Reportaje completo en http://www.escenamadrid.com/actualidad/noticia.php?id=17076
Pía Tedesco estrena este montaje lleno de humor (a veces negro) y música
en el Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa. La actriz estará
acompañada por Sebastián Chames al piano y Chema Saiz a la guitarra, dos
músicos del jazz de nuestro país.
Qué pasaría si le contaras a tu psicólogo absolutamente todos tus
traumas y anhelos en una sola sesión? Eso es lo que intenta hacer la
protagonista de Envidia de la Luz. El psicólogo está encarnado en el
público presente en cada función, y será testigo y confidente de la
psique disparatada de esta mujer interpretada por la actriz y cantante
Pía Tedesco, conocida, además de por su faceta musical, por sus
creaciones escénicas llenas de elementos propios del cabaret más puro y
que la han convertido en uno de los referentes de este género en España.
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jueves, 25 de enero de 2018
jueves, 18 de enero de 2018
La tristeza de los ogros
Reportaje completo en http://www.escenamadrid.com/actualidad/noticia.php?id=17075
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno absoluto de la versión en español de La tristeza de los ogros, con texto y dramaturgia de Fabrice Murgia. Este montaje estará en la Sala Verde del 18 de enero al 4 de febrero.
Año 2006: el joven Bastian Bosse vuelve a su antiguo instituto. Abre fuego. Había anunciado su acción en internet. Ese mismo año, la adolescente Natascha Kampusch escapa de la vigilancia del hombre que la había secuestrado diez años antes. Su caso es objeto de una inmensa mediatización.
A partir de estas dos historias reales, Fabrice Murgia (director del Teatro Nacional de Bélgica desde 2016 y León de Plata de la Bienal de Venecia en 2014) construye un espectáculo que habla sobre la pérdida de la infancia. Explorando el blog personal de Bastian y las entrevistas de Natascha, Murgia teje un cuento onírico que desborda con creces el contenido de los periódicos e impregna la ficción con la vitalidad, la oscura ira y el desconcierto de su generación.
El espectáculo se estrenó en su versión original en 2009 y ahora llega a los Teatros del Canal en versión española, un estreno absoluto coproducido por el Théâtre National Wallonie-Bruxelles, Teatros del Canal y Teatre Lliure que cuenta con la adaptación de Borja Ortiz de Gondra y la interpretación de Nacho Sánchez, Olivia Delcán y Andrea de San Juan.
Un cuento onírico sobre el desarraigo que dibuja la metamorfosis adolescente y que el autor y director describe como: "un espectáculo que habla de la pérdida de la infancia. Bastian y Natascha son dos adolescentes que dejan de ser adolescentes. Él va a salir de su habitación para cometer un crimen; y ella va a escaparse de un sótano, en el que ha estado años encerrada, privada de su juventud. Estos dos encierros no son más que pretextos que nos ayudan a explorar de manera íntima esas dos figuras de la soledad. Para mí, partir de historias reales es algo importante, porque la base documental permite ir hacia lo onírico y, a su vez, establece un vínculo con lo real. He trabajado a partir de un blog/diario íntimo de Bastian Bosse, que descargué de internet. Y retransmito las entrevistas que Natascha Kampusch concedió para la televisión. He incluido también detalles de mi adolescencia, estigmas de nuestra juventud".
Hasta junio de 2018 los Teatros del Canal ofrecen más de 45 espectáculos, una selección de los mejores creadores de la escena nacional e internacional. El primer cuatrimestre de la temporada se ha cerrado con más de un 96% de ocupación. Todos los espectáculos de la temporada, así como los abonos para 10 y 20 espectáculos están a la venta en www.teatroscanal.com
Más información sobre el espectáculo en: http://www.teatroscanal.com/espectaculo/fabrice-murgia
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno absoluto de la versión en español de La tristeza de los ogros, con texto y dramaturgia de Fabrice Murgia. Este montaje estará en la Sala Verde del 18 de enero al 4 de febrero.
Año 2006: el joven Bastian Bosse vuelve a su antiguo instituto. Abre fuego. Había anunciado su acción en internet. Ese mismo año, la adolescente Natascha Kampusch escapa de la vigilancia del hombre que la había secuestrado diez años antes. Su caso es objeto de una inmensa mediatización.
A partir de estas dos historias reales, Fabrice Murgia (director del Teatro Nacional de Bélgica desde 2016 y León de Plata de la Bienal de Venecia en 2014) construye un espectáculo que habla sobre la pérdida de la infancia. Explorando el blog personal de Bastian y las entrevistas de Natascha, Murgia teje un cuento onírico que desborda con creces el contenido de los periódicos e impregna la ficción con la vitalidad, la oscura ira y el desconcierto de su generación.
El espectáculo se estrenó en su versión original en 2009 y ahora llega a los Teatros del Canal en versión española, un estreno absoluto coproducido por el Théâtre National Wallonie-Bruxelles, Teatros del Canal y Teatre Lliure que cuenta con la adaptación de Borja Ortiz de Gondra y la interpretación de Nacho Sánchez, Olivia Delcán y Andrea de San Juan.
Un cuento onírico sobre el desarraigo que dibuja la metamorfosis adolescente y que el autor y director describe como: "un espectáculo que habla de la pérdida de la infancia. Bastian y Natascha son dos adolescentes que dejan de ser adolescentes. Él va a salir de su habitación para cometer un crimen; y ella va a escaparse de un sótano, en el que ha estado años encerrada, privada de su juventud. Estos dos encierros no son más que pretextos que nos ayudan a explorar de manera íntima esas dos figuras de la soledad. Para mí, partir de historias reales es algo importante, porque la base documental permite ir hacia lo onírico y, a su vez, establece un vínculo con lo real. He trabajado a partir de un blog/diario íntimo de Bastian Bosse, que descargué de internet. Y retransmito las entrevistas que Natascha Kampusch concedió para la televisión. He incluido también detalles de mi adolescencia, estigmas de nuestra juventud".
Hasta junio de 2018 los Teatros del Canal ofrecen más de 45 espectáculos, una selección de los mejores creadores de la escena nacional e internacional. El primer cuatrimestre de la temporada se ha cerrado con más de un 96% de ocupación. Todos los espectáculos de la temporada, así como los abonos para 10 y 20 espectáculos están a la venta en www.teatroscanal.com
Más información sobre el espectáculo en: http://www.teatroscanal.com/espectaculo/fabrice-murgia
martes, 9 de enero de 2018
OSCAR O LA FELICIDAD DE EXISTIR
Reportaje completo en http://www.escenamadrid.com/actualidad/noticia.php?id=17073
Me ha gustado volver a ver a Juan Carlos Pérez de la Fuente. No le veía desde que el equipo cultural de Carmena en el Ayuntamiento de Madrid le destituyó, inexplicablemente, de la dirección de los teatros municipales. Una decisión que vistos los resultados a fecha de hoy, ha sido nefasta para la cultura madrileña.
Para su regreso a la escena, Pérez de la Fuente ha elegido un impactante monólogo de Éric-Emmanuel Schmitt con una excelente interpretación de la actriz Yolanda Ulloa.
Sólo he visto una muestra de la obra durante el pase gráfico, pero me basta para recomendar esta obra.
El monólogo original de Éric-Emmanuel Schmitt supone el regreso a la escena del director Juan Carlos Pérez de la Fuente que dirige en esta ocasión a Yolanda Ulloa.
La actriz dará vida a los diez personajes que componen este texto, versionado por Juan José de Arteche. Ante los ojos del espectador cobrarán vida todos los personajes que componen la historia: Óscar, sus amigos (Bacon, Popcorn, Einstein, “La China”, Peggy Blue), sus padres, el doctor Düsseldorf, las enfermeras… y sobre todo Mami Rosa, la voluntaria tierna y divertida, llena de coraje y valentía, que no tiene miedo de hablar de la enfermedad y de la muerte.
"Óscar o la felicidad de existir", título de la versión teatral española de “Óscar et la dame rose”, es el tercero de los relatos- entre los que figura el señor Ibrahim y las flores del Corán - que Schmitt escribe sobre la infancia y su relación con el mundo espiritual. El conjunto de estos relatos forman, según la definición del propio autor, la Trilogía de lo Invisible: un viaje a través de las grandes fuentes de la espiritualidad humana, a fin de comprender las religiones. El título que nos ocupa, del que se han vendido más de medio millón de ejemplares en Francia, se estrenó en París con un éxito clamoroso el 7 de febrero de 2003 en la Comédie des Champs Elysées y a continuación en las principales capitales de provincia.
Sinopsis: es la historia de una complicidad: la de Óscar, un niño de diez años enfermo de leucemia y la de Mami Rosa, la voluntaria que le visita todos los días en el hospital. Con valentía, con imaginación y también con buen humor, Mami Rosa compartirá los últimos doce días de la vida de Óscar, tejiéndose entre ambos una intensa relación de amor y amistad, relación que nos irá introduciendo en los grandes misterios de nuestra existencia. Un canto a la vida y a la imaginación.
SALA ARAPILES 16
C/Arapiles, 16
"Oscar o la felicidad de existir" podrá verse desde el 11 de enero de 2018, los jueves, viernes y sábados a las 20.00h y los domingos a las 19.00h.
Las entradas pueden adquirirse en taquillas del teatro, Atrápalo, Entradas.com y puntos habituales desde 17 euros.
