impresionante ejecución de sus bailarines. En cierta ocasión una maestra que siempre he admirado, me dijo que en la danza los movimientos lentos eran los de ejecución más difícil. El equipo de Perdikidis ha bailado lentamente, muy lentamente; con una calidad de movimiento y expresión que pocas veces he visto en escena. Voy a mencionar a Elisa Morris, que ha estado impresionante en su interpretación y al polifacético Alberto Arcos, magnífico bailarín capaz de asumir cualquier registro.
La historia
Me ha impresionado oír risas entre el público, era un ensayo abierto, cuando uno de los intérpretes a pegado a su mujer y otro de los intérpretes ha hecho un comentario jocoso al respecto.
Vivimos en un mundo en el que las muertes por violencia de género son noticia una semana sí y otra también, pero a pesar de ello, personas a las que se les supone una cultura cuando menos media, se ríen con estos “gags”. A mi se me ha encogido el corazón en muchos momentos de esta obra que es muy dura y lamentablemente, a pesar de su medio siglo, muy actual.
La sinopsis del director
La obra transcurre en un suburbio de un Madrid paupérrimo, donde reina la miseria y el analfabetismo. Dominado por la terrible injusticia social que divide a la gente entre los que tienen y los carentes de lo imprescindible. Los personajes son seres humanos muy primarios. Sin sofisticación. Burdos, ásperos, y sobre todo, sin ninguna cultura o educación. Como les han impedido el acceso al conocimiento son incapaces de discernir o reflexionar sobre lo que les pasa y sus causas, y eso les ha convertido en bestias. Como los animales sólo sienten sensaciones primarias: dolor, hambre, frío, enfermedades, agresividad, odio… Los conceptos «moral» o «ética» han dejado de tener sentido alguno.
No es un melodrama. Es una denuncia política: Si los poderes sociales dividen en clases a la gente y dejan al individuo abandonado a su suerte, sin posibilidades espirituales o materiales, éste se convierte en un animal rastrero que luchará hasta la muerte y utilizará cualquier medio a su alcance para sobrevivir. Todos los personajes están pervertidos por la situación de marginación en la que malviven. Son animales que deambulan en una charca de aguas fecales. Saben que no hay salida, pero no se dan cuenta y son capaces de pisar a los demás en el intento desesperado de poder seguir viviendo.
No hay héroes, todo lo contrario, allí todas las miserias del ser humano afloran: la mezquindad, los rencores, la traiciones, los miedos, la desconfianza, la malignidad, los celos, los deseos de venganza, la crueldad y quizá la peor:
la necesidad de agarrarse a una esperanza, sea la que sea, y al precio que sea: Juan José ciego de amor hacia Rosa, obcecado, dependiente, enfermizo y que cree, víctima de una tradición secular, que al menos, ya es dueño de una mujer. Paco basándose en su amoralidad, es capaz de suciedades y bajezas para alcanzar otro «status». Rosa usa su cuerpo como mercancía; Isidra agarrada a su avaricia, a su codicia y a su falta total de humanidad. Toñuela asida con desesperación a sus sueños infantiles que la incapacitan para ver la realidad. Andrés regodeándose en su amargura, en sus frustraciones y en su machismo. Cano en su escepticismo, su cinismo y su materialismo. Perico y su falta real de compromiso que le hace hablar y no actuar por miedo a las consecuencias o por no perder un mísero puesto de trabajo. Hasta ese tabernero atrincherado en su barra, incapaz de hacer o luchar por algo mejor.
Mal viven. El futuro no llega y la vida se repite de padres a hijos en un espiral sin fin. Nadie se rebela, todos aceptan la situación como algo grande, irrevocable.
La obra es un retrato de una realidad desgraciadamente no muy lejana.
