Reportaje completo en http://www.eter.com/actualidad/noticia.php?id=18569
La alcaldesa, Mamen Sánchez, presentó ayer, en el Corral de la Morería
de Madrid, la XXII edición del Festival de Jerez, que se celebrará del
23 de febrero al 10 de marzo, destacando que se trata de un “evento
cultural que consolida a nuestra ciudad como un referente del flamenco a
nivel internacional. Un lugar de encuentro y convivencia de las mejores
tendencias artísticas del flamenco, un lugar para ver a los mejores y
aprender de los mejores”.
En este sentido, la alcaldesa destacó que se trata de “un festival
que nos identifica, tanto dentro, como fuera de nuestras fronteras”,
recordando que recientemente ha sido seleccionado por un portal
vacacional como Tripadvisor como una de las mejores fiestas y festivales
que se celebran en nuestro país en invierno.
Al acto también han asistido la delegada de la Junta de Andalucía en
Madrid, Carmen Mora; la directora de Relaciones Institucionales de la
Marca España, María Sebastián de Erice García de la Peña, los tenientes
de alcaldesa Francisco Camas y Laura Álvarez así como la directora del
Teatro Villamarta, Isamay Benavente.
Igualmente han asistido numerosos artistas como Angelita Gómez, el
director del Ballet Nacional de España, que presentará su espectáculo
'Eritaña-Soleá del Mantón-Zapateando & Alento' el día 23, Antonio
Najarro, así como Jesús Fernández, Belén Fernández, Rafaela Carrasco,
Eduardo Guerrero, Florencio Campos, Sara Calero y Elena Santonja, Gema
Caballero, Mónica Morra, Daniel Doña, Alejandro Molinero y Fabián Daniel
Sánchez, en representación de Vicente Soto 'Sordera' o Isabel Bayón.
Así como numerosos representantes de la prensa especializada.
El director del Corral de la Morería, Juan Manuel del Rey Ávila, ha sido
el maestro de ceremonias en la presentación de esta nueva edición del
Festival de Jerez. La alcaldesa le ha agradecido su acogida y “su
hospitalidad ya que aquí nos sentimos como en casa” y ha incidido en que
“no hay mejor lugar que presentar este Festival en Madrid en este
Corral que es una parte de Jerez”. Igualmente ha agradecido la presencia
de autoridades y artistas.
Respecto al Festival de Jerez, la alcaldesa ha destacado que se ha
convertido en uno de los referentes del ámbito flamenco hasta el punto
de inspirar proyectos artísticos de otras ciudades y de convertirse en
catalizador de propuestas en colaboración con otros festivales.
“Jerez es flamenco y el flamenco es Jerez. No es una afirmación banal,
Jerez es una de las principales cunas del arte jondo. Nuestras calles,
nuestras plazas, nuestros barrios rezuman arte y sensibilidad. Las
personas que visitan nuestra ciudad buscan, entre los muchos atractivos
turísticos que atesoramos, el flamenco, sus raíces, pero también su
presente. Y que mayor presente que este Festival de Jerez que atrae la
atención de miles de personas a nivel internacional, con cursos que se
llenan cada año, con actividades paralelas que llaman la atención de los
aficionados. Podemos decir sin caer en falsos triunfalismos que nuestro
Festival atrae cada vez más a personas de ámbitos tan lejanos como
China y Brasil que buscan en nuestra ciudad las raíces del arte
flamenco. Y no les defraudamos”.
La regidora ha añadido que durante “los 15 días que dura el Festival
el cielo baja a la tierra y se instala en el Festival. Es un Festival
global en el que Jerez consigue maridar la cultura, el patrimonio y los
vinos de nuestra tierra”.
En este punto, Sánchez ha recordado que el prestigioso portal
vacacional Tripadvisor ha seleccionado al Festival como una de las
mejores fiestas y celebraciones que tienen lugar en invierno en nuestro
país. “En esta nueva edición, seguimos mostrando una amplia y
cualificada muestra de la manifestación artística más genuina y
significativa de esta ciudad -el flamenco- convirtiendo al baile en su
principal protagonista”.
La alcaldesa también ha recordado que tras “unos momentos muy
difíciles cuando parecía que el Teatro Villamarta pudiera desaparecer
nos podemos sentir satisfechos porque hemos conseguido darle la vuelta a
la situación. La cultura no se puede medir en beneficios, la cultura es
libertad de expresión. Con la nueva Fundación, Fundarte, tenemos la
oportunidad de construir una auténtica industria cultural”.
Hay que recordar que el Festival se iniciará con la actuación del
Ballet Nacional de España y contará además con el Ballet Flamenco de
Andalucía. Se ofrecerán varios estrenos absolutos y se abrirá la puerta a
la interpretación flamenca en el mundo tanto en el Teatro como en la
Sala Compañía. A esta presencia internacional se suma la Gala de los
Ganadores del Concurso Internacional de Flamenco de Turín que tendrá
lugar en la Sala Compañía.
El Festival reconoce además a la generación artística actual y una
apuesta clara por los jóvenes. El ciclo 'Mujeres de la Frontera' agrupa
una serie de conciertos cuya temática será la mujer o las intérpretes
femeninas. La guitarra está representada en el ciclo 'Toca Toque' con el
homenaje a Diego de Morón y Pepe Habichuela. A todo ello, se suma el
ciclo 'De Peña en peña, un área formativa con más de 40 cursos y
talleres y numerosas actividades complementarias.
La alcaldesa ha incidido en que el certamen no sería posible sin las
dos administraciones que lo patrocinan, Junta de Andalucía y Ministerio
de Cultura, así como el patrocinio privado de la Fundación Cajasol y
González Byass y el apoyo de CajaSur y Consejo Regulador del Vino.
“Tampoco me olvido de la colaboración tan necesaria e imprescindible de
Diario de Jerez desde los inicios. Colaboración que hemos encontramos
también en Canal Sur Radio, Radio Jerez, y la web Global Flamenco.com.”
“Sin más sólo me queda invitaros a participar en este Festival, a
visitar nuestra ciudad en una época del año en la que se vive el arte de
nuestra tierra en sus calles y plazas. Pero invitaros no sólo a que
vengáis estos días, sino a que conozcáis nuestra ciudad, Jerez, en
cualquier momento del año porque en cualquier momento del año ofrece
sensaciones nuevas y atractivos turísticos con un cartel de eventos
diseñado para disfrutarla plenamente los 365 días del año”.
El acto ha terminado con la intervención de la directora del Teatro
Villamarta, Isamay Benavente, que ha resaltado la fortaleza del Festival
y con la actuación del bailaor gaditano, Jesús Fernández.
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miércoles, 31 de enero de 2018
martes, 23 de enero de 2018
Una visita a Big Mama Swing
Reportaje completo en http://www.eter.com/actualidad/noticia.php?id=18557
El pasado viernes estuve haciendo fotos para un reportaje en EDANZA en Big Mama Swing. Un agradable local con sabor vintage en el que disfrutar bailando swing
Big Mama Swing es una escuela de bailes vintage, dedicada a los diferentes bailes de Swing. Su foco es la cultura swing y jazz, centrada en los años 20-50 mayoritariamente, y las clases de la academia están centradas en bailes de los años 20-50 de los EEUU: Lindy hop, Balboa, Charlestón, Blues, Jazz Steps y Mambo.
Por la noche, la academia se convierte en una de las mejores salas de baile especializada en Swing. En ella se celebran fiestas en las que se puede bailar con orquesta y disfrutar de actuaciones de los mejore especialistas.
SWING
El Swing es un estilo de música, el jazz de los años 30. Esta música trajo consigo un gran movimiento de baile social y luego grupos profesionales para shows y películas. En Big Mama se bailan los bailes originales que nacieron en la época dorada del swing en Estados Unidos: lindy hop, balboa, jazz steps y blues.
El swing es hoy un gran movimiento cultural en todo el mundo, se baila desde Melbourne (Australia) hasta Buenos Aires (Argentina), pasando por Hong Kong, Hawai y por supuesto Madrid .
Big Mama Swing es un proyecto de Alba y Gas, pero en el equipo hay otras 7 parejas de profesores, formados por ellos, que traen todas sus ganas y experiencia al gran equipo Big Mama. Es un equipo sólido, que entrena junto, con sesiones de show, técnica de baile y también sesiones didácticas para seguir mejorando la forma de transferir los conocimientos.
Big Mama Swing
Calle de Sebastián Elcano, 12, 28012 Madrid
Teléfono: 917 64 80 18
El pasado viernes estuve haciendo fotos para un reportaje en EDANZA en Big Mama Swing. Un agradable local con sabor vintage en el que disfrutar bailando swing
Big Mama Swing es una escuela de bailes vintage, dedicada a los diferentes bailes de Swing. Su foco es la cultura swing y jazz, centrada en los años 20-50 mayoritariamente, y las clases de la academia están centradas en bailes de los años 20-50 de los EEUU: Lindy hop, Balboa, Charlestón, Blues, Jazz Steps y Mambo.
Por la noche, la academia se convierte en una de las mejores salas de baile especializada en Swing. En ella se celebran fiestas en las que se puede bailar con orquesta y disfrutar de actuaciones de los mejore especialistas.
SWING
El Swing es un estilo de música, el jazz de los años 30. Esta música trajo consigo un gran movimiento de baile social y luego grupos profesionales para shows y películas. En Big Mama se bailan los bailes originales que nacieron en la época dorada del swing en Estados Unidos: lindy hop, balboa, jazz steps y blues.
El swing es hoy un gran movimiento cultural en todo el mundo, se baila desde Melbourne (Australia) hasta Buenos Aires (Argentina), pasando por Hong Kong, Hawai y por supuesto Madrid .
Big Mama Swing es un proyecto de Alba y Gas, pero en el equipo hay otras 7 parejas de profesores, formados por ellos, que traen todas sus ganas y experiencia al gran equipo Big Mama. Es un equipo sólido, que entrena junto, con sesiones de show, técnica de baile y también sesiones didácticas para seguir mejorando la forma de transferir los conocimientos.