Me ha gustado volver a ver a Juan Carlos Pérez de la Fuente. No le veía desde que el equipo cultural de Carmena en el Ayuntamiento de Madrid le destituyó, inexplicablemente, de la dirección de los teatros municipales. Una decisión que vistos los resultados a fecha de hoy, ha sido nefasta para la cultura madrileña.
Para su regreso a la escena, Pérez de la Fuente ha elegido un impactante monólogo de Éric-Emmanuel Schmitt con una excelente interpretación de la actriz Yolanda Ulloa.
Sólo he visto una muestra de la obra durante el pase gráfico, pero me basta para recomendar esta obra.
El monólogo original de Éric-Emmanuel Schmitt supone el regreso a la escena del director Juan Carlos Pérez de la Fuente que dirige en esta ocasión a Yolanda Ulloa.
La actriz dará vida a los diez personajes que componen este texto, versionado por Juan José de Arteche. Ante los ojos del espectador cobrarán vida todos los personajes que componen la historia: Óscar, sus amigos (Bacon, Popcorn, Einstein, “La China”, Peggy Blue), sus padres, el doctor Düsseldorf, las enfermeras… y sobre todo Mami Rosa, la voluntaria tierna y divertida, llena de coraje y valentía, que no tiene miedo de hablar de la enfermedad y de la muerte.
"Óscar o la felicidad de existir", título de la versión teatral española de “Óscar et la dame rose”, es el tercero de los relatos- entre los que figura el señor Ibrahim y las flores del Corán - que Schmitt escribe sobre la infancia y su relación con el mundo espiritual. El conjunto de estos relatos forman, según la definición del propio autor, la Trilogía de lo Invisible: un viaje a través de las grandes fuentes de la espiritualidad humana, a fin de comprender las religiones. El título que nos ocupa, del que se han vendido más de medio millón de ejemplares en Francia, se estrenó en París con un éxito clamoroso el 7 de febrero de 2003 en la Comédie des Champs Elysées y a continuación en las principales capitales de provincia.
Sinopsis: es la historia de una complicidad: la de Óscar, un niño de diez años enfermo de leucemia y la de Mami Rosa, la voluntaria que le visita todos los días en el hospital. Con valentía, con imaginación y también con buen humor, Mami Rosa compartirá los últimos doce días de la vida de Óscar, tejiéndose entre ambos una intensa relación de amor y amistad, relación que nos irá introduciendo en los grandes misterios de nuestra existencia. Un canto a la vida y a la imaginación.
SALA ARAPILES 16
C/Arapiles, 16
"Oscar o la felicidad de existir" podrá verse desde el 11 de enero de 2018, los jueves, viernes y sábados a las 20.00h y los domingos a las 19.00h.
Las entradas pueden adquirirse en taquillas del teatro, Atrápalo, Entradas.com y puntos habituales desde 17 euros.
jueves, 28 de diciembre de 2017
La Compañía La Bicicleta presenta el Musical Cuento de Navidad en el Teatro Sanpol
Reportaje completo en www.eter.com
Al placer de ver las obras de la Compañía La Bicicleta, se une en muchas ocasiones, como esta, el placer de ver el teatro lleno de niños disfrutando de la cultura. Siempre lo digo, el Teatro Sanpol es un centro de creación de nuevos públicos. Me gustaría ver por allí algún día a nuestro Consejero de Cultura, Jaime de los Santos, apoyando con su presencia esta extraordinaria labor educativo/cultural.
En esta ocasión La Bicicleta presenta un excelente musical basado en la obra homónima de Charles Dickens. Un espectáculo apto para todas la edades al que yo recomiendo asistir. Si en el mundo de la danza El Cascanueces es obligado en fechas navideñas, este Cuento de Navidad no debería faltar cada año en el mundo del Musical.
CUENTO DE NAVIDAD
La mas bella historia de Navidad, la de Charles Dickens, nos acompaño durante las navidades del 2010. Estrenamos un nuevo siglo viviéndolo como si todo él fuera una Nochebuena.
La Navidad son esos días en que demostramos nuestro cariño a nuestros semejantes, donde todo aquello que deseamos puede ser posible y si podemos echar una mano lo hacemos con lo mejor de nuestro corazón.
Un día al llegar la Nochebuena el señor Scrooge se enfrenta a sus pequeñas y grandes miserias terrenales y tiene que revivir todas las acciones malas que realizó. Afortunadamente, la noche de Navidad puede hacer el “milagro” de que recapacitemos y cambiemos nuestra manera de vivir y de relacionarnos con los demás.
Un gran elenco de actores y bailarines con una producción deslumbrante hizo que Cuento de Navidad una historia que siempre recordaremos.
Scrooge Javier/ Ibarz
Bob Crachit, Espiritu 1 y Viejo Joe/ Victor Benedé
Fred, Jacob Marley, Sr. Fezziwig y Espiritu 2/ Albert Suárez
Dama, Anna, Sra Fezziwig y Sra. Dilver/ Natalia Jara
Bella, niño, Fanny/ María Arévalo
Isabel, Niña del pavo y Marta/ Sara Fandiño
Niña, Tim y Escarlata/ Miriam Arias Pérez
Chico, Tooper, Espiritu 3, Richard y Niño Scrooge/ Jaime Páramo
Dirección/ Quim Capdevila
Diseño iluminación/ Nicolás Fischtel
Escenografía/ Pablo Almeida
Coreografía/ Juan Rua/Georgina Cort
Ficha didáctica/ Cristina Ferreiro
Diseño gráfico/ Landmark Comunicación
Producción/ Natasha Fischtel
Realización escenografía/ Pablo Almeida/Gonzalo Buznego
Vestuario/ Denitza Deneva
Al placer de ver las obras de la Compañía La Bicicleta, se une en muchas ocasiones, como esta, el placer de ver el teatro lleno de niños disfrutando de la cultura. Siempre lo digo, el Teatro Sanpol es un centro de creación de nuevos públicos. Me gustaría ver por allí algún día a nuestro Consejero de Cultura, Jaime de los Santos, apoyando con su presencia esta extraordinaria labor educativo/cultural.
En esta ocasión La Bicicleta presenta un excelente musical basado en la obra homónima de Charles Dickens. Un espectáculo apto para todas la edades al que yo recomiendo asistir. Si en el mundo de la danza El Cascanueces es obligado en fechas navideñas, este Cuento de Navidad no debería faltar cada año en el mundo del Musical.
CUENTO DE NAVIDAD
La mas bella historia de Navidad, la de Charles Dickens, nos acompaño durante las navidades del 2010. Estrenamos un nuevo siglo viviéndolo como si todo él fuera una Nochebuena.
La Navidad son esos días en que demostramos nuestro cariño a nuestros semejantes, donde todo aquello que deseamos puede ser posible y si podemos echar una mano lo hacemos con lo mejor de nuestro corazón.
Un día al llegar la Nochebuena el señor Scrooge se enfrenta a sus pequeñas y grandes miserias terrenales y tiene que revivir todas las acciones malas que realizó. Afortunadamente, la noche de Navidad puede hacer el “milagro” de que recapacitemos y cambiemos nuestra manera de vivir y de relacionarnos con los demás.
Un gran elenco de actores y bailarines con una producción deslumbrante hizo que Cuento de Navidad una historia que siempre recordaremos.
Scrooge Javier/ Ibarz
Bob Crachit, Espiritu 1 y Viejo Joe/ Victor Benedé
Fred, Jacob Marley, Sr. Fezziwig y Espiritu 2/ Albert Suárez
Dama, Anna, Sra Fezziwig y Sra. Dilver/ Natalia Jara
Bella, niño, Fanny/ María Arévalo
Isabel, Niña del pavo y Marta/ Sara Fandiño
Niña, Tim y Escarlata/ Miriam Arias Pérez
Chico, Tooper, Espiritu 3, Richard y Niño Scrooge/ Jaime Páramo
Dirección/ Quim Capdevila
Diseño iluminación/ Nicolás Fischtel
Escenografía/ Pablo Almeida
Coreografía/ Juan Rua/Georgina Cort
Ficha didáctica/ Cristina Ferreiro
Diseño gráfico/ Landmark Comunicación
Producción/ Natasha Fischtel
Realización escenografía/ Pablo Almeida/Gonzalo Buznego
Vestuario/ Denitza Deneva
miércoles, 13 de diciembre de 2017
Silvia Marsó estrena en La Abadía 24 horas en la vida de una mujer
Reportaje completo en http://www.escenamadrid.com/actualidad/noticia.php?id=17072
Llega a La Abadía 24 horas en la vida de una mujer, musical de cámara basado en la célebre novela de Stefan Zweig. La adaptación de Christine Khandjian y Stéphane Ly-Cuong, estrenada con éxito en París, está dirigida en su versión española por Ignacio García, y protagonizada —y producida— por Silvia Marsó, a la que acompañan en escena Felipa Ansola y Victor Masán (o Germán Torres), junto a un ensemble de piano (Josep Ferré / Carlos Calvo Tapia), violín (Gala Perez Iñesta / Silvia Carbajal) y violonchelo (Irene Celestino Chico / Álvaro Llorente).
Además, la música original de Sergei Dreznin, el planteamiento visual de Arturo Martín Burgos en la escenografía, Juanjo Llorens en la iluminación, Ana Garay en el vestuario y Mireia Ros en las imágenes, permitirán al espectador viajar por los casinos de Montecarlo, la Riviera y la Costa Azul, y vivir ese torbellino emocional que apenas dura veinticuatro horas, pero que transforma a los protagonistas para siempre; “días que nos convierten en quienes somos...”
