sábado, 19 de marzo de 2016

Kinematope [paisaje técnico] en la Fundación Telefónica

Reportaje completo en www.emiliotenorio.com

Kinematope [paisaje técnico] es la instalación que Pablo Valbuena ha desarrollado especialmente para una de las salas de exposiciones del Espacio Fundación Telefónica (que por primera vez desde su apertura se muestra totalmente diáfana). Un circuito de luz y sonido recorre el falso techo de la galería delineando los trescientos metros de cableado que distribuyen la electricidad de la sala y resultan vitales para su uso y funcionamiento.

La intervención revela un paisaje de instalaciones que, a pesar de su relevancia funcional, se encuentra oculto a la vista del espectador. Como explica el crítico Pau Waelder “Los sistemas que definen las condiciones de la sala (iluminación, conectividad, temperatura), ocultos en el techo, se hacen presentes en las sombras proyectadas por la estructura de LEDs y altavoces que dan forma a la obra. Sombras y luces dibujan espacios y volúmenes efímeros en las paredes y columnas a medida que luz y sonido se desplazan por la sala, siguiendo patrones de movimiento y ritmos cambiantes”.
En esta nueva creación, Valbuena logra subvertir de nuevo los elementos arquitectónicos. No solo dirige nuestra atención hacia aquello que suele permanecer oculto sino que, en lugar de utilizar como es habitual la sala a modo de mero contenedor para exponer obras artísticas, ésta se convierte en la obra en sí misma. De nuevo en palabras de Waelder, “al entrar en la sala no existe otra posibilidad que la de situarse en el interior de la obra”.
Como es frecuente en la obra de Valbuena, el artista hace coincidir el espacio que está realmente, con el espacio virtual que él genera. Conviven de este modo dos capas de significado aparentemente contrarias en un mismo espacio vacío: la permanencia y la solidez de la arquitectura con lo efímero y etéreo de la luz, lo material con lo inmaterial, lo real y lo digital, lo estático y lo dinámico, etc. Al cabo, Valbuena proyecta un nuevo espacio que transita por encima del ya existente y que, lejos de construirse con materiales físicos, se fundamenta en la percepción. “Considero que no trabajo en el espacio físico, sino en el mental del espectador”, comenta.

Sin duda, la palabra kínêma nos remite también al cine, una referencia constante en la obra de Pablo Valbuena: “el cine te integra en otra realidad espacio-temporal que no es real pero se siente como tal”. Del mismo modo que la ficción cinematográfica, sus obras nos sumergen a través del uso de la luz en un espacio y un tiempo que, a pesar de ser intangibles, nos parecen reales. Como apunta Waelder, “Kinematope no se limita a mostrar un lugar diferente en una pared de la sala, sino que hace de la propia sala un espacio diferente a sí mismo por medio de las ilusiones que genera”. En ese sentido, las paredes, el suelo y el techo de la sala conforman una especie de pantalla tridimensional inmersiva que trasciende la experiencia bidimensional del cine.

En definitiva, Valbuena nos brinda la posibilidad de ver como nunca antes la sala de este icónico edificio construido en 1929 como sede de Telefónica. La luz, algo en lo que no reparamos normalmente, un elemento que no deja huella, que no mancha, se convierte aquí en la herramienta que utiliza el artista para abrirnos la posibilidad de experimentar el espacio de un modo totalmente distinto. Como si la luz lo transformase e hiciera aflorar a la realidad aquello que normalmente no somos capaces de apreciar, el observador es transportado a un espacio y tiempos virtuales, manteniendo a la vez lo real.

sábado, 12 de marzo de 2016

Luminaria 02 en el Mercado de Usera

Reportaje completo en www.emiliotenorio.com y www.eter.com

Nueva intervención de Luminaria, esta vez en el mercado de Usera. Dos actuaciones de danza entre los diversos eventos programados para esta ocasión.
"Hoax" de Denislav Valentinov.
"Mater" de Seaven Dance Company /Marcos Galisteo Pedraz

Luminaria

Luminaria es una plataforma cultural creada por artistas que apuesta por una colaboración directa y permeable con los participantes y sus proyectos. Trabaja creando redes culturales en entornos urbanos, favoreciendo la conexión entre el arte contemporáneo en todas sus dimensiones y el tejido social.