Teatro de la Zarzuela
Jovellanos, 4
5, 7, 9, 11, 13, 17 y 19 de febrero de 2016
20:00 horas (domingos, a las 18:00 horas)
Funciones de abono
5, 7, 11, 13 y 19 de febrero
Drama Lírico popular en tres actos de Pablo Sorozábal basado en la obra de Joaquín Dicenta
Música de Pablo Sorozábal
Estrenada en versión de concierto en el Auditorio Kursaal de San Sebastián, el 21 de febrero de 2009
Estreno absoluto de la versión escénica
Nueva producción del Teatro de la Zarzuela
Director musical
Miguel Ángel Gómez Martínez
Director de escena
José Carlos Plaza
Escenografía e Iluminación
Paco Leal
Vestuario
Pedro Moreno
Pinturas
Enrique Marty
Movimiento escénico
Denise Perdikidis
Ayudante de dirección
Jorge Torres
Ayudante de escenografía
Daniel Ruiz
Ayudante de vestuario
Isabel Cámara
Ayudante de iluminación
Pedro Yagüe
Orquesta de la Comunidad de Madrid
Titular del Teatro de la Zarzuela
REPARTO
Carmen Solís
Silvia Vázquez
Milagros Martín
Antonio Gandía
José Ángel Ódena
Rubén Amoretti
Ivo Stanchev
Néstor Losán
Lorenzo Moncloa
Ricardo Muñiz
Elena Rey
Roxana Herrera
Manuel Rodríguez
Ramón Farto
BAILARINES
Gerson Alexander, Alberto Arcos, Antonio Carboner, María Escobar, Luis Fernández, Elisa Morris, Montse Peidro, Rafael Rey
FIGURACIÓN
Omar Azmi, Antonio Gómiz, Joaquín Mancera, Marcos Marcell, Xavi Montesinos, Joseba Priego, Fede Ruiz, Bosco Solana
viernes, 22 de enero de 2016
Caperucita Roja, El musical en el Teatro Sanpol
Reportaje completo en ETER.COM
El cuento de los hermanos Grimm en clave de musical. La compañía
residente del Teatro Sanpol, La Bicicleta, nos ofrece esta nueva
producción en la que siguiendo su trayectoria dan un nuevo enfoque a una
historia popular.
Siempre que voy al Teatro Sanpol me emociona la gran calidad de sus espectáculos en los que no se escatima nada para presentar historias que enganchan e ilusionan a pequeños y mayores.
En este musical todo me ha gustado. El vestuario: muy imaginativo, la escenografía: grandiosa, mágica y realista a la vez, a lo que contribuye una perfecta iluminación. La música, canciones, coreografías son geniales. Y los intérpretes, extraordinarios, son artistas completos que actúan, cantan y bailan, dando a sus personajes vida propia.
Vayan a ver esta Caperucita con sus hijos, sobrinos, nietos... y si no hay menores en su familia, vayan igualmente a verla. Yo pienso repetir. Es un excelente espectáculo.
Sinopsis
La bonita historia fabulada por los Hermanos Grimm será llevada a escena por la Compañía La Bicicleta, elenco estable del Teatro Sanpol, convertido en un divertido y juguetón espectáculo musical para todo público. La música original va acompañando las escenas en que Caperucita descubre al recorrer el bosque un mundo para ella desconocido.
Los personajes del cuento van explicando las vicisitudes que no solo atraviesa Caperucita, sin también los otros personajes de la historia. Una bella historia y una nueva y bella producción de escenografía y vestuario con la magia de la Sanpol.
Compañia La Bicicleta de Sanpol
Caperucita Roja De los Hermanos Grimm
Dramaturgia: Julio Jaime Fischtel
Música: Jaume Carrera
Reparto:
Caperucita Roja - Marina Martín
La madre - Vanesa Bravo
El leñador - Javier Ivarz
El lobo - Javier Enguix
Guardabosque - Miguel Cazorla
La abuelita - Marta Malone
Cuadro artístico:
Diseño iluminación - Nicolás Fischtel
Espacio escénico y proyecciones - Chechu García
Diseño Vestuario - Denitza Deneva
Coreografía - Víctor Ramos
Ficha didáctica - Teatro Sanpol
Diseño gráfico - Landmark
Prensa - Manuel Díaz
Fotografías - Emilio Tenorio
Cuadro técnico:
Producción - Natasha Fischtel
Asistente dirección - Enrique Lestón
Iluminación y sonido - Alejandro de Torres
Utilería - Georgui Dimov
Técnicos escena - Javier Pérez, Manuel Salvá
Estudio de sonido - Sonosphera
Construcción decorados - Readest
Pintura escenografía - Olga López León
Campaña escolar - Asunción Dafauce, Aday Suarez
Auxiliar de sala - Ana Pérez
El cuento de los hermanos Grimm en clave de musical. La compañía
residente del Teatro Sanpol, La Bicicleta, nos ofrece esta nueva
producción en la que siguiendo su trayectoria dan un nuevo enfoque a una
historia popular.