Argumento
Mrs. C una aristócrata que acaba de enviudar, observa en el casino de Montecarlo a un jovencísimo jugador que esa noche pierde todo su dinero en la ruleta. Desesperado el joven abandona el casino y ella, tras seguirlo, consigue evitar su suicidio. Compasiva le ofrece pagar su alojamiento esa noche y darle una cantidad para que abandone Montecarlo al día siguiente y pueda saldar sus deudas. Al llegar al hotel el joven se aferra desesperadamente a aquella mujer a la que considera su salvadora y Mrs. C conmocionada y ante el temor de que el joven intente de nuevo suicidarse, decide no separarse de él durante las siguientes 24 horas...
El debate moral
La amistad que mantuvo Stefan Zweig con Sigmund Freud durante años, pudo influir en su obra, para que el proceso psicológico y emocional de sus personajes fuera siempre uno de sus ejes fundamentales. 24 horas en la vida de una mujer desentraña los misterios de la naturaleza humana y nos muestra cómo el destino puede convertirse en catalizador de un profundo debate moral, cuando los personajes se ven enfrentados durante 24 horas a sus propias normas de conducta, las que, hasta entonces, han guiado sus vidas.
Pero en determinadas circunstancias, cuando el azar nos empuja a una situación límite, cuando los sentimientos y las pasiones se escapan a nuestro control... ¿somos capaces de romper esas barreras para conquistar la libertad?
En palabras de Ignacio García, la obra plantea “una visión subjetiva de la pasión, que conduce a los personajes por la senda peligrosa de los deseos más profundos, que tantas veces necesitamos vivir, de forma inconsciente, como una huida de la propia vida”.
El autor
Stefan Zweig (Austria, 1881 - Brasil, 1942) Considerado uno de los mejores escritores de su época (Viaje al pasado, Carta de una desconocida, Momentos estelares de la humanidad), sufrió la represión y el oprobio de ver sus obras prohibidas y reducidas a cenizas por los nazis en la Segunda Guerra Mundial.
La dramática situación de exilio le obligó a llevar una existencia errante (Londres, Bath, París, Nueva York) y aunque cultivó amistad con personalidades como Maxim Gorki, Albert Einstein, Rainer Maria Rilke, Auguste Rodin, o Arturo Toscanini; Zweig, incapaz de aceptar el naufragio de su sueño europeísta y profundamente hundido por su prolongado destierro, tomó la decisión de suicidarse en Petrópolis junto a su esposa Lotte en 1942, cumpliéndose este año el 75º aniversario de su muerte.
Llega a La Abadía 24 horas en la vida de una mujer, musical de cámara basado en la célebre novela de Stefan Zweig. La adaptación de Christine Khandjian y Stéphane Ly-Cuong, estrenada con éxito en París, está dirigida en su versión española por Ignacio García, y protagonizada —y producida— por Silvia Marsó, a la que acompañan en escena Felipa Ansola y Victor Masán (o Germán Torres), junto a un ensemble de piano (Josep Ferré / Carlos Calvo Tapia), violín (Gala Perez Iñesta / Silvia Carbajal) y violonchelo (Irene Celestino Chico / Álvaro Llorente).
Además, la música original de Sergei Dreznin, el planteamiento visual de Arturo Martín Burgos en la escenografía, Juanjo Llorens en la iluminación, Ana Garay en el vestuario y Mireia Ros en las imágenes, permitirán al espectador viajar por los casinos de Montecarlo, la Riviera y la Costa Azul, y vivir ese torbellino emocional que apenas dura veinticuatro horas, pero que transforma a los protagonistas para siempre; “días que nos convierten en quienes somos...”
Argumento
Mrs. C una aristócrata que acaba de enviudar, observa en el casino de Montecarlo a un jovencísimo jugador que esa noche pierde todo su dinero en la ruleta. Desesperado el joven abandona el casino y ella, tras seguirlo, consigue evitar su suicidio. Compasiva le ofrece pagar su alojamiento esa noche y darle una cantidad para que abandone Montecarlo al día siguiente y pueda saldar sus deudas. Al llegar al hotel el joven se aferra desesperadamente a aquella mujer a la que considera su salvadora y Mrs. C conmocionada y ante el temor de que el joven intente de nuevo suicidarse, decide no separarse de él durante las siguientes 24 horas...
El debate moral
La amistad que mantuvo Stefan Zweig con Sigmund Freud durante años, pudo influir en su obra, para que el proceso psicológico y emocional de sus personajes fuera siempre uno de sus ejes fundamentales. 24 horas en la vida de una mujer desentraña los misterios de la naturaleza humana y nos muestra cómo el destino puede convertirse en catalizador de un profundo debate moral, cuando los personajes se ven enfrentados durante 24 horas a sus propias normas de conducta, las que, hasta entonces, han guiado sus vidas.
Pero en determinadas circunstancias, cuando el azar nos empuja a una situación límite, cuando los sentimientos y las pasiones se escapan a nuestro control... ¿somos capaces de romper esas barreras para conquistar la libertad?
En palabras de Ignacio García, la obra plantea “una visión subjetiva de la pasión, que conduce a los personajes por la senda peligrosa de los deseos más profundos, que tantas veces necesitamos vivir, de forma inconsciente, como una huida de la propia vida”.
El autor
Stefan Zweig (Austria, 1881 - Brasil, 1942) Considerado uno de los mejores escritores de su época (Viaje al pasado, Carta de una desconocida, Momentos estelares de la humanidad), sufrió la represión y el oprobio de ver sus obras prohibidas y reducidas a cenizas por los nazis en la Segunda Guerra Mundial.
La dramática situación de exilio le obligó a llevar una existencia errante (Londres, Bath, París, Nueva York) y aunque cultivó amistad con personalidades como Maxim Gorki, Albert Einstein, Rainer Maria Rilke, Auguste Rodin, o Arturo Toscanini; Zweig, incapaz de aceptar el naufragio de su sueño europeísta y profundamente hundido por su prolongado destierro, tomó la decisión de suicidarse en Petrópolis junto a su esposa Lotte en 1942, cumpliéndose este año el 75º aniversario de su muerte.
sábado, 11 de noviembre de 2017
Circo de sastre en Naves Matadero
Reportaje completo en www.eter.com
Durante dos interminables horas, dos músicos, un sastre y un iluminador
ocupan un escenario oscuro, presentando al público una performance en la
que los dos músicos interpretan “música/ruido” de variada calidad
mientras el sastre les va anudando telas en sus cuerpos.
Me ha parecido inaguantable. No me extraña que Matadero sea una ruina desde que cambió la dirección artística.
NOTA DE PRENSA
Se estrena en Naves Matadero el espectáculo de los japoneses Circo de sastre. Un montaje que sale por primera vez de Japón y que ofrece un nuevo género, inventado por sus protagonistas, que aúna un concierto en directo con la creación de paisajes con telas, luces y sombras y que va dirigido a todos los públicos.
Cada día los artistas nipones generan un espectáculo diferente gracias a la improvisación musical, y a los nuevos diseños de escenografía que, con ayuda de una máquina de coser y tijeras, se van construyendo ante los ojos del público. Un circo de sonidos, tejidos y luz que, con el movimiento de las telas, la creación de luces y sombras, con ruidos, silencios, música, etc., traslada al espectador a un mundo fantástico.
Fundado en 2014 por Daigho Soga y Gandhi Nishigaki (músicos de CINEMA dub MONKS), junto con el diseñador de moda Suzuki Takayuki y Watanabe, artista de la iluminación, utilizan todos los recursos a su alcance para crear escenarios e historias mientras manejan las emociones de quienes les observan.
Suzuki crea con telas la escenografía en directo con su máquina de coser o baila vistiendo el espacio. Daigho y Gandhi improvisan un paisaje musical con instrumentos fabricados por ellos y otros tradicionales al tiempo que Watanabe modifica las percepciones del ojo humano creando magia con la luz.
Así lo explican ellos: “Utilizamos manualmente todo lo que existe a nuestro alcance: el espacio, la música, la luz, la sombra, la ropa, etc. para conquistar el instante que mueve el corazón de una persona. Buscamos las raíces de métodos expresivos universales (y novedosos) que puedan mantenerse durante siglos, incluso después de que desaparezcamos. Queremos que nuestro público se divierta sin que sepa poner palabras a lo que ha visto o experimentado. Que regresen a la infancia. Queremos hacer que la gente se sienta libre y salga queriendo vivir su vida con libertad”.
Multi instrumentista: Daiho Soga (Cinema Dub Monks)
Wood Bass: Gandhi Nishigaki (Cinema Dub Monks)
Diseñador de moda y sastre: Takayuki Suzuki
Iluminación: Takashi Watanabe
Durante dos interminables horas, dos músicos, un sastre y un iluminador
ocupan un escenario oscuro, presentando al público una performance en la
que los dos músicos interpretan “música/ruido” de variada calidad
mientras el sastre les va anudando telas en sus cuerpos.
Me ha parecido inaguantable. No me extraña que Matadero sea una ruina desde que cambió la dirección artística.
NOTA DE PRENSA
Se estrena en Naves Matadero el espectáculo de los japoneses Circo de sastre. Un montaje que sale por primera vez de Japón y que ofrece un nuevo género, inventado por sus protagonistas, que aúna un concierto en directo con la creación de paisajes con telas, luces y sombras y que va dirigido a todos los públicos.