Asociación Primario

Primario es una asociación que promueve y apoya diferentes manifestaciones socio-culturales destinadas para todos los públicos.


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viernes, 11 de marzo de 2016

Rodin del Eifman Ballet

Reportaje completo en www.eter.com

Boris Eifman dedica Rodin a la vida y obra del gran escultor francés y la trágica historia de su amor con su ayudante, amante y musa, Camille Claudel. Este ballet narra la historia de dos artistas donde todo se entrelazaba: amor, pasión, odio y celos artísticos. Tras más de 15 años juntos, rompen su relación y esto acaba con la salud mental de la escultora, quien pasará sus últimos 30 años en un sanatorio.

El ballet ruso de Boris Eifman representa el espíritu inmortal de los ballets clásicos rusos, pero llevado al máximo nivel de complejidad contemporánea, involucrando al público en el mundo infinito de las pasiones humanas. El coreógrafo, que define su género como “ballet psicológico”, es reconocido por la plasticidad y dinamismo de sus movimientos. A través de la danza, expresa la pasión, la lucha interna y la desesperación que Rodin y Camille expresaron a través de sus obras de bronce y mármol. Eifman transforma de manera magistral esos momentos tallados en piedra en un flujo emocionalmente rico de movimientos desenfrenados del cuerpo.

El Eifman Ballet es una de las mejores compañías de danza rusas de la actualidad. El ballet Rodin, con música de Maurice Ravel, Camille Saint-Saëns y Jules Massenet, fue estrenado en el Alexandrinsky Theatre de San Petersburgo el 22 de noviembre de 2011.

jueves, 10 de marzo de 2016

Downtango / Weightlessness – Gravity 0º

Reportaje completo en http://www.eter.com

A Lucía Marote ya la vimos en este festival bailando en la pieza Atávico de Poliana Lima que en esta ocasión acompaña a Lucía en este Downtango.

Hace ya tiempo que el tango abandonó los arrabales bonaerenses para convertirse en un baile social universal. Lucía Marote nos presenta un tango en el que la personalidad de los intérpretes se diluye en la danza. Un trabajo de suelo con momentos muy bellos en los que el espectador parece asistir a la danza desde abajo a través de un suelo de cristal. En algún momento he dudado sobre si debía girar alguna de las fotos al procesarlas.

La apuesta, como todas las de esta coreógrafa, es arriesgada, pero también muy interesante.

Lucía Marote (Costa Rica, 1980) empieza a bailar en Costa Rica y continúa su formación de danza contemporánea en Madrid a partir del 2004, donde nace su interés por la improvisación y la composición.


En Weightlessness / Gravity 0º (Estreno) de la Compañía Elephant in the Black Box, el bailarín y coreógrafo Jean Philippe Dury utiliza el cuerpo de una bailarina para unir su trabajo al de otras dos artistas, la bailarina Valentina Pedica y la compositora Teresa Catalán.

Muy interesante la escenografía y los elementos que en ella se utilizan para dejarnos asistir a la constante caída libre de una mujer.

Una obra excelente que he disfrutado como espectador y como fotógrafo.

Jean Philippe Dury ha sido bailarín de la Ópera de París, los Ballets de Monte-Carlo y la Compañía Nacional de Danza y de los Grands Ballets de Montreal. Funda en 2013 de la compañía Elephant in a Black Box, de la que es director y coreógrafo.