Siempre que voy al Teatro Sanpol me emociona la gran calidad de sus espectáculos en los que no se escatima nada para presentar historias que enganchan e ilusionan a pequeños y mayores.
En este musical todo me ha gustado. El vestuario: muy imaginativo, la escenografía: grandiosa, mágica y realista a la vez, a lo que contribuye una perfecta iluminación. La música, canciones, coreografías son geniales. Y los intérpretes, extraordinarios, son artistas completos que actúan, cantan y bailan, dando a sus personajes vida propia.
Vayan a ver esta Caperucita con sus hijos, sobrinos, nietos... y si no hay menores en su familia, vayan igualmente a verla. Yo pienso repetir. Es un excelente espectáculo.
Sinopsis
La bonita historia fabulada por los Hermanos Grimm será llevada a escena por la Compañía La Bicicleta, elenco estable del Teatro Sanpol, convertido en un divertido y juguetón espectáculo musical para todo público. La música original va acompañando las escenas en que Caperucita descubre al recorrer el bosque un mundo para ella desconocido.
Los personajes del cuento van explicando las vicisitudes que no solo atraviesa Caperucita, sin también los otros personajes de la historia. Una bella historia y una nueva y bella producción de escenografía y vestuario con la magia de la Sanpol.
Compañia La Bicicleta de Sanpol
Caperucita Roja De los Hermanos Grimm
Dramaturgia: Julio Jaime Fischtel
Música: Jaume Carrera
Reparto:
Caperucita Roja - Marina Martín
La madre - Vanesa Bravo
El leñador - Javier Ivarz
El lobo - Javier Enguix
Guardabosque - Miguel Cazorla
La abuelita - Marta Malone
Cuadro artístico:
Diseño iluminación - Nicolás Fischtel
Espacio escénico y proyecciones - Chechu García
Diseño Vestuario - Denitza Deneva
Coreografía - Víctor Ramos
Ficha didáctica - Teatro Sanpol
Diseño gráfico - Landmark
Prensa - Manuel Díaz
Fotografías - Emilio Tenorio
Cuadro técnico:
Producción - Natasha Fischtel
Asistente dirección - Enrique Lestón
Iluminación y sonido - Alejandro de Torres
Utilería - Georgui Dimov
Técnicos escena - Javier Pérez, Manuel Salvá
Estudio de sonido - Sonosphera
Construcción decorados - Readest
Pintura escenografía - Olga López León
Campaña escolar - Asunción Dafauce, Aday Suarez
Auxiliar de sala - Ana Pérez
martes, 12 de enero de 2016
BRECHT & WEILL CABARET de Pía Tedesco Ensemble
Reportaje completo en Escena Madrid
Un cabaret musical con letras de Bertolt Brecht y músicas de Kurt Weill, que profundiza en el repertorio de estos dos revolucionarios creadores. Con invitados de la escena musical española (Jorge Pardo, Maui, Vilma, Jorge Usón, Victor Coyote, Ricardo Moreno).
Bertolt Brecht ha sido uno de los escritores más influyentes del S.XX.
Autor entre otras obras de Madre Coraje, La Ópera de los tres peniques, Mahagonny, etc; revolucionó tanto la prosa como la dramaturgia de su época.
Formó junto a Kurt Weill una de las parejas creativas más potentes del siglo pasado.
Weill logró combinar armonías clásicas y arriesgadas con melodías populares, lo cual generó un repertorio de canciones que conectaban con el público a la vez que poseían riqueza armónica y de texturas.
Weill se exilió a U.S.A. durante la Segunda Guerra Mundial y estrenó allí una serie de musicales de éxito. Colaboró con varios letristas y libretistas en Broadway, Ira Gershwin entre ellos.
“Cuando la hipocresía comienza a ser de muy mala calidad, es hora de comenzar a decir la verdad.” Bertolt Brecht
Ficha Artística:
Pía Tedesco – Voz, Textos, Ukelele, Acordeón
Ramón Mucci – Batería, percusión
Gerardo Ramos – Contrabajo
Néstor Ballesteros – Piano, Acordeón, Arreglos
Dirección musical: Néstor Ballesteros
Dirección General: Pía Tedesco
Invitados nuevos cada día:
Miércoles 13 : El inmenso Jorge Pardo.