Cada día los artistas nipones generan un espectáculo diferente gracias a la improvisación musical, y a los nuevos diseños de escenografía que, con ayuda de una máquina de coser y tijeras, se van construyendo ante los ojos del público. Un circo de sonidos, tejidos y luz que, con el movimiento de las telas, la creación de luces y sombras, con ruidos, silencios, música, etc., traslada al espectador a un mundo fantástico.
Fundado en 2014 por Daigho Soga y Gandhi Nishigaki (músicos de CINEMA dub MONKS), junto con el diseñador de moda Suzuki Takayuki y Watanabe, artista de la iluminación, utilizan todos los recursos a su alcance para crear escenarios e historias mientras manejan las emociones de quienes les observan.
Suzuki crea con telas la escenografía en directo con su máquina de coser o baila vistiendo el espacio. Daigho y Gandhi improvisan un paisaje musical con instrumentos fabricados por ellos y otros tradicionales al tiempo que Watanabe modifica las percepciones del ojo humano creando magia con la luz.
Así lo explican ellos: “Utilizamos manualmente todo lo que existe a nuestro alcance: el espacio, la música, la luz, la sombra, la ropa, etc. para conquistar el instante que mueve el corazón de una persona. Buscamos las raíces de métodos expresivos universales (y novedosos) que puedan mantenerse durante siglos, incluso después de que desaparezcamos. Queremos que nuestro público se divierta sin que sepa poner palabras a lo que ha visto o experimentado. Que regresen a la infancia. Queremos hacer que la gente se sienta libre y salga queriendo vivir su vida con libertad”.
Multi instrumentista: Daiho Soga (Cinema Dub Monks)
Wood Bass: Gandhi Nishigaki (Cinema Dub Monks)
Diseñador de moda y sastre: Takayuki Suzuki
Iluminación: Takashi Watanabe
miércoles, 27 de septiembre de 2017
Teatros del Canal presentan Sensible protagonizado por Kiti Mánver
Reportaje completo en www.eter.com
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno en
Madrid de Sensible, una obra dirigida por Juan Carlos Rubio basada en la
novela de Constance de Salm y protagonizada por Kiti Mánver acompañada
por Chevy Muraday. Este montaje se podrá disfrutar en la Sala Verde del
27 de septiembre al 22 de octubre.
Sensible es un espectáculo multidisciplinar: música, danza e interpretación se funden y superponen para sumergirnos en el abanico de obsesiones y afectos del alma magistralmente trazados por Constance de Salm en su afamada novela epistolar del siglo XIX. En ella descubrimos como una madura aristócrata pasa por todas las etapas del calvario al descubrir a la salida de la ópera la traición de su joven amante, que sube al coche con otra mujer. Despechada, a lo largo de un intenso día se sumerge en una espiral de desenfreno intentando recuperar la atención de su enamorado.
En palabras del director, Juan Carlos Rubio: “debo reconocer que lo primero que me interesó de Sensible (adaptación de la obra de Constance de Salm) fue que estuviera escrito por una mujer. Y a comienzos del siglo XIX. ¿Una mujer escribiendo en aquel entonces? Claro que, si somos realistas, bien entrado el siglo XXI, la presencia de las autoras en los escenarios sigue siendo insuficiente. Yo mismo, a lo largo de mi carrera como director, siempre he trabajado con textos escritos por hombres. Y con Sensible encontré la posibilidad de corregir ese error. Y digo error, porque la inmensa gama de emociones, sueños, frustraciones, obsesiones, ironía, dolor y humor que nos regala la protagonista de nuestro espectáculo teatral solo podían surgir de la mente de otra mujer, Constance de Salm. Contar con el equipo soñado, tanto a nivel artístico como técnico, no ha hecho más que confirmarme en la intuición de que Sensible era, es, en proyecto original, auténtico y necesario”.
El trabajo escenográfico diseñado por Curt Allen introduce al espectador en la mente de una mujer que espera con obsesión la llegada de su joven amante, al tiempo que un admirador despechado observa furtivamente todo lo que se desarrolla entre esas paredes. A lo largo de 24 horas ese espacio, conceptual y onírico, va girando sobre sí mismo, ofreciendo diversos ángulos al espectador y descubriendo diversas utilidades insospechadas, como un reloj en el que las manecillas fueran marcando los diferentes estados emocionales de los dos protagonistas.
La iluminación creada por Juanjo Llorens hará hincapié en los claro oscuros de la pasión y los estrechos límites que se desdibujan entre el amor y la obsesión. El paso del tiempo, del devastador tiempo, arrasa con las ilusiones de la protagonista, Constance, y de su frustrado admirador, Alfred. La atmosfera, la claridad momentánea y la sombra creciente, potenciarán esa sensación de angustia y, en algunos momentos, de liberación.
El vestuario de María Luisa Engel nos situará en la época y el lugar exacto en que transcurre nuestra historia: el Nueva York de finales de los años 50. Constance, una sofisticada pintora de la alta sociedad neoyorquina, viste como corresponde a su posición, con elegancia y un toque de elegante atrevimiento, siempre en pos de potenciar la belleza que le puede hacer más deseable a los ojos de su joven amante. Alfred, su invisible y obsesiva sombra, vestirá de traje y corbata, impoluto, impecable.
Julio Awad ha compuesto una inquietante música original para el espectáculo, una banda sonora imprescindible para que Chevi Muraday, en el papel de Alfred, pueda transitar y dar cuerpo a los diferentes estados emocionales que asolan a los protagonistas. Sensible es un espectáculo de los sentidos, y por ello, también el singular espacio sonoro de Sandra Vicente, irá construyendo y aportando la nota necesaria en este viaje en el que la palabra no es la única protagonista.
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno en
Madrid de Sensible, una obra dirigida por Juan Carlos Rubio basada en la
novela de Constance de Salm y protagonizada por Kiti Mánver acompañada
por Chevy Muraday. Este montaje se podrá disfrutar en la Sala Verde del
27 de septiembre al 22 de octubre.
Sensible es un espectáculo multidisciplinar: música, danza e interpretación se funden y superponen para sumergirnos en el abanico de obsesiones y afectos del alma magistralmente trazados por Constance de Salm en su afamada novela epistolar del siglo XIX. En ella descubrimos como una madura aristócrata pasa por todas las etapas del calvario al descubrir a la salida de la ópera la traición de su joven amante, que sube al coche con otra mujer. Despechada, a lo largo de un intenso día se sumerge en una espiral de desenfreno intentando recuperar la atención de su enamorado.
En palabras del director, Juan Carlos Rubio: “debo reconocer que lo primero que me interesó de Sensible (adaptación de la obra de Constance de Salm) fue que estuviera escrito por una mujer. Y a comienzos del siglo XIX. ¿Una mujer escribiendo en aquel entonces? Claro que, si somos realistas, bien entrado el siglo XXI, la presencia de las autoras en los escenarios sigue siendo insuficiente. Yo mismo, a lo largo de mi carrera como director, siempre he trabajado con textos escritos por hombres. Y con Sensible encontré la posibilidad de corregir ese error. Y digo error, porque la inmensa gama de emociones, sueños, frustraciones, obsesiones, ironía, dolor y humor que nos regala la protagonista de nuestro espectáculo teatral solo podían surgir de la mente de otra mujer, Constance de Salm. Contar con el equipo soñado, tanto a nivel artístico como técnico, no ha hecho más que confirmarme en la intuición de que Sensible era, es, en proyecto original, auténtico y necesario”.
El trabajo escenográfico diseñado por Curt Allen introduce al espectador en la mente de una mujer que espera con obsesión la llegada de su joven amante, al tiempo que un admirador despechado observa furtivamente todo lo que se desarrolla entre esas paredes. A lo largo de 24 horas ese espacio, conceptual y onírico, va girando sobre sí mismo, ofreciendo diversos ángulos al espectador y descubriendo diversas utilidades insospechadas, como un reloj en el que las manecillas fueran marcando los diferentes estados emocionales de los dos protagonistas.
La iluminación creada por Juanjo Llorens hará hincapié en los claro oscuros de la pasión y los estrechos límites que se desdibujan entre el amor y la obsesión. El paso del tiempo, del devastador tiempo, arrasa con las ilusiones de la protagonista, Constance, y de su frustrado admirador, Alfred. La atmosfera, la claridad momentánea y la sombra creciente, potenciarán esa sensación de angustia y, en algunos momentos, de liberación.
El vestuario de María Luisa Engel nos situará en la época y el lugar exacto en que transcurre nuestra historia: el Nueva York de finales de los años 50. Constance, una sofisticada pintora de la alta sociedad neoyorquina, viste como corresponde a su posición, con elegancia y un toque de elegante atrevimiento, siempre en pos de potenciar la belleza que le puede hacer más deseable a los ojos de su joven amante. Alfred, su invisible y obsesiva sombra, vestirá de traje y corbata, impoluto, impecable.
Julio Awad ha compuesto una inquietante música original para el espectáculo, una banda sonora imprescindible para que Chevi Muraday, en el papel de Alfred, pueda transitar y dar cuerpo a los diferentes estados emocionales que asolan a los protagonistas. Sensible es un espectáculo de los sentidos, y por ello, también el singular espacio sonoro de Sandra Vicente, irá construyendo y aportando la nota necesaria en este viaje en el que la palabra no es la única protagonista.
lunes, 28 de agosto de 2017
Los Espejos de Don Quijote
Reportaje completo en www.escenamadrid.com
y www.eter.com
Un hipotético encuentro de dos grandes escritores, Cervantes y Shakespeare dan pié a una sólida comedia en la que todo, el vestuario, la iluminación, la escenografía, el elenco… está cuidado para ofrecer al público un excelente espectáculo. Mención especial merecen los cuatro intérpretes que están extraordinarios en sus respectivos papeles.