Big Mama Swing
Calle de Sebastián Elcano, 12, 28012 Madrid
Teléfono: 917 64 80 18
sábado, 13 de enero de 2018
Chevi Muraday, continua con la celebración del 20º aniversario de Losdedae con su espectáculo “BLACK APPLE y los párpados sellados”
Reportaje completo en http://www.eter.com/actualidad/noticia.php?id=18543
Losdedae, compañía de danza contemporánea residente en Alcalá de Henares, creada en 1997 por Chevi Muraday, es una de las compañías de mayor relevancia dentro del panorama nacional.
Cumplir 20 años de compañía nos ha reafirmado la posibilidad de crear un espacio para el desarrollo artístico en la sociedad. Una personalidad que se refleja en los trabajos que mantienen un compromiso con la realidad en cada producción, tocando siempre de forma poética y con absoluto respeto, los temas más controvertidos de la actualidad.
En esta ocasión, nuestra realidad son 20 años de danza y como agradecimiento quienes nos han acompañado en el camino, queremos celebrar juntos en el escenario la trayectoria de Losdedae.
BLACK APPLE Y LOS PÁRPADOS SELLADOS
“Y no fue, como se podría esperar, el de los dos amantes que la pasión arrojase uno hacia el otro por encima del sufrimiento. Se trataba del viejo Castel y de su mujer, casados hacía muchos años. La señora Castel, unos días antes de la epidemia, había ido a una ciudad próxima”.
“La peste”. Albert Camus. (Capítulo II. Página 82.)
Losdedae, compañía de danza contemporánea residente en Alcalá de Henares, creada en 1997 por Chevi Muraday, es una de las compañías de mayor relevancia dentro del panorama nacional.
Cumplir 20 años de compañía nos ha reafirmado la posibilidad de crear un espacio para el desarrollo artístico en la sociedad. Una personalidad que se refleja en los trabajos que mantienen un compromiso con la realidad en cada producción, tocando siempre de forma poética y con absoluto respeto, los temas más controvertidos de la actualidad.
En esta ocasión, nuestra realidad son 20 años de danza y como agradecimiento quienes nos han acompañado en el camino, queremos celebrar juntos en el escenario la trayectoria de Losdedae.
BLACK APPLE Y LOS PÁRPADOS SELLADOS
“Y no fue, como se podría esperar, el de los dos amantes que la pasión arrojase uno hacia el otro por encima del sufrimiento. Se trataba del viejo Castel y de su mujer, casados hacía muchos años. La señora Castel, unos días antes de la epidemia, había ido a una ciudad próxima”.
“La peste”. Albert Camus. (Capítulo II. Página 82.)
martes, 11 de abril de 2017
Inauguración de la exposición de fotos de danza “Miradas”
Reportaje completo en www.eter.com
Muy agradecido a todos los que ayer encontrasteis un momento para acercaros a la exposición colectiva de fotos de danza y videodanza, “Miradas”, en C.C. La Vaguada.
Fue muy agradable ver como la sala se llenaba de amigos, compañeros, fotógrafos, gestores culturales y algunos bailarines. Y estresante, porque no daba abasto saludando y afotando (espero que los que no salen en las fotos me perdonen, fue bastante intenso todo). :-)
Gracias a mi familia que estuvo allí dándome su apoyo.
Gracias a Lara Padilla, Fernando Marcos, Juan Carlos Arévalo y Mosquera de la Vega, fotógrafos que con su excelente trabajo me acompañan en esta ocasión.
Gracias a Cibacenter, mi laboratorio, por su excelente trabajo, muy alabado por los asistentes, y por venir a apoyarme con su amistad.
Gracias a la Asociación Primario que, en un tiempo record, ha incluido la exposición en los actos que por el día de la Danza organiza el Distrito Fuencarral-El Pardo de Madrid.
Gracias al Centro Cultural La Vaguada por acoger la exposición, por las facilidades dadas y por el trato exquisito de su personal.
Y, por supuesto, gracias a Javier Mosquera de la Vega, verdadero artífice de este evento, sin cuyo esfuerzo, ánimo y saber, esta exposición sería una de tantas ideas pendientes que pueblan mi cabeza. Un gran amigo, un excelente gestor cultural y programador, y una persona fundamental para el mundo de la danza.
Futuro
Tras muchos años negándome a exponer he dado el paso y creo que me gusta. Esta exposición va a tener un recorrido, ya hay cerradas dos nuevas fechas y hay algunas en negociación.
Cuando el recorrido de “Miradas” termine, prepararé una exposición de fotos de teatro, una actividad en la que apenas llevo un par de años, y es un mundo en el que se me ha acogido con mucho cariño y respeto.
Os dejo algunas fotos tomadas por mí con mi cámara y, en algunos casos, contando con trípodes de lujo como Virginia Guiñales y José Saw. Muchas gracias trípodes. ;-)
- Del 10 al 29 de Abril de Lunes a Viernes.
Sala de exposiciones del Centro Cultural "La Vaguada". Avenida Monforte de Lemos n° 36/38.
Muy agradecido a todos los que ayer encontrasteis un momento para acercaros a la exposición colectiva de fotos de danza y videodanza, “Miradas”, en C.C. La Vaguada.
Fue muy agradable ver como la sala se llenaba de amigos, compañeros, fotógrafos, gestores culturales y algunos bailarines. Y estresante, porque no daba abasto saludando y afotando (espero que los que no salen en las fotos me perdonen, fue bastante intenso todo). :-)
Gracias a mi familia que estuvo allí dándome su apoyo.
Gracias a Lara Padilla, Fernando Marcos, Juan Carlos Arévalo y Mosquera de la Vega, fotógrafos que con su excelente trabajo me acompañan en esta ocasión.
Gracias a Cibacenter, mi laboratorio, por su excelente trabajo, muy alabado por los asistentes, y por venir a apoyarme con su amistad.
Gracias a la Asociación Primario que, en un tiempo record, ha incluido la exposición en los actos que por el día de la Danza organiza el Distrito Fuencarral-El Pardo de Madrid.
Gracias al Centro Cultural La Vaguada por acoger la exposición, por las facilidades dadas y por el trato exquisito de su personal.
Y, por supuesto, gracias a Javier Mosquera de la Vega, verdadero artífice de este evento, sin cuyo esfuerzo, ánimo y saber, esta exposición sería una de tantas ideas pendientes que pueblan mi cabeza. Un gran amigo, un excelente gestor cultural y programador, y una persona fundamental para el mundo de la danza.
Futuro
Tras muchos años negándome a exponer he dado el paso y creo que me gusta. Esta exposición va a tener un recorrido, ya hay cerradas dos nuevas fechas y hay algunas en negociación.
Cuando el recorrido de “Miradas” termine, prepararé una exposición de fotos de teatro, una actividad en la que apenas llevo un par de años, y es un mundo en el que se me ha acogido con mucho cariño y respeto.
Os dejo algunas fotos tomadas por mí con mi cámara y, en algunos casos, contando con trípodes de lujo como Virginia Guiñales y José Saw. Muchas gracias trípodes. ;-)
- Del 10 al 29 de Abril de Lunes a Viernes.
Sala de exposiciones del Centro Cultural "La Vaguada". Avenida Monforte de Lemos n° 36/38.
sábado, 1 de abril de 2017
Reportaje completo en www.eter.com
He asistido a la Gala del RCPD “Mariemma” en la RESAD. Como siempre he salido encantado con la profesionalidad de los alumnos de esta institución, que año tras año demuestran la excelente calidad de la enseñanza que reciben.
Ha sido una ocasión muy especial, ya que el Conservatorio conmemoraba el Centenario del nacimiento de Mariemma.
Juan Carlos Santamaría, recientemente fallecido, ha estado también en el recuerdo del Conservatorio, en donde ha sido parte fundamental en sus talleres coreográficos desde sus inicios.
PROGRAMA
"Mosaico Barroco"
Música: Johann Sebastian Bach/ José de Nebra
Coreografía: Antonio Pérez
Vestuario: Carmen Granell
Diseño de iluminación: Olga García (A.I.I.)
"KORPO”
Coreógrafo: JOSE RECHES
Música: JOHN ADAMS, PANSONIC, HAUSCHKA
Vestuario: LA PIEL
Escenografía: JOSE RECHES
Diseño de iluminación: OLGA GARCIA (A.I.I)
"Suite Shostakovich"
Música: Dmitri Shostakovich
Coreografía: Ricardo Franco
Vestuario: Iñaki Cobos
Diseño de iluminación: Olga García (A.I.I)
“Fénix”
Música: Kodo, Waidako Matsuriza, Giacomo Puccini.
Coreografía: Pedro Berdäyes
Vestuario y Escenografía: Pe & Be
Diseño de iluminación: Olga García (A.I.I.)
"Urizen"
Música: Arvo Pärt. (Fratres, version para Violin, Cuerdas y Percusión).
Coreografía: Javier Monzón
Diseño de vestuario: Carmen Granell, Jose Antonio Arroyo
Diseño de iluminación: Olga Garcia (A.I.I.)
"Será posible...?"
Música: Diego Carrasco/ Antonio Rey/ Santiago Lara
Coreografía: Beatriz Martín / Currillo
Arreglos musicales: Antonio Sauco
Colaboración especial : Naty
Vestuario: Jose Antonio Arroyo
Diseño de iluminación: Olga Garcia (A.I.I.)
He asistido a la Gala del RCPD “Mariemma” en la RESAD. Como siempre he salido encantado con la profesionalidad de los alumnos de esta institución, que año tras año demuestran la excelente calidad de la enseñanza que reciben.
Ha sido una ocasión muy especial, ya que el Conservatorio conmemoraba el Centenario del nacimiento de Mariemma.
Juan Carlos Santamaría, recientemente fallecido, ha estado también en el recuerdo del Conservatorio, en donde ha sido parte fundamental en sus talleres coreográficos desde sus inicios.
PROGRAMA
"Mosaico Barroco"
Música: Johann Sebastian Bach/ José de Nebra
Coreografía: Antonio Pérez
Vestuario: Carmen Granell
Diseño de iluminación: Olga García (A.I.I.)