Downtango

Idea y dirección: Lucía Marote
Creación e interpretación: Poliana Lima y Lucía Marote
Música original: Vidal, a partir del tango “El Flete“ de Juan D’Arienzo
Diseño de iluminación: La Cía. de la Luz
Producción: Carmen Fernández

Weightlessness / Gravity 0º

Dramaturgia: Jean-Philippe Dury y EBBcompany
Coreografía: Jean-Philippe Dury
Escenografía: Jean-Philippe Dury
Música original: Teresa Catalán, “La danza de la princesa” (2010)
Iluminador: Alberto Perez Villa
Bailarina: Valentina Pedica

¡Corre!' en la Sala Mirador. Nada engancha más que las malas personas.

Reportaje completo en http://www.escenamadrid.com

Yolanda García Serrano escribe y dirige "¡Corre!". Un drama entre lo carcelario y lo fraternal que interpretan Antonio Zabálburu y Nur Levi.

"No es ¡CORRE! solamente un drama carcelario donde dos hermanos se someten a un ajuste de cuentas. Va más allá, y ahí radica su excepcionalidad: Va al corazón de la culpa, al miedo a reconocerse en el otro, a la infinita soledad de los personajes que solo pueden sobrevivir huyendo de su pasado", señala Joaquín Oristrell.

Hay hermanos que duelen, y ese es el caso de Kico, quien reaparece para perturbar la vida de Emma, su única hermana. Kico aprendió a correr antes que a andar. Emma, en cambio, siempre fue una niña buena que aprendió a guardarse de los golpes que se rifaban en la familia.

¡CORRE! transcurre a lo largo de un año, desde el invierno en que Emma visita a su hermano en la cárcel hasta la primavera cuando las ganas de correr de Kico determinan el futuro de ambos. "Nada engancha más que las malas personas" es la frase que sobrevuela la relación de estos dos hermanos.

Ficha artística:
Dramaturgia y dirección: Yolanda García Serrano
Intérpretes: Antonio Zabálburu y Nur Levi


martes, 8 de marzo de 2016

Sara Calero presenta El mirar de la Maja en el Festival Ellas Crean

Reportaje completo en www.eter.com

Sara Calero es una bailarina con sólida formación y con ideas originales. Acompañada por la cantaora Gema Caballero y los guitarristas Fernando de la Rua y Pablo Romero de Luis, nos ofrece un excelente espectáculo inspirado en imágenes femeninas goyescas en el que no sólo baila genialmente, también canta un divertido dúo con Gema Caballero.

En ‘El mirar de la Maja’, todo se aúna para dejar en el público esa plácida sensación que se tiene cuando al salir de un teatro se sabe que se ha asistido a algo especial.

La escenografía, sencilla y apoyada con imágenes proyectadas, no quita protagonismo a la danza, incluso lo refuerza. Un vestuario firmado por Carmen Granell siempre es un lujo por su belleza y por el erudito estudio que sabemos acompaña su diseño. La música, compuesta y adaptada por Fernando de la Rua con Pablo Romero y Gema Caballero arropa todo para redondear un espectáculo que sin duda recomiendo ver. Y recomiendo también programarlo, ya que este espectáculo sólo ha estado programado un día en el Festival y merece una larga temporada en algún teatro de Madrid.

SINOPSIS

Con una sólida formación, Sara Calero ha despuntado como una de las más versátiles artistas de su generación. Creadora de universos propios, construye paisajes escénicos poblados de baile y poesía, transgrediendo fronteras, asumiendo retos y combinando el virtuosismo técnico con la reflexión y las emociones. Tras el éxito de su primer trabajo en solitario Zona Cero, ahora se presenta en Madrid, en el marco de Ellas Crean El mirar de la Maja, una propuesta inspirada en imágenes femeninas goyescas, música de Enrique Granados y la figura de la artista Imperio Argentina.

Para ello Sara Calero cuenta con la colaboración de Gema Caballero al cante; de Fernando de La Rua a la guitarra flamenca y de Pablo Romero Luis a la guitarra clásica. Músicos de gran talento y preparación, entregados a la creación e interpretación de este nuevo espectáculo cargado de sensibilidad y frescura.