Muy interesante el espacio escénico, una carpa situada en la Cuesta de Moyano, que nos transporta al Siglo de Oro, recreando un típico corral de comedias. Muy agradable.
Resumiendo, una obra muy recomendable.
Me ha gustado ver en escena a Ana Crouseilles, a quien conocía y admiraba como bailarina, en un registro nuevo para mí, el de actriz, y en el que desde ayer también la admiro. Una gran artista.
SINOPSIS
Una mañana de 1597 Cervantes despierta encarcelado en una de las celdas de la Prisión Real de Sevilla, acusado de robar los impuestos que él mismo recaudaba para el Rey de España justo cuando pensaba que la fructífera recaudación podía cambiar su fortuna de una vez por todas. Todo le señala como culpable pero el acusado se defiende con gran convicción ya que casualmente el banco en que depositó los impuestos ha quebrado el día anterior, justo antes de su detención.
Tratando de poner de su parte al carcelero descubre que en una celda vecina sufre encierro Dorotea; la tabernera con quien Cervantes anda en relaciones. Ambos debían encontrarse la noche anterior en la taberna nada menos que con el banquero de forma que la presencia de ella en prisión no debe ser casual. El grotesco y rígido carcelero no atiende a pasiones ni razones y le impide encontrarse con ella.
Dorotea, por su parte, está dolida con Cervantes por todo lo ocurrido y se niega a darle ningún tipo de información. Arrinconado y solo –Cervantes- expuesto a una encrucijada crítica; recibe, por si fuera poco, el azote de un peculiar escritor, que acudió anoche en defensa de la dama y que sufre con ella también encierro. El escritor pretende que Cervantes cambie su conducta con la chica enfrentándole con su enemigo más temido: él mismo.
Corral de Cervantes
Cuesta de Moyano
Hasta el 23 de septiembre
ENTRADAS
Elenco:
José Manuel Seda, Daniel Moreno, Ana Crouseilles y Pedro Miguel Martínez.
Escrito y dirigido por Alberto Herreros.
y www.eter.com
Un hipotético encuentro de dos grandes escritores, Cervantes y Shakespeare dan pié a una sólida comedia en la que todo, el vestuario, la iluminación, la escenografía, el elenco… está cuidado para ofrecer al público un excelente espectáculo. Mención especial merecen los cuatro intérpretes que están extraordinarios en sus respectivos papeles.
Muy interesante el espacio escénico, una carpa situada en la Cuesta de Moyano, que nos transporta al Siglo de Oro, recreando un típico corral de comedias. Muy agradable.
Resumiendo, una obra muy recomendable.
Me ha gustado ver en escena a Ana Crouseilles, a quien conocía y admiraba como bailarina, en un registro nuevo para mí, el de actriz, y en el que desde ayer también la admiro. Una gran artista.
SINOPSIS
Una mañana de 1597 Cervantes despierta encarcelado en una de las celdas de la Prisión Real de Sevilla, acusado de robar los impuestos que él mismo recaudaba para el Rey de España justo cuando pensaba que la fructífera recaudación podía cambiar su fortuna de una vez por todas. Todo le señala como culpable pero el acusado se defiende con gran convicción ya que casualmente el banco en que depositó los impuestos ha quebrado el día anterior, justo antes de su detención.
Tratando de poner de su parte al carcelero descubre que en una celda vecina sufre encierro Dorotea; la tabernera con quien Cervantes anda en relaciones. Ambos debían encontrarse la noche anterior en la taberna nada menos que con el banquero de forma que la presencia de ella en prisión no debe ser casual. El grotesco y rígido carcelero no atiende a pasiones ni razones y le impide encontrarse con ella.
Dorotea, por su parte, está dolida con Cervantes por todo lo ocurrido y se niega a darle ningún tipo de información. Arrinconado y solo –Cervantes- expuesto a una encrucijada crítica; recibe, por si fuera poco, el azote de un peculiar escritor, que acudió anoche en defensa de la dama y que sufre con ella también encierro. El escritor pretende que Cervantes cambie su conducta con la chica enfrentándole con su enemigo más temido: él mismo.
Corral de Cervantes
Cuesta de Moyano
Hasta el 23 de septiembre
ENTRADAS
Elenco:
José Manuel Seda, Daniel Moreno, Ana Crouseilles y Pedro Miguel Martínez.
Escrito y dirigido por Alberto Herreros.
domingo, 28 de mayo de 2017
Talent 2017 tercera jornada.
Reportaje completo en www.eter.com
TALENT 2017, el festival trampolín del talento emergente, cumple cinco años y lo celebra reafirmando sus objetivos: ofrecer una plataforma al talento emergente.
Desde 2015 Talent tomó la forma de acontecimiento bienal, con una primera fase de concurso y una segunda de exhibición. Este año es el turno de la exhibición.
Os dejo algunas fotos de esta tercera jornada.
TALENT 2017, el festival trampolín del talento emergente, cumple cinco años y lo celebra reafirmando sus objetivos: ofrecer una plataforma al talento emergente.
Desde 2015 Talent tomó la forma de acontecimiento bienal, con una primera fase de concurso y una segunda de exhibición. Este año es el turno de la exhibición.
Os dejo algunas fotos de esta tercera jornada.
viernes, 26 de mayo de 2017
Talent 2017 primera jornada.
Reportaje completo en www.eter.com
TALENT 2017, el festival trampolín del talento emergente, cumple cinco
años y lo celebra reafirmando sus objetivos: ofrecer una plataforma al
talento emergente.
Desde 2015 Talent tomó la forma de acontecimiento bienal, con una primera fase de concurso y una segunda de exhibición. Este año es el turno de la exhibición.
Os dejo algunas fotos de esta primera jornada.
Pass & Company – Juguete Roto – Circo
NeveS – Vent Litt…la meg forklare – Danza
La Canoa Teatro – Ella entre Todas – Teatro
TALENT 2017, el festival trampolín del talento emergente, cumple cinco
años y lo celebra reafirmando sus objetivos: ofrecer una plataforma al
talento emergente.
Desde 2015 Talent tomó la forma de acontecimiento bienal, con una primera fase de concurso y una segunda de exhibición. Este año es el turno de la exhibición.
Os dejo algunas fotos de esta primera jornada.
Pass & Company – Juguete Roto – Circo
NeveS – Vent Litt…la meg forklare – Danza
La Canoa Teatro – Ella entre Todas – Teatro
viernes, 10 de marzo de 2017
'Retablo de espera', de Guillermo Womutt en la Sala Mirador
Nos hemos reunido un grupo de artistas para intimar con el hecho de esperar. Esperar en la actualidad. Contar nuestra mirada ante un hecho constante, al menos mientras estamos vivos. El trabajo tiene como premisa respetar la espera del otro, la espera del actor, del individuo y la de las diferentes disciplinas que integran el propio trabajo, siempre que podamos decir que una disciplina es susceptible de esperar. Nosotros pensamos que sí.
Esta aventura comenzó a fraguarse hace ya casi dos años y fue el pasado mes de mayo cuando empezamos los ensayos, durante una residencia en los Teatros del Canal. Fue un reto confrontarnos con el texto; con las improvisaciones, que dieron un giro tan importante al trabajo; con la danza, el vídeo, la música, el espacio y el aporte diario de un equipo de lujo. Cada integrante incorporó generosamente su buen hacer y, al “masticar” el trabajo realizado, lo llamamos Retablo de espera.
Quiero citar a Harold Schweizer, que, en su libro La espera. Melodías de la duración, refleja nuestro deseo de representar nuestra espera con la danza, con el verbo y con el tiempo acelerado que nos proporciona la tecnología. Me refiero al poder de la imagen, del vídeo y de su versatilidad dramática.
“…En nuestro frenético mundo de mensajes instantáneos y gratificaciones instantáneas, la pregunta ‘¿por qué esperar?’ o el consejo ‘no espere’ parecen suscitar un acuerdo unánime. A nadie le gusta esperar… Sin el atractivo del aburrimiento o del deseo, ni tiene un interés melancólico ni es desesperadamente romántica. Entre esperanza y resignación, aburrimiento y deseo, satisfacción e inutilidad, la espera parece extenderse por el vacío. Pero esperar es también disponer de tiempo, sin quererlo.”
La vida es un constante ciclo: todo está dividido y organizado para tener referencias que nos ubiquen en tiempo y espacio. Cuando alguna de las reglas que marcan ese orden es alterada, nuestras posibilidades de acción cambian. Hacemos acopio de paciencia para esperar a que el orden vuelva a restablecerse y así aprender a vivir con un nuevo marco de referencias, con una nueva repetición, con un nuevo ciclo. La espera es un estado mental, frente al tiempo, que es una invención humana. En Retablo de espera, la espera agoniza y renace constantemente: como nosotros.
Es inevitable comparar cómo esperamos hoy en día a cómo esperábamos de niños; cómo esperaban nuestros padres, nuestros abuelos. Mucho ha cambiado y condicionado lo que esperamos y cómo esperamos. En la espera experimentamos un tiempo que no puede prolongarse o reducirse a voluntad y es en ese instante cuando la palabra necesita del baile, de la imagen. Pensamos, soñamos, nos informamos, incluso nos comunicamos con frecuencia, a través de una pantalla. Por esta razón el vídeo está presente como disciplina cotidiana, como recurso tecnológico que se adentra en nuestra intimidad, como arte.