"KORPO”
Coreógrafo: JOSE RECHES
Música: JOHN ADAMS, PANSONIC, HAUSCHKA
Vestuario: LA PIEL
Escenografía: JOSE RECHES
Diseño de iluminación: OLGA GARCIA (A.I.I)
"Suite Shostakovich"
Música: Dmitri Shostakovich
Coreografía: Ricardo Franco
Vestuario: Iñaki Cobos
Diseño de iluminación: Olga García (A.I.I)
“Fénix”
Música: Kodo, Waidako Matsuriza, Giacomo Puccini.
Coreografía: Pedro Berdäyes
Vestuario y Escenografía: Pe & Be
Diseño de iluminación: Olga García (A.I.I.)
"Urizen"
Música: Arvo Pärt. (Fratres, version para Violin, Cuerdas y Percusión).
Coreografía: Javier Monzón
Diseño de vestuario: Carmen Granell, Jose Antonio Arroyo
Diseño de iluminación: Olga Garcia (A.I.I.)
"Será posible...?"
Música: Diego Carrasco/ Antonio Rey/ Santiago Lara
Coreografía: Beatriz Martín / Currillo
Arreglos musicales: Antonio Sauco
Colaboración especial : Naty
Vestuario: Jose Antonio Arroyo
Diseño de iluminación: Olga Garcia (A.I.I.)
jueves, 23 de marzo de 2017
80 ARTISTAS PARTICIPAN EN EL VIII FESTIVAL FLAMENCO CORRAL DE LA MORERÍA
Reportaje completo en www.eter.com
Corral de la Morería da el pistoletazo de salida a la temporada flamenca madrileña con la celebración de la octava edición de su Festival Flamenco que en esta ocasión se celebrará del 1 al 30 de abril. Un total de 80 estrellas del flamenco participan en la cita, que ha programado una oferta rica y diversa para dar cuenta del gran momento artístico que vive el este arte.
Durante los 30 días de programación, el público podrá disfrutar de 15 espectáculos diferentes en 60 funciones, a razón de dos funciones diarias a las 20:30 y a las 22:20 horas.
Es la ocasión ideal para apreciar a las figuras que vienen de triunfar en los teatros nacionales e internacionales, en un contexto íntimo, despojado de artificios, donde el flamenco es el absoluto protagonista. Es el caso, por ejemplo, de Eduardo Guerrero, quien acaba de conseguir el Premio al Mejor Intérprete concedido por el público del Festival de Jerez.
También es la oportunidad de apreciar momentos artísticos únicos como tener en un mismo escenario a Olga Pericet y Marco Flores o la intervención de toda una institución del baile como Antonio Canales actuando junto a Ángel Rojas y La Lupi.
Más allá, el Festival Flamenco Corral de la Morería ofrece una panorámica amplia del baile de hoy con el poderío de Juan Andrés Maya, la garra de Alba Heredia, el compás de Alfonso Losa, el vuelo de María Moreno, la plasticidad de Olga Llorente, el carisma de El Junco o el despliegue coreográfico de Manuel Liñán. Anabel Moreno, Esther Esteban, Leilah Broukhim, Alejandro Rodríguez, Ángel Reyes, Hugo López, Iván Vargas, Jesús Fernández, Rapico, José Jurado, José Manuel Álvarez, Juan Ogalla, Kelian Jiménez, Pedro Córdoba, Pol Vaquero, Águeda Saavedra, Alejandra Gudí, Cristina Aguilera, Inmaculada Aranda, La Piñona, Lucía Campillo, Macarena Ramírez, Mónica Fernández, Pilar Ogalla, Raquela Ortega, Susana Casas y Vanesa Coloma completan el apartado dancístico de la muestra.
Junto a esta constelación bailaora, aparecen las voces de Amparo Heredia, Anabel Rivera, Chelo Pantoja, Eva de Dios, Inma “La Carbonera”, Laura Abadía, Loreto de Diego, Maria del Mar Fernández, María Mezcle, Virginia Gámez, Antonio “El Pola”, David Carpio, David “El Galli”, David Vázquez, Jesule de Utrera, Jesús Corbacho, Jesús Flores, Juan José Amador “El Perre”, Manuel Tañé, Pedro Jiménez “Perrete”, Pepe Jiménez “El Bocadillo” y Roberto Lorente.
La guitarra está representada por el toque de Antonia Jiménez, Basilio García, Curro de María, David Jiménez, Fran Vinuesa, Jesús Núñez, Joni Jiménez, José Tomás, Juan Jiménez, Luis Miguel Manzano, Mario Montoya, Óscar Lago, Paco Cruz y Víctor “El Tomate”. Completan la intensa programación que promete ofrecer innumerables momentos mágicos durante el mes de abril la percusión de Roberto Jaén y el violín de David Moreira.
Corral de la Morería
Calle de la Moreria, 17
Corral de la Morería da el pistoletazo de salida a la temporada flamenca madrileña con la celebración de la octava edición de su Festival Flamenco que en esta ocasión se celebrará del 1 al 30 de abril. Un total de 80 estrellas del flamenco participan en la cita, que ha programado una oferta rica y diversa para dar cuenta del gran momento artístico que vive el este arte.
Durante los 30 días de programación, el público podrá disfrutar de 15 espectáculos diferentes en 60 funciones, a razón de dos funciones diarias a las 20:30 y a las 22:20 horas.
Es la ocasión ideal para apreciar a las figuras que vienen de triunfar en los teatros nacionales e internacionales, en un contexto íntimo, despojado de artificios, donde el flamenco es el absoluto protagonista. Es el caso, por ejemplo, de Eduardo Guerrero, quien acaba de conseguir el Premio al Mejor Intérprete concedido por el público del Festival de Jerez.
También es la oportunidad de apreciar momentos artísticos únicos como tener en un mismo escenario a Olga Pericet y Marco Flores o la intervención de toda una institución del baile como Antonio Canales actuando junto a Ángel Rojas y La Lupi.
Más allá, el Festival Flamenco Corral de la Morería ofrece una panorámica amplia del baile de hoy con el poderío de Juan Andrés Maya, la garra de Alba Heredia, el compás de Alfonso Losa, el vuelo de María Moreno, la plasticidad de Olga Llorente, el carisma de El Junco o el despliegue coreográfico de Manuel Liñán. Anabel Moreno, Esther Esteban, Leilah Broukhim, Alejandro Rodríguez, Ángel Reyes, Hugo López, Iván Vargas, Jesús Fernández, Rapico, José Jurado, José Manuel Álvarez, Juan Ogalla, Kelian Jiménez, Pedro Córdoba, Pol Vaquero, Águeda Saavedra, Alejandra Gudí, Cristina Aguilera, Inmaculada Aranda, La Piñona, Lucía Campillo, Macarena Ramírez, Mónica Fernández, Pilar Ogalla, Raquela Ortega, Susana Casas y Vanesa Coloma completan el apartado dancístico de la muestra.
Junto a esta constelación bailaora, aparecen las voces de Amparo Heredia, Anabel Rivera, Chelo Pantoja, Eva de Dios, Inma “La Carbonera”, Laura Abadía, Loreto de Diego, Maria del Mar Fernández, María Mezcle, Virginia Gámez, Antonio “El Pola”, David Carpio, David “El Galli”, David Vázquez, Jesule de Utrera, Jesús Corbacho, Jesús Flores, Juan José Amador “El Perre”, Manuel Tañé, Pedro Jiménez “Perrete”, Pepe Jiménez “El Bocadillo” y Roberto Lorente.
La guitarra está representada por el toque de Antonia Jiménez, Basilio García, Curro de María, David Jiménez, Fran Vinuesa, Jesús Núñez, Joni Jiménez, José Tomás, Juan Jiménez, Luis Miguel Manzano, Mario Montoya, Óscar Lago, Paco Cruz y Víctor “El Tomate”. Completan la intensa programación que promete ofrecer innumerables momentos mágicos durante el mes de abril la percusión de Roberto Jaén y el violín de David Moreira.
Corral de la Morería
Calle de la Moreria, 17
sábado, 11 de marzo de 2017
“Mulïer”, un espectáculo de danza contemporánea sobre zancos a cargo de la Compañía Maduixa
Reportaje completo en www.eter.com
Sus ciclos naturales se han visto obligados a adaptarse a unos ritmos artificiales para complacer a los otros, apagándose así sus dones innatos creativos, instintivos y visionarios.
Este espectáculo, programado en el Festival Ellas Crean, es un homenaje a todas las mujeres que durante siglos y siglos de opresión han luchado y siguen luchando para mantener vivo su yo salvaje, y que reclaman su derecho de bailar y correr libremente por las calles y plazas de nuestra sociedad.
Mulïer es una creación colectiva fruto de la coreografía de Mamen García, del trabajo de dramaturgia de Roser Castro, la dirección de Joan Santacreu y un trabajo de investigación sobre zancos con las bailarinas, que se estrenó en FIRATÀREGA 2016.
La Compañía Maduixa nace en Sueca (Valencia) el año 2004 junto a su creador Joan Santacreu con creaciones teatrales de sala y calle para todos los públicos. La compañía ha logrado consolidarse en el sector profesional por la creación de espectáculos singulares, un trabajo rigurosos y una delicada investigación en el proceso de sus montajes.
Han realizado una extensa gira por más de 20 países de Europa, Asia, Norte-América y Centro-América y ha recibido una veintena de premios, entre ellos el PREMIO MAX 2015 o el PREMIO FETEN al Mejor espectáculo infantil “DOT”. A lo largo de estos doce años de trayectoria, Maduixa ha realizado más de 2.500 representaciones y han sido vistos por más de un millón de espectadores.
Intérpretes: Laia Sorribes, Lara Llávata, Melisa Usina, Esther Latorre, Ana Lola Cosin, Emma Romeu (cover)
Idea y dirección artística: Joan Santacreu
Creación coreográfica: Mamen García
Ayudante de dirección: Paula Llorens
Dramaturgia: Roser de Castro
Composición musical: Damián Sánchez
Vestuario: Joan Miquel Rei
viernes, 10 de marzo de 2017
'Retablo de espera', de Guillermo Womutt en la Sala Mirador
Nos hemos reunido un grupo de artistas para intimar con el hecho de esperar. Esperar en la actualidad. Contar nuestra mirada ante un hecho constante, al menos mientras estamos vivos. El trabajo tiene como premisa respetar la espera del otro, la espera del actor, del individuo y la de las diferentes disciplinas que integran el propio trabajo, siempre que podamos decir que una disciplina es susceptible de esperar. Nosotros pensamos que sí.