El mirar de la Maja nos transportará al mundo del lienzo, donde habita una mujer desconocida rodeada de pinturas, tonadillas y leyenda… Por esta obra Calero obtuvo el Premio Artista Revelación en el Festival de Jerez de 2014, siendo representada con igual éxito en el Festival de Flamenco en San Petersburgo, el Festival de Avignon, la Bienal de Flamenco de Roma y el Festival Flamenco en Berlín. 

sábado, 5 de marzo de 2016

'Mi cuerpo un hotel' de Mey-Ling Bisogno en el Festival Ellas Crean

Reportaje completo en www.eter.com

Me ha gustado “Mi cuerpo un hotel” como siempre me han gustado los trabajos de danza de Mey-Ling Bisogno. Aunque en esta ocasión no se trataba de una obra de danza. En esta ocasión se trataba de teatro físico.

La obra comienza con un personaje buscándose a sí mismo en la oscuridad, ayudado con la luz de una pequeña linterna. Ocasionalmente se encuentra en el haz de luz, pero de inmediato vuelve a su búsqueda. El personaje es interpretado por la actriz Marianela Pensado y el actor Tomas Pozzi, que nos presentan en sucesivas escenas el ser consciente y la mente inconsciente del mismo personaje.

Llega un momento en la vida en el que empezamos a hacernos conscientes de nuestra realidad y empezamos a asumir la vejez, a soportar el duelo, a aceptar los fracasos como parte necesaria de nuestra formación como humanos. Desde ese momento nuestro universo interior empieza a mostrarse ante nosotros y, invariablemente, lamentamos que esta nueva perspectiva tal vez llegue demasiado tarde. Tal vez.

Una obra muy interesante que recomiendo ver, cuando se reponga en cualquier teatro, ya que la “temporada” programada en el festival Ellas Crean, ha sido de un único día.

SINOPSIS
Mi cuerpo un hotel es una propuesta de teatro físico creada por la coreógrafa y bailarina Mey-Ling Bisogno, la actriz Marianela Pensado y el actor Tomas Pozzi. La obra es el resultado de una puesta en común de los respectivos universos emocionales de estos tres creadores, a partir del conflicto interno que se genera cuando se toma conciencia de la vejez, de la resistencia, la rabia, el duelo y la aceptación…

En el proceso creativo Mey-Ling se inspiró en cuatro textos, Will happiness find me de Peter Fischli y David Weiss; 58 indicios del cuerpo: extensión del alma de Jean-Luc Nancy; La mosca es un incesto y Que porquería es el glóbulo de José María Firpo, que le sirvieron para imaginar el universo interior de la mente del otro.


Ficha artística:

Dirección, dramaturgia y coreografía - Mey-Ling Bisogno
Música original - Martín Ghersa
Diseño iluminación - Paloma Parra
Reparto - Marianela Pensado y Tomás Pozzi
Compañía - Compañía Mey-Ling Bisogno



Luminaria 02

Reportaje completo en www.eter.com

Esta mañana me he acercado al Mercado Jesús del Gran Poder. Dos eventos de danza programados en la programación de Luminaria 02 me han hecho interesarme por este proyecto.

En la planta baja del mercado puede verse una exposición, con temática de danza, de fotos y vídeo de Lara Padilla López y Javier Mosquera de la Vega, coordinada por Dans off Proyect y la Asociación Primario. Al interés de las obras en sí, se añade lo sorprendente de la instalación. Las fotos pueden verse en el escaparate de uno de puestos del mercado y el vídeo en su interior.

Por otra parte bailaba Nicolas Rambaud su pieza “SOLOPORELAMORALARTE”. Una propuesta coreográfica para reivindicar una cultura libre y exigir la presencia del arte en nuestra sociedad. La pieza se acompaña con el preludio de la 5ª Suite para violonchelo de Bach interpretado en directo por Julia Torralba.

Luminaria

Luminaria es una plataforma cultural creada por artistas que apuesta por una colaboración directa y permeable con los participantes y sus proyectos. Trabaja creando redes culturales en entornos urbanos, favoreciendo la conexión entre el arte contemporáneo en todas sus dimensiones y el tejido social.