Asistir a un trabajo de artes escénicas implica un encierro voluntario, intelectual y físico por un tiempo determinado. El público también participará de nuestra espera entrando con sus referentes, su inmediatez. Vladimir y Estragón, o Penélope y Ulises y tantos otros referentes literarios estarán allí en nuestro espacio escénico. Esperando.
La premisa de partida ha sido intentar hacer “lo menos posible”. Bill Viola nos ha inspirado en muchas de las imágenes que presentamos. Cada miembro de este equipo sirve de espejo para generar material útil. La espera no se ejecuta, se vive, se padece o se celebra.
En nuestra búsqueda para expresar la espera, tema que nos ocupa, sentimos que el verbo “esperar” es mínimal, ahorrativo y descomunal. Desde la dirección y la dramaturgia he abordado la puesta en escena inspirándome en Bill Viola, utilizando el tiempo como elemento poderoso e implacable. El tiempo es verdugo de cada viaje, de cada espera.
Yo decido mi tiempo para hacer las cosas. El tiempo del otro es, simplemente, diferente.
GUILLERMO WOMUTT
Sala MIrador
Calle del Dr. Fourquet, 31
9 de marzo al 2 de abril
viernes y sábado 20:00h., domingo 19:39h.
Bailarines y actores
Mónica Runde
Nur Levi
Teresa Rivera
Inés Narváez
David Blanka
Franklin Dávalos
Reportaje completo en www.eter.com
lunes, 14 de noviembre de 2016
Adiós al Teatro de la Zarzuela – Iphigenia en Tracia
Reportaje completo en ETER.COM
Ayer fui vejado e insultado, como fotógrafo y como persona, por un miembro de la dirección del Teatro de la Zarzuela y algunos de sus acólitos. Por ello he tomado la decisión de no volver a hacer y publicar fotos de los estrenos de esta institución. Estas son las últimas fotos.
Zarzuela
Mi relación con el teatro de la Zarzuela comienza el 13 de mayo de 2014 con un reportaje sobre la obra “De lo humano...y divino”
En realidad comenzaba unas semanas antes cuando al asistir a un pase gráfico del BNE, Ángel Barreda, un gran profesional, a la sazón Jefe de Prensa del Teatro, me animaba a hacer fotos de zarzuela. A mi respuesta “Soy fotógrafo de danza, no me gusta la zarzuela”, Ángel me contestaba “¿Has visto alguna de nuestras producciones?” “Entonces no puedes saber si te gusta” Poco después me convocaba a la mencionada obra “De lo humano… y divino”, y desde entonces no he faltado a ningún ensayo general con mi cámara.
Durante este tiempo, de estas sesiones he vendido fotos por un importe de 140€. No ha sido, obviamente, una relación interesada. El importe no se acerca al que supone el desgaste de mi equipo, por no hablar de las al menos diez horas de trabajo, entre toma de fotos y su procesado, que supone cada sesión.
He cedido, a petición del teatro, alguna foto a la institución. Me consta, aunque no he podido verlo, que una de mis fotos decora las nuevas oficinas del teatro. No sé si se habrá respetado mi firma en la misma, aunque es una muestra de respeto hacia mi trabajo que, visto lo visto, no espero.
Durante este tiempo he ido desarrollando un proyecto, fotos panorámicas de cada estreno, que he continuado hasta la llegada de la nueva dirección con idea de hacer una gran exposición en algún momento. Ya en el anterior estreno “Las golondrinas”, las condiciones de trabajo impuestas por el nuevo equipo hizo imposible la continuidad de este proyecto. Podéis ver muestras de este proyecto en las publicaciones en Escena Madrid y ETER.COM.
Las fotos de Iphigenia
Las fotos que hoy podéis ver son diferentes a las que habitualmente os presento. Ello es debido a que están tomadas desde el primer piso.
Cuando abandonaba muy molesto el teatro, Ángel Barreda, un “Ángel” para los fotógrafos de escena, me ha pedido que me quedara. No he podido negarme, siendo él quien me lo pedía, y he aceptado hacer las fotos desde una posición poco adecuada para mi equipo. Lamento que la calidad de las fotos no esté a la altura. Dadas las circunstancias espero que lo comprendáis.
Son muchas. Resuelto a olvidarme de este penoso asunto, no me apetecía utilizar tiempo en hacer una selección.
Sobre la obra
No voy a opinar.
En las fotos:
Orquesta de la Comunidad de Madrid
Francesc Prat
María Bayo
Auxiliadora Toledano
Ruth González
Erika Escribá-Astaburuaga
Lidia Vinyes-Curtis
Mireia Pintó
Ayer fui vejado e insultado, como fotógrafo y como persona, por un miembro de la dirección del Teatro de la Zarzuela y algunos de sus acólitos. Por ello he tomado la decisión de no volver a hacer y publicar fotos de los estrenos de esta institución. Estas son las últimas fotos.
Zarzuela
Mi relación con el teatro de la Zarzuela comienza el 13 de mayo de 2014 con un reportaje sobre la obra “De lo humano...y divino”
En realidad comenzaba unas semanas antes cuando al asistir a un pase gráfico del BNE, Ángel Barreda, un gran profesional, a la sazón Jefe de Prensa del Teatro, me animaba a hacer fotos de zarzuela. A mi respuesta “Soy fotógrafo de danza, no me gusta la zarzuela”, Ángel me contestaba “¿Has visto alguna de nuestras producciones?” “Entonces no puedes saber si te gusta” Poco después me convocaba a la mencionada obra “De lo humano… y divino”, y desde entonces no he faltado a ningún ensayo general con mi cámara.
Durante este tiempo, de estas sesiones he vendido fotos por un importe de 140€. No ha sido, obviamente, una relación interesada. El importe no se acerca al que supone el desgaste de mi equipo, por no hablar de las al menos diez horas de trabajo, entre toma de fotos y su procesado, que supone cada sesión.
He cedido, a petición del teatro, alguna foto a la institución. Me consta, aunque no he podido verlo, que una de mis fotos decora las nuevas oficinas del teatro. No sé si se habrá respetado mi firma en la misma, aunque es una muestra de respeto hacia mi trabajo que, visto lo visto, no espero.
Durante este tiempo he ido desarrollando un proyecto, fotos panorámicas de cada estreno, que he continuado hasta la llegada de la nueva dirección con idea de hacer una gran exposición en algún momento. Ya en el anterior estreno “Las golondrinas”, las condiciones de trabajo impuestas por el nuevo equipo hizo imposible la continuidad de este proyecto. Podéis ver muestras de este proyecto en las publicaciones en Escena Madrid y ETER.COM.
Las fotos de Iphigenia
Las fotos que hoy podéis ver son diferentes a las que habitualmente os presento. Ello es debido a que están tomadas desde el primer piso.
Cuando abandonaba muy molesto el teatro, Ángel Barreda, un “Ángel” para los fotógrafos de escena, me ha pedido que me quedara. No he podido negarme, siendo él quien me lo pedía, y he aceptado hacer las fotos desde una posición poco adecuada para mi equipo. Lamento que la calidad de las fotos no esté a la altura. Dadas las circunstancias espero que lo comprendáis.
Son muchas. Resuelto a olvidarme de este penoso asunto, no me apetecía utilizar tiempo en hacer una selección.
Sobre la obra
No voy a opinar.
En las fotos:
Orquesta de la Comunidad de Madrid
Francesc Prat
María Bayo
Auxiliadora Toledano
Ruth González
Erika Escribá-Astaburuaga
Lidia Vinyes-Curtis
Mireia Pintó
sábado, 8 de octubre de 2016
'Lo que no te digo' de Nur Levi en la Sala Mirador
Reportaje completo en Escena Madrid
Tras una sorprendente afirmación “He decidido no volver a hablar”, Nur Levi nos ofrece un magnífico monólogo durante poco más de una hora.
“Lo que no te digo” en una tragicomedia que trata de la incomunicación, de la pérdida del hábito de escuchar, de la mentira dialéctica. Preferimos decir “tal vez” a “no”, decir “me gustaría asistir” en vez de “no pienso ir” o “pronto” cuando lo que queremos decir es “nunca” –de esto yo, como fotógrafo retratista sé mucho-.
Una gran artista, -autora, cantante, actriz-, un excelente texto, una magnífica dirección… dan forma a una gran obra que yo sin dudar recomiendo y, si me lo permiten, enfáticamente.
SINOPSIS
¿Quieres saber los antecedentes del personaje de Nur Levi en la película ‘Hablar’, de Joaquín Oristrell? ¿Quieres conocer lo que le hace tomar la decisión que toma en la película? El monólogo teatral te lo cuenta…
Nur Levi vuelve esta temporada con ‘Lo que no te digo’, un monólogo tragicómico sobre la perversión y manipulación social del lenguaje.
La pieza, escrita e interpretada por Nur Levi, y dirigida por Cristina Rota, plantea una reflexión sobre cómo el poder y la educación utilizan el lenguaje para crear desencanto, escepticismo y parálisis.
El origen de ‘Lo que no te digo’ está en la película 'Hablar' de Joaquín Oristrell, premio Premio Biznaga de Plata del público joven del 18º Festival de Cine de Málaga 2015. El monólogo teatral desvela al espectador los antecedentes del personaje encarnado por Nur Levi en el filme.