Esta aventura comenzó a fraguarse hace ya casi dos años y fue el pasado mes de mayo cuando empezamos los ensayos, durante una residencia en los Teatros del Canal. Fue un reto confrontarnos con el texto; con las improvisaciones, que dieron un giro tan importante al trabajo; con la danza, el vídeo, la música, el espacio y el aporte diario de un equipo de lujo. Cada integrante incorporó generosamente su buen hacer y, al “masticar” el trabajo realizado, lo llamamos Retablo de espera.
Quiero citar a Harold Schweizer, que, en su libro La espera. Melodías de la duración, refleja nuestro deseo de representar nuestra espera con la danza, con el verbo y con el tiempo acelerado que nos proporciona la tecnología. Me refiero al poder de la imagen, del vídeo y de su versatilidad dramática.
“…En nuestro frenético mundo de mensajes instantáneos y gratificaciones instantáneas, la pregunta ‘¿por qué esperar?’ o el consejo ‘no espere’ parecen suscitar un acuerdo unánime. A nadie le gusta esperar… Sin el atractivo del aburrimiento o del deseo, ni tiene un interés melancólico ni es desesperadamente romántica. Entre esperanza y resignación, aburrimiento y deseo, satisfacción e inutilidad, la espera parece extenderse por el vacío. Pero esperar es también disponer de tiempo, sin quererlo.”
La vida es un constante ciclo: todo está dividido y organizado para tener referencias que nos ubiquen en tiempo y espacio. Cuando alguna de las reglas que marcan ese orden es alterada, nuestras posibilidades de acción cambian. Hacemos acopio de paciencia para esperar a que el orden vuelva a restablecerse y así aprender a vivir con un nuevo marco de referencias, con una nueva repetición, con un nuevo ciclo. La espera es un estado mental, frente al tiempo, que es una invención humana. En Retablo de espera, la espera agoniza y renace constantemente: como nosotros.
Es inevitable comparar cómo esperamos hoy en día a cómo esperábamos de niños; cómo esperaban nuestros padres, nuestros abuelos. Mucho ha cambiado y condicionado lo que esperamos y cómo esperamos. En la espera experimentamos un tiempo que no puede prolongarse o reducirse a voluntad y es en ese instante cuando la palabra necesita del baile, de la imagen. Pensamos, soñamos, nos informamos, incluso nos comunicamos con frecuencia, a través de una pantalla. Por esta razón el vídeo está presente como disciplina cotidiana, como recurso tecnológico que se adentra en nuestra intimidad, como arte.
Asistir a un trabajo de artes escénicas implica un encierro voluntario, intelectual y físico por un tiempo determinado. El público también participará de nuestra espera entrando con sus referentes, su inmediatez. Vladimir y Estragón, o Penélope y Ulises y tantos otros referentes literarios estarán allí en nuestro espacio escénico. Esperando.
La premisa de partida ha sido intentar hacer “lo menos posible”. Bill Viola nos ha inspirado en muchas de las imágenes que presentamos. Cada miembro de este equipo sirve de espejo para generar material útil. La espera no se ejecuta, se vive, se padece o se celebra.
En nuestra búsqueda para expresar la espera, tema que nos ocupa, sentimos que el verbo “esperar” es mínimal, ahorrativo y descomunal. Desde la dirección y la dramaturgia he abordado la puesta en escena inspirándome en Bill Viola, utilizando el tiempo como elemento poderoso e implacable. El tiempo es verdugo de cada viaje, de cada espera.
Yo decido mi tiempo para hacer las cosas. El tiempo del otro es, simplemente, diferente.
GUILLERMO WOMUTT
Sala MIrador
Calle del Dr. Fourquet, 31
9 de marzo al 2 de abril
viernes y sábado 20:00h., domingo 19:39h.
Bailarines y actores
Mónica Runde
Nur Levi
Teresa Rivera
Inés Narváez
David Blanka
Franklin Dávalos
Reportaje completo en www.eter.com
lunes, 14 de noviembre de 2016
Adiós al Teatro de la Zarzuela – Iphigenia en Tracia
Reportaje completo en ETER.COM
Ayer fui vejado e insultado, como fotógrafo y como persona, por un miembro de la dirección del Teatro de la Zarzuela y algunos de sus acólitos. Por ello he tomado la decisión de no volver a hacer y publicar fotos de los estrenos de esta institución. Estas son las últimas fotos.
Zarzuela
Mi relación con el teatro de la Zarzuela comienza el 13 de mayo de 2014 con un reportaje sobre la obra “De lo humano...y divino”
En realidad comenzaba unas semanas antes cuando al asistir a un pase gráfico del BNE, Ángel Barreda, un gran profesional, a la sazón Jefe de Prensa del Teatro, me animaba a hacer fotos de zarzuela. A mi respuesta “Soy fotógrafo de danza, no me gusta la zarzuela”, Ángel me contestaba “¿Has visto alguna de nuestras producciones?” “Entonces no puedes saber si te gusta” Poco después me convocaba a la mencionada obra “De lo humano… y divino”, y desde entonces no he faltado a ningún ensayo general con mi cámara.
Durante este tiempo, de estas sesiones he vendido fotos por un importe de 140€. No ha sido, obviamente, una relación interesada. El importe no se acerca al que supone el desgaste de mi equipo, por no hablar de las al menos diez horas de trabajo, entre toma de fotos y su procesado, que supone cada sesión.
He cedido, a petición del teatro, alguna foto a la institución. Me consta, aunque no he podido verlo, que una de mis fotos decora las nuevas oficinas del teatro. No sé si se habrá respetado mi firma en la misma, aunque es una muestra de respeto hacia mi trabajo que, visto lo visto, no espero.
Durante este tiempo he ido desarrollando un proyecto, fotos panorámicas de cada estreno, que he continuado hasta la llegada de la nueva dirección con idea de hacer una gran exposición en algún momento. Ya en el anterior estreno “Las golondrinas”, las condiciones de trabajo impuestas por el nuevo equipo hizo imposible la continuidad de este proyecto. Podéis ver muestras de este proyecto en las publicaciones en Escena Madrid y ETER.COM.
Las fotos de Iphigenia
Las fotos que hoy podéis ver son diferentes a las que habitualmente os presento. Ello es debido a que están tomadas desde el primer piso.
Cuando abandonaba muy molesto el teatro, Ángel Barreda, un “Ángel” para los fotógrafos de escena, me ha pedido que me quedara. No he podido negarme, siendo él quien me lo pedía, y he aceptado hacer las fotos desde una posición poco adecuada para mi equipo. Lamento que la calidad de las fotos no esté a la altura. Dadas las circunstancias espero que lo comprendáis.
Son muchas. Resuelto a olvidarme de este penoso asunto, no me apetecía utilizar tiempo en hacer una selección.
Sobre la obra
No voy a opinar.
En las fotos:
Orquesta de la Comunidad de Madrid
Francesc Prat
María Bayo
Auxiliadora Toledano
Ruth González
Erika Escribá-Astaburuaga
Lidia Vinyes-Curtis
Mireia Pintó
Ayer fui vejado e insultado, como fotógrafo y como persona, por un miembro de la dirección del Teatro de la Zarzuela y algunos de sus acólitos. Por ello he tomado la decisión de no volver a hacer y publicar fotos de los estrenos de esta institución. Estas son las últimas fotos.
Zarzuela
Mi relación con el teatro de la Zarzuela comienza el 13 de mayo de 2014 con un reportaje sobre la obra “De lo humano...y divino”
En realidad comenzaba unas semanas antes cuando al asistir a un pase gráfico del BNE, Ángel Barreda, un gran profesional, a la sazón Jefe de Prensa del Teatro, me animaba a hacer fotos de zarzuela. A mi respuesta “Soy fotógrafo de danza, no me gusta la zarzuela”, Ángel me contestaba “¿Has visto alguna de nuestras producciones?” “Entonces no puedes saber si te gusta” Poco después me convocaba a la mencionada obra “De lo humano… y divino”, y desde entonces no he faltado a ningún ensayo general con mi cámara.
Durante este tiempo, de estas sesiones he vendido fotos por un importe de 140€. No ha sido, obviamente, una relación interesada. El importe no se acerca al que supone el desgaste de mi equipo, por no hablar de las al menos diez horas de trabajo, entre toma de fotos y su procesado, que supone cada sesión.
He cedido, a petición del teatro, alguna foto a la institución. Me consta, aunque no he podido verlo, que una de mis fotos decora las nuevas oficinas del teatro. No sé si se habrá respetado mi firma en la misma, aunque es una muestra de respeto hacia mi trabajo que, visto lo visto, no espero.
Durante este tiempo he ido desarrollando un proyecto, fotos panorámicas de cada estreno, que he continuado hasta la llegada de la nueva dirección con idea de hacer una gran exposición en algún momento. Ya en el anterior estreno “Las golondrinas”, las condiciones de trabajo impuestas por el nuevo equipo hizo imposible la continuidad de este proyecto. Podéis ver muestras de este proyecto en las publicaciones en Escena Madrid y ETER.COM.
Las fotos de Iphigenia
Las fotos que hoy podéis ver son diferentes a las que habitualmente os presento. Ello es debido a que están tomadas desde el primer piso.
Cuando abandonaba muy molesto el teatro, Ángel Barreda, un “Ángel” para los fotógrafos de escena, me ha pedido que me quedara. No he podido negarme, siendo él quien me lo pedía, y he aceptado hacer las fotos desde una posición poco adecuada para mi equipo. Lamento que la calidad de las fotos no esté a la altura. Dadas las circunstancias espero que lo comprendáis.
Son muchas. Resuelto a olvidarme de este penoso asunto, no me apetecía utilizar tiempo en hacer una selección.