Jueves 14 : Jorge Usón (de "Cabaret de Caricia y Puntapié" y demás maravillas)
Viernes 15 : Maui (la genial ahijada coplera de Martirio)
Sábado 16: Vilma (de Vilma y los Señores). Maravillosa.
Domingo 17: Víctor Coyote (Los Coyotes) y Ricardo Moreno (Los Ronaldos). Dos leyendas del rock madrileño.
Un cabaret musical con letras de Bertolt Brecht y músicas de Kurt Weill, que profundiza en el repertorio de estos dos revolucionarios creadores. Con invitados de la escena musical española (Jorge Pardo, Maui, Vilma, Jorge Usón, Victor Coyote, Ricardo Moreno).
Bertolt Brecht ha sido uno de los escritores más influyentes del S.XX.
Autor entre otras obras de Madre Coraje, La Ópera de los tres peniques, Mahagonny, etc; revolucionó tanto la prosa como la dramaturgia de su época.
Formó junto a Kurt Weill una de las parejas creativas más potentes del siglo pasado.
Weill logró combinar armonías clásicas y arriesgadas con melodías populares, lo cual generó un repertorio de canciones que conectaban con el público a la vez que poseían riqueza armónica y de texturas.
Weill se exilió a U.S.A. durante la Segunda Guerra Mundial y estrenó allí una serie de musicales de éxito. Colaboró con varios letristas y libretistas en Broadway, Ira Gershwin entre ellos.
“Cuando la hipocresía comienza a ser de muy mala calidad, es hora de comenzar a decir la verdad.” Bertolt Brecht
Ficha Artística:
Pía Tedesco – Voz, Textos, Ukelele, Acordeón
Ramón Mucci – Batería, percusión
Gerardo Ramos – Contrabajo
Néstor Ballesteros – Piano, Acordeón, Arreglos
Dirección musical: Néstor Ballesteros
Dirección General: Pía Tedesco
Invitados nuevos cada día:
Miércoles 13 : El inmenso Jorge Pardo.
Jueves 14 : Jorge Usón (de "Cabaret de Caricia y Puntapié" y demás maravillas)
Viernes 15 : Maui (la genial ahijada coplera de Martirio)
Sábado 16: Vilma (de Vilma y los Señores). Maravillosa.
Domingo 17: Víctor Coyote (Los Coyotes) y Ricardo Moreno (Los Ronaldos). Dos leyendas del rock madrileño.
jueves, 31 de diciembre de 2015
365 días / 365 fotos de escena
Reportaje completo en Escena Madrid
Tengo una cámara que me permite hacer fotos durante las funciones sin molestar con los clic a los espectadores que me rodean y muchas compañías y teatros que lo saben me invitan a hacer fotos en sus escenarios.
Han sido tantos los espectáculos que he cubierto que nos ha costado elegir 365 fotos, por eso el “365 fotos” del título es sólo una aproximación. Al final he optado por dejar en manos de Virginia y Luna la selección final. Me resistía a dejar fuera fotos que me recuerdan instantes felices de este año que hoy se despide.
Como suele decirse, no están todos los que son, pero si son todos los que están. :-)
El próximo año seguiré haciendo fotos de teatro, zarzuela, ópera, musical... Es muy gratificante. Me da vida.
Espero que os guste el vídeo.
Feliz año 2016 a todos, actores, compañías y público.
015 - 365 días / 365 fotos de Danza
Reportaje completo en ETER.COM
Un resumen de mi último año de trabajo como fotógrafo de danza.
Nuevamente tengo que decir que ha sido un año todavía más tranquilo que el pasado en lo que a fotos de danza se refiere. La caída de la oferta dancística en la Comunidad de Madrid, que ha pasado de preocupante a agónica, se ha incrementado aún más y he hecho menos sesiones de danza que en 2013. Afortunadamente el cambio de dirección del Festival Madrid en Danza me ha permitido hacer fotos de este festival.
A pesar de ello nos ha costado elegir estas que os presento. Al final hemos dejado que las máquinas hicieran la última selección para evitar que el vídeo pasara de diez minutos.
Como suele decirse, no están todos los que son, pero si son todos los que están. :-)
Espero que os guste el vídeo.
Feliz año 2016 a todos, bailarines y público.
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