Una joven profesora de la Facultad de Comunicación, María Casas, anuncia un día a sus alumnos por qué ha decidido dejar de impartir clases. Siente que “hemos pervertido el lenguaje”, porque “se aprende el lenguaje para decir otra cosa“, porque “cada uno escucha lo que quiere o lo que puede, y no en ese orden”. Porque en definitiva siente que necesitamos “una cura de palabras”, estar en silencio hasta volver a amarlas, “hasta volver a amar a las personas”.
Así comienza el monólogo Lo que no te digo, escrito e interpretado por Nur Levi y dirigido por Cristina Rota que inaugura la temporada teatral en la Sala Mirador
Sala Mirador
Calle del Dr. Fourquet, 31
Del 7 de octubre al 12 de noviembre (viernes 4 de noviembre no hay función)
Texto e interpretación: Nur Levi
Dirección: Cristina Rota
Canciones El final y No te aguanto
Letra y voz: Nur Levi
Música: Alejandro Pelayo
Canción Después lo hablamos
Letra: Ray Loriga
Música: Alejandro Pelayo
Voz: Nur Levi
Tras una sorprendente afirmación “He decidido no volver a hablar”, Nur Levi nos ofrece un magnífico monólogo durante poco más de una hora.
“Lo que no te digo” en una tragicomedia que trata de la incomunicación, de la pérdida del hábito de escuchar, de la mentira dialéctica. Preferimos decir “tal vez” a “no”, decir “me gustaría asistir” en vez de “no pienso ir” o “pronto” cuando lo que queremos decir es “nunca” –de esto yo, como fotógrafo retratista sé mucho-.
Una gran artista, -autora, cantante, actriz-, un excelente texto, una magnífica dirección… dan forma a una gran obra que yo sin dudar recomiendo y, si me lo permiten, enfáticamente.
SINOPSIS
¿Quieres saber los antecedentes del personaje de Nur Levi en la película ‘Hablar’, de Joaquín Oristrell? ¿Quieres conocer lo que le hace tomar la decisión que toma en la película? El monólogo teatral te lo cuenta…
Nur Levi vuelve esta temporada con ‘Lo que no te digo’, un monólogo tragicómico sobre la perversión y manipulación social del lenguaje.
La pieza, escrita e interpretada por Nur Levi, y dirigida por Cristina Rota, plantea una reflexión sobre cómo el poder y la educación utilizan el lenguaje para crear desencanto, escepticismo y parálisis.
El origen de ‘Lo que no te digo’ está en la película 'Hablar' de Joaquín Oristrell, premio Premio Biznaga de Plata del público joven del 18º Festival de Cine de Málaga 2015. El monólogo teatral desvela al espectador los antecedentes del personaje encarnado por Nur Levi en el filme.
Una joven profesora de la Facultad de Comunicación, María Casas, anuncia un día a sus alumnos por qué ha decidido dejar de impartir clases. Siente que “hemos pervertido el lenguaje”, porque “se aprende el lenguaje para decir otra cosa“, porque “cada uno escucha lo que quiere o lo que puede, y no en ese orden”. Porque en definitiva siente que necesitamos “una cura de palabras”, estar en silencio hasta volver a amarlas, “hasta volver a amar a las personas”.
Así comienza el monólogo Lo que no te digo, escrito e interpretado por Nur Levi y dirigido por Cristina Rota que inaugura la temporada teatral en la Sala Mirador
Sala Mirador
Calle del Dr. Fourquet, 31
Del 7 de octubre al 12 de noviembre (viernes 4 de noviembre no hay función)
Texto e interpretación: Nur Levi
Dirección: Cristina Rota
Canciones El final y No te aguanto
Letra y voz: Nur Levi
Música: Alejandro Pelayo
Canción Después lo hablamos
Letra: Ray Loriga
Música: Alejandro Pelayo
Voz: Nur Levi
miércoles, 5 de octubre de 2016
Teatro de la Zarzuela - Las Golondrinas
Reportaje completo en Escena Madrid
Un angustioso drama de celos en el ambiente de un circo ambulante con un payaso como protagonista.
Música de JOSÉ MARÍA USANDIZAGA
Libreto de Gregorio Martínez Sierra y María de Lejárraga
Un angustioso drama de celos en el ambiente de un circo ambulante con un payaso como protagonista.
Música de JOSÉ MARÍA USANDIZAGA
Libreto de Gregorio Martínez Sierra y María de Lejárraga
lunes, 5 de septiembre de 2016
Idiota
Reportaje completo en www.escenamadrid.com
Idiota propone un juego perverso que logra trasladar al espectador de la comedia al thriller psicológico más inquietante sin apenas pestañear.
Un hombre se presenta a unas pruebas psicológicas remuneradas. Lo que aparenta ser una manera sencilla de conseguir el dinero que necesita para resolver sus problemas económicos, se convertirá en una auténtica pesadilla de la mano de una atractiva psicóloga, quien, a través de preguntas y enigmas, le obligarán a dar lo mejor de sí si quiere evitar un fatal final.
Una estética cinematográfica, muy cercana a la novela gráfica, servirá para poner en pie esta singular propuesta escénica, tan hilarante como inquietante y llena de intriga. Un montaje sobre la capacidad de sufrimiento del ser humano, que el propio director introduce como: “dos actores, un texto. La luz se enciende. La vida fluye. Riamos a carcajadas, sorprendámonos, angustiémonos, reflexionemos juntos. Eso es Idiota“.
El Pavón Teatro Kamikaze
Calle de Embajadores 9
FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA
Autor Jordi Casanovas
Dirección Israel Elejalde
Intérpretes Gonzalo de Castro y Elisabet Gelabert
Escenografía Eduardo Moreno
Iluminación Juanjo Llorens
Sonido Sandra Vicente (Studio 340)
Vestuario Ana López
Vídeo Joan Rodón
Música original Arnau Vilà
Ilustraciones Lisa Cuomo
Ayudante de dirección Pablo Ramos
Dirección de producción Aitor Tejada y Jordi Buxó
Una producción de Gonzalo de Castro, Israel Elejalde, Kamikaze Producciones y Buxman Producciones.
Idiota propone un juego perverso que logra trasladar al espectador de la comedia al thriller psicológico más inquietante sin apenas pestañear.
Un hombre se presenta a unas pruebas psicológicas remuneradas. Lo que aparenta ser una manera sencilla de conseguir el dinero que necesita para resolver sus problemas económicos, se convertirá en una auténtica pesadilla de la mano de una atractiva psicóloga, quien, a través de preguntas y enigmas, le obligarán a dar lo mejor de sí si quiere evitar un fatal final.
Una estética cinematográfica, muy cercana a la novela gráfica, servirá para poner en pie esta singular propuesta escénica, tan hilarante como inquietante y llena de intriga. Un montaje sobre la capacidad de sufrimiento del ser humano, que el propio director introduce como: “dos actores, un texto. La luz se enciende. La vida fluye. Riamos a carcajadas, sorprendámonos, angustiémonos, reflexionemos juntos. Eso es Idiota“.
El Pavón Teatro Kamikaze
Calle de Embajadores 9
FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA
Autor Jordi Casanovas
Dirección Israel Elejalde
Intérpretes Gonzalo de Castro y Elisabet Gelabert
Escenografía Eduardo Moreno
Iluminación Juanjo Llorens
Sonido Sandra Vicente (Studio 340)
Vestuario Ana López
Vídeo Joan Rodón
Música original Arnau Vilà
Ilustraciones Lisa Cuomo
Ayudante de dirección Pablo Ramos
Dirección de producción Aitor Tejada y Jordi Buxó
Una producción de Gonzalo de Castro, Israel Elejalde, Kamikaze Producciones y Buxman Producciones.
martes, 19 de julio de 2016
Los desvaríos del veraneo de Venezia Teatro en el Teatro Infanta Isabel
Reportaje completo en www.escenamadrid.com
Los desvaríos del veraneo es la divertida historia de dos familias que luchan por ser las mejores en sus vacaciones de verano.
La historia se centra en Livorno, donde Leonardo y su hermana preparan sus vacaciones: Maletas, baúles, vestidores… Todo debe de estar listo cuanto antes para partir y disfrutar del verano.Paralelamente el señor Filippo y su hija Jacinta (enamorada de Leonardo) hacen lo mismo. Y deciden compartir todos juntos los caballos y carruajes. Pero una pelea entre los novios, un gorrón cotilla y entrometido que quiere apuntarse al viaje con gastos pagados y el retraso de la confección de un vestido a la moda que hará las envidias de todos en el veraneo, serán los ingredientes que pondrán en peligro la salida.
¿Podrán arreglar sus problemas antes de partir?
¿Ferdinando, el gorrón, conseguirá apuntarse a una de las carrozas antes de que le abandonen en Livorno?
¿Se terminará de confeccionar ese mariage, el vestido a la última hora?
Mil enredos, mil incógnitas y sobre todo mil caracajadas se desvelarán en estos DESVARÍOS DEL VERANEO.
Teatro Infanta Isabel
Calle Barquillo, 24
Elenco
Alejandro Albarracín, Esther Isla, Borja Luna, , Macarena Sanz, Juanma Navas, Helena Lanza, Kevin de la Rosa, Andrés Requejo y Vicente León
Director
José Gómez Friha.
Los desvaríos del veraneo es la divertida historia de dos familias que luchan por ser las mejores en sus vacaciones de verano.
La historia se centra en Livorno, donde Leonardo y su hermana preparan sus vacaciones: Maletas, baúles, vestidores… Todo debe de estar listo cuanto antes para partir y disfrutar del verano.Paralelamente el señor Filippo y su hija Jacinta (enamorada de Leonardo) hacen lo mismo. Y deciden compartir todos juntos los caballos y carruajes. Pero una pelea entre los novios, un gorrón cotilla y entrometido que quiere apuntarse al viaje con gastos pagados y el retraso de la confección de un vestido a la moda que hará las envidias de todos en el veraneo, serán los ingredientes que pondrán en peligro la salida.