Sobre la obra
No voy a opinar.
En las fotos:
Orquesta de la Comunidad de Madrid
Francesc Prat
María Bayo
Auxiliadora Toledano
Ruth González
Erika Escribá-Astaburuaga
Lidia Vinyes-Curtis
Mireia Pintó
jueves, 27 de octubre de 2016
Fiesta de la Trashumancia Madrid 2016
Reportaje completo en www.emiliotenorio.com
Más de dos mil ovejas pasáron el domingo por el centro de Madrid. Les acompañaban grupos folklóricos, asociaciones culturales, caballistas y otras entidades conservacionistas y folklóricas.
Esta fiesta, que se viene celebrando desde 1994, tiene como objetivo realzar la actividad ganadera trashumante y su acercamiento a la población urbana de Madrid. Se recupera con ello la tradición del paso de ganado trashumante por la capital, practicado desde la Baja Edad Media y coordinado hasta 1836 por el gremio del Honrado Concejo de la Mesta. Esta coordinación fue ejercida seguidamente y hasta 1931 por la Asociación General de Ganaderos del Reino, que supervisaba el tránsito de los ganados desde las sierras de Castilla y León y La Rioja a las dhesas de Castilla-La Mancha y Extremadura en el mes de mayo y en sentido contrario durante los meses de octubre y noviembre.
Más de dos mil ovejas pasáron el domingo por el centro de Madrid. Les acompañaban grupos folklóricos, asociaciones culturales, caballistas y otras entidades conservacionistas y folklóricas.
Esta fiesta, que se viene celebrando desde 1994, tiene como objetivo realzar la actividad ganadera trashumante y su acercamiento a la población urbana de Madrid. Se recupera con ello la tradición del paso de ganado trashumante por la capital, practicado desde la Baja Edad Media y coordinado hasta 1836 por el gremio del Honrado Concejo de la Mesta. Esta coordinación fue ejercida seguidamente y hasta 1931 por la Asociación General de Ganaderos del Reino, que supervisaba el tránsito de los ganados desde las sierras de Castilla y León y La Rioja a las dhesas de Castilla-La Mancha y Extremadura en el mes de mayo y en sentido contrario durante los meses de octubre y noviembre.
sábado, 8 de octubre de 2016
'Lo que no te digo' de Nur Levi en la Sala Mirador
Reportaje completo en Escena Madrid
Tras una sorprendente afirmación “He decidido no volver a hablar”, Nur Levi nos ofrece un magnífico monólogo durante poco más de una hora.
“Lo que no te digo” en una tragicomedia que trata de la incomunicación, de la pérdida del hábito de escuchar, de la mentira dialéctica. Preferimos decir “tal vez” a “no”, decir “me gustaría asistir” en vez de “no pienso ir” o “pronto” cuando lo que queremos decir es “nunca” –de esto yo, como fotógrafo retratista sé mucho-.
Una gran artista, -autora, cantante, actriz-, un excelente texto, una magnífica dirección… dan forma a una gran obra que yo sin dudar recomiendo y, si me lo permiten, enfáticamente.
SINOPSIS
¿Quieres saber los antecedentes del personaje de Nur Levi en la película ‘Hablar’, de Joaquín Oristrell? ¿Quieres conocer lo que le hace tomar la decisión que toma en la película? El monólogo teatral te lo cuenta…
Nur Levi vuelve esta temporada con ‘Lo que no te digo’, un monólogo tragicómico sobre la perversión y manipulación social del lenguaje.
La pieza, escrita e interpretada por Nur Levi, y dirigida por Cristina Rota, plantea una reflexión sobre cómo el poder y la educación utilizan el lenguaje para crear desencanto, escepticismo y parálisis.
El origen de ‘Lo que no te digo’ está en la película 'Hablar' de Joaquín Oristrell, premio Premio Biznaga de Plata del público joven del 18º Festival de Cine de Málaga 2015. El monólogo teatral desvela al espectador los antecedentes del personaje encarnado por Nur Levi en el filme.
Una joven profesora de la Facultad de Comunicación, María Casas, anuncia un día a sus alumnos por qué ha decidido dejar de impartir clases. Siente que “hemos pervertido el lenguaje”, porque “se aprende el lenguaje para decir otra cosa“, porque “cada uno escucha lo que quiere o lo que puede, y no en ese orden”. Porque en definitiva siente que necesitamos “una cura de palabras”, estar en silencio hasta volver a amarlas, “hasta volver a amar a las personas”.
Así comienza el monólogo Lo que no te digo, escrito e interpretado por Nur Levi y dirigido por Cristina Rota que inaugura la temporada teatral en la Sala Mirador
Sala Mirador
Calle del Dr. Fourquet, 31
Del 7 de octubre al 12 de noviembre (viernes 4 de noviembre no hay función)
Texto e interpretación: Nur Levi
Dirección: Cristina Rota
Canciones El final y No te aguanto
Letra y voz: Nur Levi
Música: Alejandro Pelayo
Canción Después lo hablamos
Letra: Ray Loriga
Música: Alejandro Pelayo
Voz: Nur Levi
Tras una sorprendente afirmación “He decidido no volver a hablar”, Nur Levi nos ofrece un magnífico monólogo durante poco más de una hora.
“Lo que no te digo” en una tragicomedia que trata de la incomunicación, de la pérdida del hábito de escuchar, de la mentira dialéctica. Preferimos decir “tal vez” a “no”, decir “me gustaría asistir” en vez de “no pienso ir” o “pronto” cuando lo que queremos decir es “nunca” –de esto yo, como fotógrafo retratista sé mucho-.
Una gran artista, -autora, cantante, actriz-, un excelente texto, una magnífica dirección… dan forma a una gran obra que yo sin dudar recomiendo y, si me lo permiten, enfáticamente.
SINOPSIS
¿Quieres saber los antecedentes del personaje de Nur Levi en la película ‘Hablar’, de Joaquín Oristrell? ¿Quieres conocer lo que le hace tomar la decisión que toma en la película? El monólogo teatral te lo cuenta…
Nur Levi vuelve esta temporada con ‘Lo que no te digo’, un monólogo tragicómico sobre la perversión y manipulación social del lenguaje.
La pieza, escrita e interpretada por Nur Levi, y dirigida por Cristina Rota, plantea una reflexión sobre cómo el poder y la educación utilizan el lenguaje para crear desencanto, escepticismo y parálisis.
El origen de ‘Lo que no te digo’ está en la película 'Hablar' de Joaquín Oristrell, premio Premio Biznaga de Plata del público joven del 18º Festival de Cine de Málaga 2015. El monólogo teatral desvela al espectador los antecedentes del personaje encarnado por Nur Levi en el filme.
Una joven profesora de la Facultad de Comunicación, María Casas, anuncia un día a sus alumnos por qué ha decidido dejar de impartir clases. Siente que “hemos pervertido el lenguaje”, porque “se aprende el lenguaje para decir otra cosa“, porque “cada uno escucha lo que quiere o lo que puede, y no en ese orden”. Porque en definitiva siente que necesitamos “una cura de palabras”, estar en silencio hasta volver a amarlas, “hasta volver a amar a las personas”.
Así comienza el monólogo Lo que no te digo, escrito e interpretado por Nur Levi y dirigido por Cristina Rota que inaugura la temporada teatral en la Sala Mirador
Sala Mirador
Calle del Dr. Fourquet, 31
Del 7 de octubre al 12 de noviembre (viernes 4 de noviembre no hay función)
Texto e interpretación: Nur Levi
Dirección: Cristina Rota
Canciones El final y No te aguanto
Letra y voz: Nur Levi
Música: Alejandro Pelayo
Canción Después lo hablamos
Letra: Ray Loriga
Música: Alejandro Pelayo
Voz: Nur Levi
miércoles, 5 de octubre de 2016
Teatro de la Zarzuela - Las Golondrinas
Reportaje completo en Escena Madrid
Un angustioso drama de celos en el ambiente de un circo ambulante con un payaso como protagonista.
Música de JOSÉ MARÍA USANDIZAGA
Libreto de Gregorio Martínez Sierra y María de Lejárraga
Un angustioso drama de celos en el ambiente de un circo ambulante con un payaso como protagonista.
Música de JOSÉ MARÍA USANDIZAGA
Libreto de Gregorio Martínez Sierra y María de Lejárraga
domingo, 25 de septiembre de 2016
Clavileño, sueños en movimiento, de la compañía Carolina Pozuelo
Reportaje completo en www.eter.com
SINOPSIS
Clavileño es un espectáculo, inspirado el vuelo mágico del quijotesco caballo, en el que se combinan dos estilos: el clásico y el flamenco, a través de la guitarra, la palabra y el baile. Una investigación que va desde el estilo peculiar de las danzas barrocas, ancestro de la escuela bolera y origen y raíz del flamenco, hasta nuestra Danza española actual. Canarios, Pasacalles, y Panaderos de la flamenca, conservando sus rasgos barrocos originales, se mezclan con la solea, la bulería o la farruca dando lugar a una integración de formas y sonoridades fruto de la rica mezcla entre el Barroco y el flamenco. Esta variante en la que lo clásico y lo flamenco se aúnan, da lugar a “Clavileño, Sueños en movimiento”, un espectáculo que representa la unión de tres artistas que desde la música , la danza y la palabra nos presentan su peculiar forma de entender su arte.
FICHA ARTÍSTICA
Dirección artística, coreografía e interpretación: Carolina Pozuelo.
Dirección, composición, e interpretación musical: José Luis Montón y David González.
Interpretación actoral y Voz: Juan Carlos Talavera.
Dirección escénica: Manuel Canseco.