Asociación Primario

Primario es una asociación que promueve y apoya diferentes manifestaciones socio-culturales destinadas para todos los públicos.

viernes, 4 de marzo de 2016

Ellas Crean 2016 la Compañía Poliana Lima nos presenta Atávico

Reportaje completo en ETER.COM

Atávico explora a través del movimiento los posibles paisajes de la violencia como fuerza que nos convierte en víctimas y verdugos a la vez. Sin la intención de crear una narrativa, la pieza busca más bien una poética que sea capaz de generar una experiencia escénica, experiencia conectada con las sensaciones de violencia y su repercusión en el cuerpo.

Se torna indispensable en el proyecto la apuesta por los cuerpos “cotidianos”, fuera de los patrones estandarizados, con la voluntad de compartir la belleza del movimiento y la gestualidad más allá de los cánones, así como la danza más allá del virtuosismo

En 2014, Atávico ganó el primer premio en el XVIII Certamen Coreográfico de Madrid, además de premio de público, premio de crítica, Beca Dance Web 2015 y residencia en Tanzhaus, Zurich.

Ficha técnica y artística

Concepción, dirección y coreografía: Poliana Lima
Intérpretes: Aitor Galán, Lucía Marote, Maria Pallares y Poliana Lima
Música: Vidal
Iluminación: Pablo R. Seoane
Vestuario y atrezzo: Poliana Lima
Producción: Carmen Fernández
Dirección Técnica: Pablo R. Seoane
Duración: 50 minutos

jueves, 3 de marzo de 2016

SALOMÉ de Oscar Wilde

Reportaje completo en ETER.COM

Una deliciosa coreografía, delicadamente sensual con momentos de demencial furia, ha sido sin duda el momento álgido de esta noche. El público ha aplaudido a Victoria Vera cuando ha terminado la danza de los siete velos, que ha ofrecido derrochando arte y sensibilidad. Nadie diría que no es una bailarina al ver esos pies perfectamente estirados tras los que adivino muchas horas de ensayo con el autor de la coreografía, Ricardo Cue.

También voy a mencionar a Inés Morales, que borda su papel de Herodías y por supuesto a Manuel de Blas que ha dotado a su personaje, Herodes, de la carga adecuada de histrionismo.

Y no sería justo si no dijera que el resto del elenco ha estado a la altura para ofrecernos una excelente obra.

El próximo 1 de abril, habrá un encuentro con el público con la presencia del equipo artístico de la obra.

Sinopsis

Oscar Wilde, poeta irlandés, escribió la obra en francés, pero no se libró de la persecución de la censura ni en su literatura ni en su vida. La obra fue prohibida en Inglaterra y se estrenó en Paris en 1896, mientras Wilde estaba en la cárcel cumpliendo condena por homosexualidad; el enorme éxito fue su único consuelo en aquellos dos terribles años. En el contexto del arte simbolista y decadente, la figura de Salomé adquiere una dimensión singular como plasmación del mito de la mujer fatal -reflejo de la misoginia de la época-, una belleza maldita que trae la destrucción; Wilde describió a su protagonista como una "trágica hija de la pasión". "Los siglos acumulan sueños y visiones sobre ella", dijo también el autor, sin duda nuestro tiempo tiene algo nuevo que decir sobre ella.

Se presenta aquí una nueva versión, respetuosa con el original en la letra y en el espíritu y que ahonda en los conflictos interiores y deseos frustrados de los personajes. Tras los momentos culminantes, la danza de los siete velos y la decapitación de Juan el Bautista, la tensión creciente conduce al estremecedor monólogo final.

Dirección: Jaime Chávarri.
Con: Victoria Vera, Manuel de Blas, Inés Morales, José Carlos Illanes, Jacinto Bobo, Ignacio Gijón, Joaquín Oliván, Álvaro Navarro y Miguel Berlanga.
Coreografía de Ricardo Cue.