¿Podrán arreglar sus problemas antes de partir?
¿Ferdinando, el gorrón, conseguirá apuntarse a una de las carrozas antes de que le abandonen en Livorno?
¿Se terminará de confeccionar ese mariage, el vestido a la última hora?
Mil enredos, mil incógnitas y sobre todo mil caracajadas se desvelarán en estos DESVARÍOS DEL VERANEO.
Teatro Infanta Isabel
Calle Barquillo, 24
Elenco
Alejandro Albarracín, Esther Isla, Borja Luna, , Macarena Sanz, Juanma Navas, Helena Lanza, Kevin de la Rosa, Andrés Requejo y Vicente León
Director
José Gómez Friha.
miércoles, 22 de junio de 2016
Compañía Nacional de Teatro Clásico. Retratos de una presentación.
Reportaje completo en www.escenamadrid.com
Ayer se presentó en el Teatro de la Comedia la temporada 16/17 de la Compañía Nacional de Teatro Clásico.
No consigue Helena Pimenta hacer llevaderas sus presentaciones. La de este año ha vuelto a ser larga, densa, pesada y demasiado autocomplaciente.
Yo estoy decidiendo si dejo la fotografía de escena, de hecho ya trabajo en una redacción explicando mis motivos, así que lo que aquí presento son retratos, que es una de las opciones que barajo para mi futuro como fotógrafo. Espero que no molesten.
Ayer se presentó en el Teatro de la Comedia la temporada 16/17 de la Compañía Nacional de Teatro Clásico.
No consigue Helena Pimenta hacer llevaderas sus presentaciones. La de este año ha vuelto a ser larga, densa, pesada y demasiado autocomplaciente.
Yo estoy decidiendo si dejo la fotografía de escena, de hecho ya trabajo en una redacción explicando mis motivos, así que lo que aquí presento son retratos, que es una de las opciones que barajo para mi futuro como fotógrafo. Espero que no molesten.
miércoles, 4 de mayo de 2016
Palabras malditas de Eduardo Alonso en el Teatro Español
Reportaje completo en www.escenamadrid.com
Palabras malditas es un espectáculo teatral sobre la amistad o, quizás, sobre el amor más allá de las circunstancias, de las personales y de las coyunturales, más allá de la propia naturaleza o del momento histórico que toque vivir.
En la oscura España de la posguerra, dos seres marginados se esfuerzan por encontrar la felicidad. Un expulsado y perseguido profesor experto en poesía francesa y una prostituta coinciden en una sórdida pensión de La Coruña, en los años cuarenta, en plena época de represión y asesinatos. A pesar de las aparentes diferencias que los separan, se aferran el uno al otro como a la única tabla de salvación en el inmenso océano de la soledad. Y entre los dos formarán un tándem pletórico de inspiración y creatividad, generando las voces poéticas más excelsas de las siguientes dos décadas.
Ficha artística
Dirección
Eduardo Alonso
Reparto
Clara/ Periodista: Sara Casasnovas
Vicente: Miquel Insua
Ermitas/Clara Mayor: Luma Gómez
Camarera: Imma António
Voz En Off Locutor De Radio: Lino Braxe
Diseño De Escenografía Paco Conesa
Diseño De Vestuario Paco Conesa
Composición Musical Fernando Alonso
Diseño De Iluminación Eduardo Alonso
Palabras malditas es un espectáculo teatral sobre la amistad o, quizás, sobre el amor más allá de las circunstancias, de las personales y de las coyunturales, más allá de la propia naturaleza o del momento histórico que toque vivir.
En la oscura España de la posguerra, dos seres marginados se esfuerzan por encontrar la felicidad. Un expulsado y perseguido profesor experto en poesía francesa y una prostituta coinciden en una sórdida pensión de La Coruña, en los años cuarenta, en plena época de represión y asesinatos. A pesar de las aparentes diferencias que los separan, se aferran el uno al otro como a la única tabla de salvación en el inmenso océano de la soledad. Y entre los dos formarán un tándem pletórico de inspiración y creatividad, generando las voces poéticas más excelsas de las siguientes dos décadas.
Ficha artística
Dirección
Eduardo Alonso
Reparto
Clara/ Periodista: Sara Casasnovas
Vicente: Miquel Insua
Ermitas/Clara Mayor: Luma Gómez
Camarera: Imma António
Voz En Off Locutor De Radio: Lino Braxe
Diseño De Escenografía Paco Conesa
Diseño De Vestuario Paco Conesa
Composición Musical Fernando Alonso
Diseño De Iluminación Eduardo Alonso
lunes, 11 de abril de 2016
María Moliner en La Zarzuela
Reportaje completo en www.escenamadrid.com
La obra se centra en la segunda mitad de la vida de la lexicógrafa María Moliner cuando, haciendo de la necesidad virtud, y utilizando el encierro cultural al que se vio abocada tras la victoria franquista en la Guerra Civil, decide realizar su idea asombrosa: la hazaña de hacer ella sola, en su casa, un diccionario cuya enjundia puso en evidencia al diccionario de los académicos…
La creación de esta ópera parte de la idea de Paco Azorín de reivindicar la figura de la gran lexicógrafa. Con libreto (2012) de Lucía Vilanova y música (2016) de Antoni Parera Fons, la dirección de escena del propio Azorín está concebida como una ópera documental contemporánea «pensada, escrita y compuesta para el público de hoy». Una síntesis del drama musical que utiliza una fórmula moderna plagada de contrastes y emociones. En ella todo es escena, es teatro y por tanto, está llena de pulso. Según su compositor, Antoni Parera Fons «la compuse sin miedo a rozar el peligro. Fue un salto sin red».
La obra se centra en la segunda mitad de la vida de la lexicógrafa María Moliner cuando, haciendo de la necesidad virtud, y utilizando el encierro cultural al que se vio abocada tras la victoria franquista en la Guerra Civil, decide realizar su idea asombrosa: la hazaña de hacer ella sola, en su casa, un diccionario cuya enjundia puso en evidencia al diccionario de los académicos…
La creación de esta ópera parte de la idea de Paco Azorín de reivindicar la figura de la gran lexicógrafa. Con libreto (2012) de Lucía Vilanova y música (2016) de Antoni Parera Fons, la dirección de escena del propio Azorín está concebida como una ópera documental contemporánea «pensada, escrita y compuesta para el público de hoy». Una síntesis del drama musical que utiliza una fórmula moderna plagada de contrastes y emociones. En ella todo es escena, es teatro y por tanto, está llena de pulso. Según su compositor, Antoni Parera Fons «la compuse sin miedo a rozar el peligro. Fue un salto sin red».
jueves, 10 de marzo de 2016
¡Corre!' en la Sala Mirador. Nada engancha más que las malas personas.
Reportaje completo en http://www.escenamadrid.com
Yolanda García Serrano escribe y dirige "¡Corre!". Un drama entre lo carcelario y lo fraternal que interpretan Antonio Zabálburu y Nur Levi.
"No es ¡CORRE! solamente un drama carcelario donde dos hermanos se someten a un ajuste de cuentas. Va más allá, y ahí radica su excepcionalidad: Va al corazón de la culpa, al miedo a reconocerse en el otro, a la infinita soledad de los personajes que solo pueden sobrevivir huyendo de su pasado", señala Joaquín Oristrell.
Hay hermanos que duelen, y ese es el caso de Kico, quien reaparece para perturbar la vida de Emma, su única hermana. Kico aprendió a correr antes que a andar. Emma, en cambio, siempre fue una niña buena que aprendió a guardarse de los golpes que se rifaban en la familia.
¡CORRE! transcurre a lo largo de un año, desde el invierno en que Emma visita a su hermano en la cárcel hasta la primavera cuando las ganas de correr de Kico determinan el futuro de ambos. "Nada engancha más que las malas personas" es la frase que sobrevuela la relación de estos dos hermanos.
Ficha artística:
Dramaturgia y dirección: Yolanda García Serrano
Intérpretes: Antonio Zabálburu y Nur Levi
Yolanda García Serrano escribe y dirige "¡Corre!". Un drama entre lo carcelario y lo fraternal que interpretan Antonio Zabálburu y Nur Levi.
"No es ¡CORRE! solamente un drama carcelario donde dos hermanos se someten a un ajuste de cuentas. Va más allá, y ahí radica su excepcionalidad: Va al corazón de la culpa, al miedo a reconocerse en el otro, a la infinita soledad de los personajes que solo pueden sobrevivir huyendo de su pasado", señala Joaquín Oristrell.
Hay hermanos que duelen, y ese es el caso de Kico, quien reaparece para perturbar la vida de Emma, su única hermana. Kico aprendió a correr antes que a andar. Emma, en cambio, siempre fue una niña buena que aprendió a guardarse de los golpes que se rifaban en la familia.
¡CORRE! transcurre a lo largo de un año, desde el invierno en que Emma visita a su hermano en la cárcel hasta la primavera cuando las ganas de correr de Kico determinan el futuro de ambos. "Nada engancha más que las malas personas" es la frase que sobrevuela la relación de estos dos hermanos.
Ficha artística:
Dramaturgia y dirección: Yolanda García Serrano
Intérpretes: Antonio Zabálburu y Nur Levi
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