Diseño de Iluminación: Olga García (A.A.I)
Sonido: Beatriz Anievas
Diseño de Vestuario: Carmen Granell
+FOTOS
SINOPSIS
Clavileño es un espectáculo, inspirado el vuelo mágico del quijotesco caballo, en el que se combinan dos estilos: el clásico y el flamenco, a través de la guitarra, la palabra y el baile. Una investigación que va desde el estilo peculiar de las danzas barrocas, ancestro de la escuela bolera y origen y raíz del flamenco, hasta nuestra Danza española actual. Canarios, Pasacalles, y Panaderos de la flamenca, conservando sus rasgos barrocos originales, se mezclan con la solea, la bulería o la farruca dando lugar a una integración de formas y sonoridades fruto de la rica mezcla entre el Barroco y el flamenco. Esta variante en la que lo clásico y lo flamenco se aúnan, da lugar a “Clavileño, Sueños en movimiento”, un espectáculo que representa la unión de tres artistas que desde la música , la danza y la palabra nos presentan su peculiar forma de entender su arte.
FICHA ARTÍSTICA
Dirección artística, coreografía e interpretación: Carolina Pozuelo.
Dirección, composición, e interpretación musical: José Luis Montón y David González.
Interpretación actoral y Voz: Juan Carlos Talavera.
Dirección escénica: Manuel Canseco.
Diseño de Iluminación: Olga García (A.A.I)
Sonido: Beatriz Anievas
Diseño de Vestuario: Carmen Granell
+FOTOS
sábado, 24 de septiembre de 2016
Los talibanes, Vincent van Gogh, un señor japonés y yo. Por Emilio Tenorio
Como ya he comentado muchas veces entre amigos y conocidos, para cuando fallezca he dado dos instrucciones a mi familia.
Una tiene que ver con esa irrefrenable costumbre que tengo de reírme de todo. Quiero que en mi tumba ponga “Ahora vuelvo”. Quien sabe, lo mismo puedo seguir tocando narices después de muerto. :-)
La segunda tiene que ver con mis fotos. He dejado claro que cuando muera deseo que todos mis discos sean formateados y después destruidos junto a mis copias en DVD, mis tarjetas de memoria, mis equipos informáticos y cualquier otro sistema de almacenamiento de ficheros que para esa fecha, que espero lejana, haya aparecido.
Los talibanes
Hace algo más de un año asistí a una de las sesiones de “Los viernes de marzo” en el RCPD Mariemma. Al salir tomé el Circular para llegar a otra cita, esta con un teatro, que tenía esa tarde.
El autobús iba relativamente vacío. Me senté en uno de los primeros asientos de la segunda parte del autobús. Al parecer esos asientos nos gustan a todos más que los demás por algún motivo inexplicable
Una o dos paradas más allá subió al autobús una señorita que no me era desconocida, bailarina claramente, aunque reconozco que no supe ponerle nombre y sigo sin saber.
Yo tampoco era desconocido para ella, porque me sonrió y, aunque había muchos sitios vacíos en el autobús vino directa a sentarse a mi lado.
Sin darme tiempo ni a saludar me espetó “He visto en Facebook que cuando te mueras vas a borrar todas tus fotos de danza”. Le habría explicado que una vez muerto no podría borrar nada y que por eso lo había dejado en manos de mi familia, pero no me dejó. “Me parece una actitud muy egoísta, tus fotos son parte de la historia de la danza madrileña. No puedes borrarlas. Es lo que están haciendo los talibanes con las estatuas y las pirámides (sic).” Y se quedó mirándome con unos ojos oscuros y brillantes.
Tomé la palabra, visto que al parecer ya había terminado.
“No sólo las fotos de danza, quiero que se borren todas mis fotos.”
“Agradezco sobremanera que compares mi humilde trabajo fotográfico con obras de arte como las estatuas de Hatra o las del museo de Mosul. Mis fotos no merecen tamaño elogio.”
“Respecto a la historia de la danza, el Ministerio tiene un departamento de documentación que se encarga de esto. No es justo pedir a un ciudadano que asuma esa responsabilidad”
Era mi parada. Me despedí de ella y bajé del autobús sin haber podido darle una explicación más amplia.
Un señor japonés
Hace unos meses leí que un marchante japonés se estaba haciendo de oro traficando con obras de arte y que su especialidad eran las obras de Vincent van Gogh. De inmediato pensé en este pintor postimpresionista que murió pobre. Sólo vendió dos cuadros en toda su vida. Y, aunque soy agnóstico, pensé que si hay un más allá, este pobre hombre debe tener un importante cabreo viendo como otros se lucran con un trabajo que a él no le dio ni de comer.
Y, aunque soy agnóstico y no creo que haya un más allá, de inmediato vi qué camino debía seguir para que, si hay un más allá, mi reposo, o lo que sea, no se vea turbado por japoneses lucrándose con una obra que hasta el día de hoy me ha costado dinero.
Espero que la anónima señorita del autobús, de ojos oscuros y brillantes, lea esto, ya que me quedé con la incomoda sensación de haberla dejado a medias. Algo que no he hecho nunca en mi vida. ;-)
martes, 13 de septiembre de 2016
Una obra extraordinaria pero sin público. Roberto Torres presenta en Lagrada 'Para Regalo' de Carmen Werner
Reportaje completo en www.eter.com
La herencia cultural del anterior gobierno de la Comunidad de Madrid, en lo que a danza se refiere, sigue pesando como una losa.
Tres lustros de pésima gestión y apoyos basados en los lamentables gustos de la anterior asesora han hecho que la danza contemporánea en Madrid se haya quedado sin espectadores. Además echo en falta un interés por parte de la mayoría de los formadores en fomentar la asistencia de los alumnos de danza a espectáculos.
Esto ha hecho que esta noche haya asistido a una obra extraordinaria en el Teatro Lagrada en compañía de tan sólo siete espectadores de los que dos éramos informadores. Insisto, una obra extraordinaria.
Durante los años en los que la danza me importaba, dije una y otra vez que la creación de público era fundamental. Ahora que me he distanciado, lo sigo pensando.
Cada vez hay más bailarines, sobre esta huída hacia adelante supongo que algún día escribiré, pero nadie se preocupa de conseguir público para sus trabajos. Y un negocio sin clientes es una ruina. Por buenos que sean sus productos.
Para regalo
Recomiendo encarecidamente ver este espectáculo.
‘Para regalo’ es una coreografía de una creadora genial, Carmen Werner, concebida para un bailarín extraordinario, Roberto Torres.
Carmen Werner y Roberto Torres han mantenido una estrecha relación artística y profesional desde hace años, con una proximidad física y de ideas en la creación de actividades tanto pedagógicas como de trabajos p ara la escena, y que ahora han dado como fruto este nuevo trabajo en común.
“Conocí una vez a un hombre que su único afán era encontrar el regalo perfecto, se esmeraba en preparar en su mente como seria el envoltorio, como reaccionaria la persona al verlo, donde lo pondría.
Pero no se daba cuenta de lo que a él mismo le estaba pasando o no quería perder el tiempo reconociendo sus dolores, sus angustias ni sus miedos era feliz así, preparando su regalo, evitando vivir su realidad.
Yo nunca se l o conté ¡que difícil es decir la verdad¡”
Carmen Werner
Teatro Lagrada
C/ Ercilla 20
Ficha Artística
Dirección y coreografía
:
Carmen Werner
Intérprete:
Roberto Torres
Diseño de iluminación:
Daniel Abreu
La herencia cultural del anterior gobierno de la Comunidad de Madrid, en lo que a danza se refiere, sigue pesando como una losa.
Tres lustros de pésima gestión y apoyos basados en los lamentables gustos de la anterior asesora han hecho que la danza contemporánea en Madrid se haya quedado sin espectadores. Además echo en falta un interés por parte de la mayoría de los formadores en fomentar la asistencia de los alumnos de danza a espectáculos.
Esto ha hecho que esta noche haya asistido a una obra extraordinaria en el Teatro Lagrada en compañía de tan sólo siete espectadores de los que dos éramos informadores. Insisto, una obra extraordinaria.
Durante los años en los que la danza me importaba, dije una y otra vez que la creación de público era fundamental. Ahora que me he distanciado, lo sigo pensando.
Cada vez hay más bailarines, sobre esta huída hacia adelante supongo que algún día escribiré, pero nadie se preocupa de conseguir público para sus trabajos. Y un negocio sin clientes es una ruina. Por buenos que sean sus productos.
Para regalo
Recomiendo encarecidamente ver este espectáculo.
‘Para regalo’ es una coreografía de una creadora genial, Carmen Werner, concebida para un bailarín extraordinario, Roberto Torres.
Carmen Werner y Roberto Torres han mantenido una estrecha relación artística y profesional desde hace años, con una proximidad física y de ideas en la creación de actividades tanto pedagógicas como de trabajos p ara la escena, y que ahora han dado como fruto este nuevo trabajo en común.
“Conocí una vez a un hombre que su único afán era encontrar el regalo perfecto, se esmeraba en preparar en su mente como seria el envoltorio, como reaccionaria la persona al verlo, donde lo pondría.
Pero no se daba cuenta de lo que a él mismo le estaba pasando o no quería perder el tiempo reconociendo sus dolores, sus angustias ni sus miedos era feliz así, preparando su regalo, evitando vivir su realidad.
Yo nunca se l o conté ¡que difícil es decir la verdad¡”
Carmen Werner
Teatro Lagrada
C/ Ercilla 20
Ficha Artística
Dirección y coreografía
:
Carmen Werner
Intérprete:
Roberto Torres
Diseño de iluminación:
Daniel Abreu
sábado, 10 de septiembre de 2016
Mirada vertiginosa de Chantal Goudard el el Teatro Lagrada - Festival Miradas al Cuerpo
Reportaje completo en www.eter.com
El Teatro Lagrada nos presenta dentro de su Festival Miradas al Cuerpo "Mirada Vertiginosa" (Regard Vertigineux) de Chantal Goudard.
Una interesante obra de danza-performance que nació tras dos años de investigación a través de lecturas, pinturas, extractos musicales y largas conversaciones. Surgió también tras una reflexión intima y personal sobre las creencias colectivas y los conceptos preconcebidos que existen en nuestra sociedad actual.
En esta primavera 2016, Chantal celebró su cuarenta cumpleaños y veinte años pisando escenarios por este planeta. A parte de ser madre y criar tres hijos, ser bailarina, coreógrafa, instructor de Pilates, pareja, amiga… Chantal es, sobre todo una mujer, una persona humana con su sensibilidad, caminando en la vida con ilusiones y amor a pesar de las piedras que obstruyen su camino.
Esa "Mirada Vertiginosa" nos invita mirar más allá de ese sistema delimitado por creencias colectivas y conceptos preconcebidos y a explorar la presencia imprescindible del amor en todos los rincones de su vida, que aparecen como el letmotiv en la obra.
Mirada vertiginosa abre la problemática de mirar más allá de un sistema delimitado por creencias colectivas y conceptos preconcebidos.
SINOPSIS
Mirada vertiginosa (Regard Vertigineux) abre la problemática de mirar más allá de un sistema delimitado por creencias colectivas y conceptos preconcebidos. ¿Fuera de este sistema, que se encuentra? Vértigo, precipicio, otras creencias, otros conceptos, ¿Libertad, libertad condicional o jaula, alas abiertas o rotas? ¿Integridad, miedo, soledad, culpabilidad, angustia, debilidad, vitalidad, pasión, dudas, ira, fidelidad?
La realidad no es como piensas que fuera, sino como es. ¿Te encuentras entonces a la deriva? pues sí... "Dueños del timón de nuestro barco y conscientes de nuestras posibilidades pero incapaces de trazar un rumbo confiable."
(Jorge Bucay)
.......pero por el hecho de tener una preocupación activa por tu existencia, no la delimitas entre paredes estrechas de creencias colectivas, sino que dejas a tu espíritu escaparse, estructurarse y reestructurarse. Tienes una cuerda, como cordón umbilical pero también como lazó que te permite libremente bajar hasta el fondo del pozo, explorar la oscuridad y de esa misma manera subir para acercarte a la luz.... como caerte y levantarte.
Trazas con una tiza un perímetro de seguridad, donde encuentras tu paz, tu centro. Luego te gusta buscar ese vértigo, mirar hacia el cielo, marearte, olvidarte del tiempo, sentirte vivo y tan cerca de ¿una muerte feliz? Porque la libertad es la esencia misma del ser humano.
Ser feliz, ¿no será sentir la convicción de estar en el camino correcto? pero... "Te llaman demonio o te llaman dios: Es el precio que pagas por ser incomprendido."
(Richard Bach)
Teatro Lagrada
C/ Ercilla 20
Contacto:
Chantal Goudard
0034 630 45 97 81
Coreografía
Chantal Goudard
Bailarines
Chantal Goudard
Lucía Mossu-Goudard
Espeban Mossu-Goudard
Paloma Mossu-Goudard
El Teatro Lagrada nos presenta dentro de su Festival Miradas al Cuerpo "Mirada Vertiginosa" (Regard Vertigineux) de Chantal Goudard.
Una interesante obra de danza-performance que nació tras dos años de investigación a través de lecturas, pinturas, extractos musicales y largas conversaciones. Surgió también tras una reflexión intima y personal sobre las creencias colectivas y los conceptos preconcebidos que existen en nuestra sociedad actual.
En esta primavera 2016, Chantal celebró su cuarenta cumpleaños y veinte años pisando escenarios por este planeta. A parte de ser madre y criar tres hijos, ser bailarina, coreógrafa, instructor de Pilates, pareja, amiga… Chantal es, sobre todo una mujer, una persona humana con su sensibilidad, caminando en la vida con ilusiones y amor a pesar de las piedras que obstruyen su camino.
Esa "Mirada Vertiginosa" nos invita mirar más allá de ese sistema delimitado por creencias colectivas y conceptos preconcebidos y a explorar la presencia imprescindible del amor en todos los rincones de su vida, que aparecen como el letmotiv en la obra.
Mirada vertiginosa abre la problemática de mirar más allá de un sistema delimitado por creencias colectivas y conceptos preconcebidos.
SINOPSIS
Mirada vertiginosa (Regard Vertigineux) abre la problemática de mirar más allá de un sistema delimitado por creencias colectivas y conceptos preconcebidos. ¿Fuera de este sistema, que se encuentra? Vértigo, precipicio, otras creencias, otros conceptos, ¿Libertad, libertad condicional o jaula, alas abiertas o rotas? ¿Integridad, miedo, soledad, culpabilidad, angustia, debilidad, vitalidad, pasión, dudas, ira, fidelidad?
La realidad no es como piensas que fuera, sino como es. ¿Te encuentras entonces a la deriva? pues sí... "Dueños del timón de nuestro barco y conscientes de nuestras posibilidades pero incapaces de trazar un rumbo confiable."
(Jorge Bucay)
.......pero por el hecho de tener una preocupación activa por tu existencia, no la delimitas entre paredes estrechas de creencias colectivas, sino que dejas a tu espíritu escaparse, estructurarse y reestructurarse. Tienes una cuerda, como cordón umbilical pero también como lazó que te permite libremente bajar hasta el fondo del pozo, explorar la oscuridad y de esa misma manera subir para acercarte a la luz.... como caerte y levantarte.
Trazas con una tiza un perímetro de seguridad, donde encuentras tu paz, tu centro. Luego te gusta buscar ese vértigo, mirar hacia el cielo, marearte, olvidarte del tiempo, sentirte vivo y tan cerca de ¿una muerte feliz? Porque la libertad es la esencia misma del ser humano.
Ser feliz, ¿no será sentir la convicción de estar en el camino correcto? pero... "Te llaman demonio o te llaman dios: Es el precio que pagas por ser incomprendido."
(Richard Bach)
Teatro Lagrada
C/ Ercilla 20
Contacto:
Chantal Goudard
0034 630 45 97 81
Coreografía
Chantal Goudard
Bailarines
Chantal Goudard
Lucía Mossu-Goudard
Espeban Mossu-Goudard
Paloma Mossu-Goudard
jueves, 8 de septiembre de 2016
"Red Bull Flying Bach" en el Teatro Nuevo Alcalá
Reportaje completo en www.eter.com
Hoy he asistido al estreno de los "Red Bull Flying Bach" en el Teatro Nuevo Alcalá.
Este espectáculo se caracteriza por mezclar la esencia de las danzas urbanas y el ballet. Todo al ritmo de la música del reconocido compositor barroco Johann Sebastian Bach.
Red Bull Flying Bach es el nombre dado a esta "performance", la cuál permitió el encuentro de la Cultura, a cargo de Vartan Bassil, coreógrafo, director y fundador de los "Flying Steps" (Alemania 1993) y Christoph Hagel director oficial de todo el espectáculo.
Una vez más las danzas urbanas llegan lejos, cruzan barreras y fusionan corrientes artísticas.
Toda persona interesada en el mundo del break dance y/o música clásica podrá hasta el próximo día once de septiembre disfrutar de esta magnífica experiencia.
Texto: Nuria Pauluchi
Hoy he asistido al estreno de los "Red Bull Flying Bach" en el Teatro Nuevo Alcalá.
Este espectáculo se caracteriza por mezclar la esencia de las danzas urbanas y el ballet. Todo al ritmo de la música del reconocido compositor barroco Johann Sebastian Bach.
Red Bull Flying Bach es el nombre dado a esta "performance", la cuál permitió el encuentro de la Cultura, a cargo de Vartan Bassil, coreógrafo, director y fundador de los "Flying Steps" (Alemania 1993) y Christoph Hagel director oficial de todo el espectáculo.
Una vez más las danzas urbanas llegan lejos, cruzan barreras y fusionan corrientes artísticas.
Toda persona interesada en el mundo del break dance y/o música clásica podrá hasta el próximo día once de septiembre disfrutar de esta magnífica experiencia.
Texto: Nuria Pauluchi
lunes, 5 de septiembre de 2016
Idiota
Reportaje completo en www.escenamadrid.com
Idiota propone un juego perverso que logra trasladar al espectador de la comedia al thriller psicológico más inquietante sin apenas pestañear.
Un hombre se presenta a unas pruebas psicológicas remuneradas. Lo que aparenta ser una manera sencilla de conseguir el dinero que necesita para resolver sus problemas económicos, se convertirá en una auténtica pesadilla de la mano de una atractiva psicóloga, quien, a través de preguntas y enigmas, le obligarán a dar lo mejor de sí si quiere evitar un fatal final.
Una estética cinematográfica, muy cercana a la novela gráfica, servirá para poner en pie esta singular propuesta escénica, tan hilarante como inquietante y llena de intriga. Un montaje sobre la capacidad de sufrimiento del ser humano, que el propio director introduce como: “dos actores, un texto. La luz se enciende. La vida fluye. Riamos a carcajadas, sorprendámonos, angustiémonos, reflexionemos juntos. Eso es Idiota“.
El Pavón Teatro Kamikaze
Calle de Embajadores 9
FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA
Autor Jordi Casanovas
Dirección Israel Elejalde
Intérpretes Gonzalo de Castro y Elisabet Gelabert
Escenografía Eduardo Moreno
Iluminación Juanjo Llorens
Sonido Sandra Vicente (Studio 340)
Vestuario Ana López
Vídeo Joan Rodón
Música original Arnau Vilà
Ilustraciones Lisa Cuomo
Ayudante de dirección Pablo Ramos
Dirección de producción Aitor Tejada y Jordi Buxó
Una producción de Gonzalo de Castro, Israel Elejalde, Kamikaze Producciones y Buxman Producciones.
Idiota propone un juego perverso que logra trasladar al espectador de la comedia al thriller psicológico más inquietante sin apenas pestañear.
Un hombre se presenta a unas pruebas psicológicas remuneradas. Lo que aparenta ser una manera sencilla de conseguir el dinero que necesita para resolver sus problemas económicos, se convertirá en una auténtica pesadilla de la mano de una atractiva psicóloga, quien, a través de preguntas y enigmas, le obligarán a dar lo mejor de sí si quiere evitar un fatal final.
Una estética cinematográfica, muy cercana a la novela gráfica, servirá para poner en pie esta singular propuesta escénica, tan hilarante como inquietante y llena de intriga. Un montaje sobre la capacidad de sufrimiento del ser humano, que el propio director introduce como: “dos actores, un texto. La luz se enciende. La vida fluye. Riamos a carcajadas, sorprendámonos, angustiémonos, reflexionemos juntos. Eso es Idiota“.
El Pavón Teatro Kamikaze
Calle de Embajadores 9
FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA
Autor Jordi Casanovas
Dirección Israel Elejalde
Intérpretes Gonzalo de Castro y Elisabet Gelabert
Escenografía Eduardo Moreno
Iluminación Juanjo Llorens
Sonido Sandra Vicente (Studio 340)
Vestuario Ana López
Vídeo Joan Rodón
Música original Arnau Vilà
Ilustraciones Lisa Cuomo
Ayudante de dirección Pablo Ramos
Dirección de producción Aitor Tejada y Jordi Buxó
Una producción de Gonzalo de Castro, Israel Elejalde, Kamikaze Producciones y Buxman Producciones.
jueves, 25 de agosto de 2016
El Víctor Ullate ballet presenta Tierra Madre y Pastoral de L. V. Beethoven en los Teatros del Canal
Reportaje completo en www.eter.com
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan Tierra Madre y Pastoral de L. V. Beethoven, dos cereografías del repertorio del Víctor Ullate Ballet – Comunidad de Madrid. Se estrena hoy jueves 25 de agosto en la Sala Roja y estará hasta el 18 de septiembre.
Este espectáculo cuenta con la participación como artistas invitados de dos grandes estrellas de la danza: Lucía Lacarra y su partenaire Marlon Dino. Reconocida como una de las mejores bailarinas del mundo, Lacarra vuelve a ponerse bajo la dirección de su maestro para bailar Pastoral de L. V. Beethoven, una impecable coreografía de Ullate, que interpretará en nueve funciones, incluyendo el día del estreno (funciones del 25, 26, 27 y 31 de agosto y 7, 8, 10, 16 y 18 de septiembre).
En Tierra Madre los sueños y las esperanzas del ser humano van dirigidos a la naturaleza, convertidos en canciones y en danza. Pastoral de L. V. Beethoven es el camino de la vida: la niñez, los años del despertar, la madurez, hasta llegar a la vejez y la muerte. Con coreografía de Eduardo Lao y Víctor Ullate respectivamente, este espectáculo supone la reposición de dos de las más aclamadas piezas del repertorio del Ballet de Víctor Ullate.
En palabras del coreógrafo Eduardo Lao sobre Tierra Madre, “siempre tuve gran respeto por la naturaleza y todo lo que respecta a la relación del ser humano con la naturaleza. Por eso mi primer ballet para la Compañía fue Tierra Madre, donde quise plasmar el ideal de relación con la naturaleza, donde el hombre se sirve de ella en la relación más pura y respetuosa”.
En este ballet los bailarines utilizan algo tan trivial como un palo de madera, para unirse a través de su danza con un elemento natural. El ballet no tiene narrativa, pero si muestra una tribu imaginaria de hombres y mujeres que cumplen su función de supervivencia bajo la protección de la Tierra Madre.
Pastoral de L. V. Beethoven es una coreografía de Víctor Ullate y está compuesta por tres actos muy diferentes: el primero refleja la infancia y el despertar a la vida, el segundo son los años de juventud y la experiencia del amor, el tercero representa la sabiduría de la edad y el paso del tiempo, a través de la tempestad la magia de la Danza hace resucitar a los ancianos en el más allá. Después de la tormenta llegan la calma y el renacer.
Respecto a la música compuesta por Beethoven, Victor Ullate ha destacado que “la música de Beethoven siempre me ha inspirado, me gusta su fuerza, su energía, su sensibilidad; con Pastoral, que simboliza la naturaleza, he querido rendir homenaje a Ángela del Moral, compañera en el ballet de Antonio y amiga del alma a través de la que descubrí el amor”.
Teatros del Canal
Cea Bermudez, 1
25 de agosto a 18 de septiembre.
Tierra Madre
Coreografía: Eduardo Lao
Música: Mari Boine Persen
Pastoral, de Beethoven
Coreografía: Víctor Ullate
Música: Ludwig van Beethoven
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan Tierra Madre y Pastoral de L. V. Beethoven, dos cereografías del repertorio del Víctor Ullate Ballet – Comunidad de Madrid. Se estrena hoy jueves 25 de agosto en la Sala Roja y estará hasta el 18 de septiembre.
Este espectáculo cuenta con la participación como artistas invitados de dos grandes estrellas de la danza: Lucía Lacarra y su partenaire Marlon Dino. Reconocida como una de las mejores bailarinas del mundo, Lacarra vuelve a ponerse bajo la dirección de su maestro para bailar Pastoral de L. V. Beethoven, una impecable coreografía de Ullate, que interpretará en nueve funciones, incluyendo el día del estreno (funciones del 25, 26, 27 y 31 de agosto y 7, 8, 10, 16 y 18 de septiembre).
En Tierra Madre los sueños y las esperanzas del ser humano van dirigidos a la naturaleza, convertidos en canciones y en danza. Pastoral de L. V. Beethoven es el camino de la vida: la niñez, los años del despertar, la madurez, hasta llegar a la vejez y la muerte. Con coreografía de Eduardo Lao y Víctor Ullate respectivamente, este espectáculo supone la reposición de dos de las más aclamadas piezas del repertorio del Ballet de Víctor Ullate.
En palabras del coreógrafo Eduardo Lao sobre Tierra Madre, “siempre tuve gran respeto por la naturaleza y todo lo que respecta a la relación del ser humano con la naturaleza. Por eso mi primer ballet para la Compañía fue Tierra Madre, donde quise plasmar el ideal de relación con la naturaleza, donde el hombre se sirve de ella en la relación más pura y respetuosa”.
En este ballet los bailarines utilizan algo tan trivial como un palo de madera, para unirse a través de su danza con un elemento natural. El ballet no tiene narrativa, pero si muestra una tribu imaginaria de hombres y mujeres que cumplen su función de supervivencia bajo la protección de la Tierra Madre.
Pastoral de L. V. Beethoven es una coreografía de Víctor Ullate y está compuesta por tres actos muy diferentes: el primero refleja la infancia y el despertar a la vida, el segundo son los años de juventud y la experiencia del amor, el tercero representa la sabiduría de la edad y el paso del tiempo, a través de la tempestad la magia de la Danza hace resucitar a los ancianos en el más allá. Después de la tormenta llegan la calma y el renacer.
Respecto a la música compuesta por Beethoven, Victor Ullate ha destacado que “la música de Beethoven siempre me ha inspirado, me gusta su fuerza, su energía, su sensibilidad; con Pastoral, que simboliza la naturaleza, he querido rendir homenaje a Ángela del Moral, compañera en el ballet de Antonio y amiga del alma a través de la que descubrí el amor”.
Teatros del Canal
Cea Bermudez, 1
25 de agosto a 18 de septiembre.
Tierra Madre
Coreografía: Eduardo Lao
Música: Mari Boine Persen
Pastoral, de Beethoven
Coreografía: Víctor Ullate
Música: Ludwig van Beethoven
viernes, 29 de julio de 2016
Centro Danza Canal
Reportaje completo en www.eter.com
El Centro Danza Canal, ubicado en los Teatros del Canal de la Comunidad
de Madrid, ha mostrado "Kitchen" un proyecto de una de sus compañías
residentes, DaCru.
La gestualidad de las coreografías de DaCru mezcla el carácter metropolitano con el teatro, creando una atractiva fusión y un lenguaje enormemente contemporáneo que llega al público no acostumbrado a la danza tanto como a los habituales de eta disciplina. DaCru comenzó en 1996 como un proyecto de Marissa Ragazzo y Omid Ighani, los coreógrafos más representativos de la escena de la danza urbana italiana.
Marissa Ragazzo, la directora de la compañía apunta que “Kitchen -con coreografías de la propia Ragazzo y de Omid Ighanì- mezcla danza urbana y teatro, entendido como un espacio físico, algo totalmente desconocido en la cultura de calle cuando comenzamos (1996). En este espacio periférico abrimos una nueva vía al hip hop theatre, mezclando la técnica y la gestualidad del hip hop con el house, la danza contemporánea, el jazz rock etc…”
Centro de Danza Canal
Las convocatorias de residencias artísticas temporales del Centro Danza Canal se publican anualmente, y ofrecen la oportunidad a compañías que comienzan, junto a otras ya asentadas y de prestigio, de preparar su proyecto coreográfico en un centro con una de las mejores infraestructuras y dotación de técnicas de Europa, con nueve salas de ensayo, tres aulas teóricas, y otras facilidades adicionales, como camerinos individuales y colectivos, o la dotación de equipo de sonido y piano en todas las salas.
El Centro Danza Canal, ubicado en los Teatros del Canal de la Comunidad
de Madrid, ha mostrado "Kitchen" un proyecto de una de sus compañías
residentes, DaCru.
La gestualidad de las coreografías de DaCru mezcla el carácter metropolitano con el teatro, creando una atractiva fusión y un lenguaje enormemente contemporáneo que llega al público no acostumbrado a la danza tanto como a los habituales de eta disciplina. DaCru comenzó en 1996 como un proyecto de Marissa Ragazzo y Omid Ighani, los coreógrafos más representativos de la escena de la danza urbana italiana.
Marissa Ragazzo, la directora de la compañía apunta que “Kitchen -con coreografías de la propia Ragazzo y de Omid Ighanì- mezcla danza urbana y teatro, entendido como un espacio físico, algo totalmente desconocido en la cultura de calle cuando comenzamos (1996). En este espacio periférico abrimos una nueva vía al hip hop theatre, mezclando la técnica y la gestualidad del hip hop con el house, la danza contemporánea, el jazz rock etc…”
Centro de Danza Canal
Las convocatorias de residencias artísticas temporales del Centro Danza Canal se publican anualmente, y ofrecen la oportunidad a compañías que comienzan, junto a otras ya asentadas y de prestigio, de preparar su proyecto coreográfico en un centro con una de las mejores infraestructuras y dotación de técnicas de Europa, con nueve salas de ensayo, tres aulas teóricas, y otras facilidades adicionales, como camerinos individuales y colectivos, o la dotación de equipo de sonido y piano en todas las salas.
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